中国艺术研究院多难考

河南商报记者 熊卓甜/文 记者 王访贤/摄第一批90后30岁了。 事业有所成就吗？有车有房有存款吗？结婚生子了吗？在“别人”眼里，这些可能成了衡量他们的标签。有人如临大敌，觉得自己三十没有立起来，恐慌前途灰暗；有人不急不躁，认为不过才30岁而已，人生刚刚起步，何必这么丧？事业嘛，人生路上，步履不停，就像王小波在《三十而立》中说的那样：三十岁之前有很长的路，因为我们老是在展望，到了三十岁我们就在路上了，我们该埋头苦干赶路了！种一棵树最好的时间是十年前，其次是现在，30岁而已，再出发并不晚。 那感情呢？有人认为30岁已经老了，不配拥有爱情；也有人认为：30岁又怎样，半年前我还在为爱情掉眼泪...... 今天，我们走进5位30岁创业者的生活，聊了聊爱情那些事儿！ @闹闹：30岁怎么了？这个标签，是要把我归为不可约会对象吗？闹闹，1990年生，一位古代着装卖家。大学毕业就走上了小众的创业之路，时间自由，常年奔走在日本、泰国等古着店淘货。30岁来临之际，她给自己换了个新的工作室，宽敞明亮还带有心心念念的小院子。创业之路很顺畅，感情上也绝不牵强。 “二十多岁的时候，家里总是催我，给我的压力很大，反倒成为寻找伴侣的阻碍，后来见我迟迟没有动静，他们也就放弃了。一定是精神独立、经济独立的我让他们放心了！” 当问起她30岁是否还会对爱情有憧憬时，她的回答是很坚定的。她觉得不管是30岁还是80岁都有敢爱敢恨的权利，对现在的她来说，不管单身还是两个人，又或是结婚，不断成长才有能力爱别人，等着别人愿打愿挨付出这事儿只存在于偶像剧和撞大运。 “你若盛开，便不会在意清风何时会来。现在这个年代的30岁，其实只是25岁+而已，我将饱含对生活的热情，对爱情的期待，继续做个young lady！ @大涛30岁，空荡荡的房子里，多了一位女主人大涛，1990年生，2017年3月份开始创业，开了自己的小公司，做影视动画。忙的时候每天加班，随时招呼着甲方爸爸；不忙的时候出去见见人，在家做做饭也是常态。他的2019年，虽时常为工作焦虑，但好在空荡荡的房间住进来一位女主人，让生活有了新的出发点。 “经朋友介绍认识的她，比我小三岁。第一次约会是在大夏天带她去樱桃园摘樱桃，那天特别热，现在想想这直男的安排也是很上头啊……我提前买好了早餐、备着水和湿巾，还有一些零食等，但没想到这些细心的举动竟然打动了她，觉得我很贴心、靠谱，樱桃园之恋就这样开启了哈哈～” 俩人恋爱一年多，在2019年10月份结婚了。说起结婚前后的改变，大涛仔细想了想，发现俩人的状态一直都挺平和的，互补的性格，基本不会吵架；双方家长也很给力，不干涉也不共同生活，有足够自由的空间，但让他惭愧的是，好像给她的小惊喜和仪式感变少了。 “记得没结婚前，她回学校领毕业证，回来的时候我去车站接她，在副驾驶上放了一束花，她当时特别开心。不过那次也是最后一次送她花了……我们也就刚在一起不到两年，如果一结婚就不注重仪式感和惊喜感，那确实对她来说挺不公平的，本来她比我小，也就还是个小女生而已。” 大涛是个实在人，不会每天说晚安，也不会说土味情话，但他可以通宵加班赶进度以早些兑现承诺她的旅游。 “生活需要激情，爱情需要保鲜。三十而立的爱情，让我中意的人在身边笑。” @侯哥30岁，柴米油盐酱醋茶的爱情，带着牵挂，晚点投降侯哥，1990年生，2018年底从稳定的单位离职，踏上软包装创业之路。 “2016年10月份结婚，2017年9月份宝宝出生，从最开始不放过任何节日，一定要给她买礼物，到现在只在过生日时才会制造点小惊喜，生活越来越平淡和归于现实。有了孩子，我俩基本没有二人世界，如果非得给爱情定义，那就是柴米油盐酱醋茶，如果说彼此的惊喜，那就是带孩子去游乐场玩，吃一顿大餐。” “媳妇儿做好的热饭、闺女第一次开口叫爸爸、出门在外的牵挂……有亲情，有爱情。我的30岁，依旧为生活拼搏。” @丹丹30岁，一点也不恐慌，反正已经嫁完了！丹丹，1990年生，地道河南人，2009年到北京上学，北师大四年本科，中国艺术研究院三年硕士，毕业以后进入海淀区的一所小学担任舞蹈老师，但不甘于一眼就望到退休的日子，于是留在北京开了间梦想的奶茶店，她的爱情也像奶茶一样甜。 2010年的一面之缘，时隔五年后才正式确定关系，一年恋爱后，结婚。“我们俩都不是矫情造作的那种，没有特别在意仪式感，从不刻意制造浪漫，日料大餐想吃就吃，地摊烤串也都不在乎，开心最重要。” “在北京，节奏很快，如果刻意奢求什么，那活的太累了，所以我俩一致决定，要知足！周末会收拾房间、做饭、一起去奶茶店看看，晚上会阅读，泡泡脚，俩人在一起每天都开心，这就是最美好的爱情吧。” 问丹丹30岁还有什么想做的？她说：我，财务自由，心态自由，奶茶自由，是时候生个宝宝啦！” @任飞30岁的爱情？爱情本来就不是很可靠，两个人紧密关系的纽带应该是亲情任飞，1989年生，大家称他为“啤酒大神”，因为他为了开自己的“啤酒bar”喝了1000多款啤酒……他的感情经历很平常，就是看对眼了，然后恋爱，结婚，生子…… “回顾自己的30岁，挺忙的，还多了一个孩子，于是许多事都开始变化，对未来也有一些实际的计划了，或许现在我才开始过生活。关于爱情？爱情向来和激情都比较近似，激情总得褪去的，也不能天天都像发了情吧，有时候惊喜，有时候低落，有时候平静，这才是正常的爱情状态。” 可任飞当了父亲之后，才明白，原来亲情才是两个人紧密关系的纽带。 Saying：创业很难，爱情很暖。当劳累了一天回到家，在你身边的那个人就是最好的感情寄托；当你为困难焦虑、犹豫不定，枕边人会做你坚强的后盾。30岁而已，无需为单身烦恼，也不必纠结爱情的定义，轰轰烈烈也好，平淡纯真也罢，舒服最重要。（编辑：郭爽 施尚景 吴冰）

点击蓝色字体关注“艺术考研情报局”明天就是元旦小长假了放松休息的同时别忘了，复试备考哦2019年中国艺术研究院711 艺术概论（专硕）试题解析综合以上，跨专业考试要从自己的实际情况出发，可以将需要考虑的事项逐个列举，一一排除，最后选择适合自己的专业。

中国艺术研究院2020年博士研究生招生考试 复试工作方案中国艺术研究院是文化和旅游部直属的集艺术科研、艺术教育、艺术创作、“非遗”保护和文化智库为一体的国家级综合性学术机构。为维护中国艺术研究院良好的招生信誉，为国家培养出更多的艺术研究、艺术管理和艺术创作高级人才，根据教育部办公厅《关于做好2020年招收攻读博士学位研究生工作的通知》（教学厅函〔2020〕9号）等文件要求，现将2020年博士研究生招生考试复试方案公告如下：一、进入复试考生的基本分数要求2020年教育部下达我院的博士研究生招生计划人数为100人。根据教育部、北京教育考试院关于博士研究生招生考试录取工作的有关规定，我院2020年博士研究生招生考试进入复试的基本分数要求为：1. 理论研究型考生：（1）外国语单科40分（含）以上；（2）专业一单科78分（含）以上；（3）专业二单科80分（含）以上；（4）政治理论（同等学力加试）60分（含）以上。2．创作研究型考生：（1）外国语单科40分（含）以上；（2）专业一单科78分（含）以上；（3）专业二单科70分（含）以上；（4）政治理论（同等学力加试）60分（含）以上。3．报考与河北传媒学院联合培养的考生：（1）外国语单科40分（含）以上；（2）专业一单科78分（含）以上；（3）专业二单科85分（含）以上；（4）政治理论（同等学力加试）60分（含）以上。二、进入复试考生名单（以考生编号顺序排列）（一）理论研究型考生：141人1.艺术学理论：31人4.美术学：16人5.美术设计：24人（二）创作研究型考生：72人1.美术学：64人2.美术设计：8人（三）报考与河北传媒学院联合培养的考生：2人根据我院划定的复试分数线，进入复试的理论研究型考生141人；创作研究型考生72人；报考与河北传媒学院联合培养的考生2人，总体录取复试比例为1:2.15。

在我近30年的美术史论的学习与研究中，见证了数不清的画家的艰辛探索过程。他们中有亲人、师长、同学、同事，而今又有了学生或各路的后生晚辈。亲人的画，说了也白说，不起作用；师长的画，不敢轻易造次；同学的画，从不顾及他们的脸面；同事的画，以恭维为主；学生的画，以鼓励为主，真诚的鼓励——也许是活到做老师的年纪，才懂得推己及人，才承认做一点事多么不容易，才领悟宽容是最大的美德。谢增杰与我相识于我承担的中国艺术研究院研究生院“20世纪中国画”的课堂上，算是我的学生，只听过6堂课的学生，直觉是个朴实、寡言、有些腼腆的人。他拿给我两本画册，希望听听我的意见。翻开这两本画册，全是山水：有写生、有创作，有水墨、有设色，有横卷、有立轴、有册页。中国画是难得！有人说中国画中山水最难，难在布局，难在整体气势的把握，难在笔墨的丰富、锤炼以及落实，更难在意境的营造。其实画好人物画和花鸟画又谈何容易，关键在于解决好形似与神似。相比之下，山水画倒少了一层形似的束缚。明清以来的山水画家，起手是临摹，再游历山川以求丰富视野、拓展胸襟、增加感性，即先学规矩，再用“受训”的眼睛看山水。新式美术教育大昌于中国后，尤其是在新中国成立后，中国画首重写生，几乎所有的山水画家都要经过对景落墨的“写生”训练。两种方法各具利弊。前者不容易跳脱前人窠臼，后者不容易形成自己的风格，更容易造成笔墨欠锤炼的局面。有过写生经验的人都知道，自然山川远不似山水般脉络清晰、洋洋安排得宜，更不是每一种你要选取的物象都能立刻找到合适的笔墨关系进行安放；当你在自然面前踌躇、紧张调度的时候，笔墨所要求的松弛、自然又很难照顾周全。多难！办法也有，无他，多画而已。谢增杰在写生上没少下工夫，是个能吃苦并乐于吃这种“苦”的人。广东的罗浮山、丹霞山、西樵山、鼎湖山，山东的泰山，安徽的九华山，陕西的华山，甘肃的麦积山，江西的三清山，北京的莲花山、云蒙山、香山，他南北东西地攀援。近些年他生活在北京，对北方山情有独钟，从画上看确有所感有所悟。中国向以长江分南北，大致北方粗犷，南方隽秀。但广东这个最南方，与典型的“南方”大异，诸如口音浓重，食材庞杂，植物浓艳，既非“草色遥看近却无”般朦胧，也非“小桥流水人家”般宜人，倒是有几分直爽、雄健、浓烈的北方意味。从高剑父、高奇峰到黎雄才、关山月、赖少其，就很突出地彰显了这种地域特征。这或许就是岭南派一系最终压倒广东国画研究会一脉的重要原因。谢增杰的画便有着较为明显的与“岭南”血脉相连的这种地域涵养出来的气质。写生对于山水画家的重要性几成定论，但对于要从写生里找什么、写生能解决什么问题等，不是每个山水画家都有清楚的认识。我认为，“写生”首先要有“生”意——生动之意。这一点谢增杰做到了。他的写生居然能体现出“情绪”“冲动”“热情”，你放佛能见到他面对眼前景象时的兴奋和幸福感，而绝不是对景“描”“摹”。这是非常可贵的。写生其次要从自然中找画法，而不是相反——拿着在画室里形成的方法去画自然。写生可以不完美，但一定要有这种从自然中找方法的主观意识。和许多画家一样，谢增杰的写生中也时有面对自然的无措，但能明显感觉到他在有意识地解决问题：有的主要解决云在画面的流动，有的重在解决山、路在画面的穿插，有的纠缠于树的浓郁与茂密，有的热衷于水的明净与透润；有的重点放在白、虚，有的则在黑、实；有的求动，有的求静……写生之外，当然还有临摹。临摹常常被等同于传统，似乎从20世纪末21世纪初开始，过去被鄙视到最低点的传统再度得以高扬，几乎没有人胆敢声称自己不要传统、不做临摹。但是断裂的传统哪里是说捡就能捡回来的！临摹被公认为重拾传统的有效方法，但怎么临摹和临摹什么就千差万别的了。这一点即便是顶级的美术学院也尚在探索。自学出身的谢增杰的临摹经验至少有三点是值得借鉴的：首先，他始终从自己在不同时期的兴趣中寻找临摹对象，从起初的张大千、赖少其到后来的傅抱石、李可染、黄宾虹等，喜欢谁便临谁，这容易做到理解地临。其次，他对临摹对象的选择经过了由古至今、再由古及今的几个反复。临了张大千、赖少其后，觉得仅有喜欢是不够的，学了人家过于风格化的样貌，还是会在面对自然的时候无从下手；于是往“四王”石涛、八大山人、董其昌、龚贤甚至明之沈周、元之王蒙、宋之米芾那里去追，这个过程使他深刻感觉到自己理解自然的“眼睛”被悄然之间改造了；进而，再回到黄宾虹、李可染、陆俨少等更有“新”意、对今天更具有直接借鉴意义的现代画家，同时结合写生，体会前人总结、概括自然的经验；在一番转益多师之后，又重拾初期学画时临**过的《芥子园画谱》，解决诸如一石一树的细节问题，寻找一勾一勒间笔性的自由书写感……每一次的反复都获得了不同于以往的艺术认知，这样的反复相信还要不断进行下去。举凡所有画种，这种方法最适用于中国画的学**，而且也是学**中国画的唯一正确方法。非科班出身的谢增杰“发现”这种方法毫不神奇。一方面，所谓正确方法绝非玄奥的虚妄之谈，一定都是非常朴素、平常而且本质的东西，“发现”它无需了不得的水平；另一方面，正确方法往往是“聪明人”认为的笨办法，只有踏实、勤恳的人才肯真的去做——它费时较长，“见效”较缓，但却有可能品质更好，后劲更强。选择“笨”办法还是“巧”办法，能见出一个画家的品质，也能最终反映在画面上。其实，学院的临摹课方法也无非如此，但有两个问题：一、老师选的临摹对象不一定是每个学生有兴趣或适合于每个学生的，常常会变成为了学分的应付，而非内在的自觉；二、如果对临摹缺乏认识，又很难在学校学**之后进行像谢增杰这样的“反复”，于是，临摹课之“前功”便“尽弃”矣！中国画学**与学院教育的矛盾就体现在这里，这也是新式学院教育以来没有培养出一位大师的主要原因之一，即中国画是主要靠自学的，是要靠长期、反复回到原点的磨练的！谢增杰的经验难道不值得学院出身的中国画家们思考和借鉴吗？第三，临摹、写生的同时，谢增杰还重视中国画论及美术史的学**，重视各种文化修为，目的是提高艺术的眼界和认识。这与只顾闷头画画不屑于一个层次，要知道艺术说到底是认识或境界的高低问题，认识不高，岂非画得越多越糟糕？理论上讲，对艺术的认识永远有提升空间，是一件需要活到老学到老的事情，也是需要用持续一生的敬待艺术之心才能做到的事情，希望谢增杰能坚持下去。从壬辰年（2012年）开始，你会发现谢增杰的画有了一个极大的进步。进步之一是用笔。之前的用笔多为放笔直写，凭借一种热情和冲动放开胆量地画，还照顾不到笔线自身的变化，而之后的用笔不仅干湿浓淡，轻重缓急的变化相当丰富，而且还有相当健壮的内在骨力。如果比较其2012年前后的书法，便可轻易得到答案。谢增杰一直喜临《好大王碑》，但直到2012年似乎才将用笔慢下来，去掉“行草”意，转而追求楷隶的味道。就目前来说，他主要取《好大王碑》醇厚、朴素、真率、简散、劲涩之意，以及结字的横势、笔画的细微而丰富的变化等，似未顾及《好大王碑》用笔之圆浑、结字之开张跌宕、节奏之强烈、气势之恢弘等。当然，学**前人只需取契合自身气质之处即可，未必面面俱到。总之，谢增杰目前的这种简散、疏朗的字，不仅与其画面构成内在地和谐，而且一定程度地缓解了墨色偏浓重、用笔偏粗壮的画面所造成的紧张感，丰富了画面的精神意态。行里人常说，“画是由字管着的”，换句话说，字的水准相当程度上决定着画的水准。谢增杰的实践便是一个活生生的例子。进步之二是用墨。之前的用墨则起到了强烈的整理画面的作用，“留”与“堵”更加肯定、自信，“厚”与“透”的掌握也更到位。进步之二是结构。这方面的进步最为显著——仿佛在壬辰年，画面“突然”完整了，结构“突然”清楚了！当然，做到这种程度，绝非“突然”。我想，应该与他的临摹有关，也与他有幸没有太深地中素描之“毒”有关。中国画的画面构成有它自身的基础课的做法，使这个系统很难安放，这是所有学院出身又试图回归传统的中国画家的烦恼，而未经严格的科班训练的谢增杰显然“因祸得福”，未上素描的“贼船”。要知道，只有做到中国画式的“完整”，才称得上是一张中国画。我很欣赏谢增杰的一方印的印语——见山是山。这源于一个著名的典故。据说一位名为青原的禅师曾说自己：“三十年前未参禅时，见山是山，见水是水。及至后来，亲见知识，有个入处，见山不是山，见水不是水。而今得个休歇处，依前见山只是山，见水只是水。”意在用观山的三个层次指示看待事物的三个阶段或三种境界，即由感官层面到感知层面，最后到达物我归一、无物无我的平常心之境。谢增杰自认为目前处在第一个层次，其谦虚的态度中体现了诚恳的为人和对未来的信心，因为只有有自信的人才会坦言眼下的局限。最后还是要说说我的期望和一点建议，仅供谢增杰参考。一、目前的画面以满、繁密为主，这一方面使画面丰富、坚实，一方面也使画面少了些空灵和想象的东西，似可在坚实、深厚中寻找一些灵秀的表现；二、目前的画面以短线为主，其益处在于使画面拥有了一种内在的动感，弱化了浓墨重笔造成的密实感，但同时缺少了长线条带来的画面之“整”，使得画面的节奏、脉络及强烈和醒目的程度等受到影响；三、具体的细节，如树、屋、舟、人等还需更加明确，再临摹的时候不妨对这一点多加关注——因为在解决了大结构之后，细节决定着画面的成败与水准；最后一点，当然也是最难一点，就是山水画的诗意表现问题，做到这一点非常难，它是综合文化素养的呈现，需要长期努力才会有所得，希望谢增杰也能在这个高度上有所努力和坚持。#美术研究#当然，以上也仅仅是一个旁观者的建议，具体实践中还是要依循自己的心游行自在。希望早日见到谢增杰“见山不是山”进而“见山只是山”的新境界。作者/华天雪美术研究｜中央美术学院硕士研究生：于欣驰美术研究｜中央美术学院博士毕业生：阮梅油画美术研究｜名山许游未许画，画必似之山必怪，不似之似当下拜！画家不一定是隐士，而隐士基本都是画家，这是中国特有的文化现象研究｜画见其大象，而不为斩刻之形；画见其大意，而不为刻画之迹

5月23日，中国艺术研究院莫言书院、田青书院、田黎明画室、杨飞云画室、何家英画室、赵建成画室和吴玉霞乐坊七个学术、艺术工作室的揭牌仪式在中国艺术研究院举行。中国艺术研究院院长、中国非物质文化遗产保护中心主任、中国国学研究与交流中心主任连辑，文化和旅游部非物质文化遗产司司长陈通，中国艺术研究院副院长、中国非物质文化遗产保护中心副主任王福州，院副院长牛根富、刘宏昌，文化和旅游部非物质文化遗产司办公室主任杨晓辉，中央音乐学院三弦演奏家谈龙建，空政文工团二胡演奏家邓建栋，中央民族乐团柳琴演奏家张鑫华、打击乐演奏家朱剑平、扬琴演奏家谌向阳、箜篌演奏家吴琳，北京光中文教馆执行长慧得法师，星云文化教育公益基金会秘书长张静之，三弦演奏家、哈尔滨音乐学院青年教师张馨元，中国歌剧舞剧院中阮演奏家王薇，中康文旅集团董事长康维海、广西宝盈投资董事长任江杰、一品尚书房创始人孙伊如、北京工笔重彩画会副会长兼秘书长金沙和中国艺术研究院各所负责人、中心主任，中国画院、中国油画院、文学艺术创作研究院等创作机构的专家、学者、艺术家以及各方媒体近百人出席了活动。揭牌仪式由中国艺术研究院常务副院长、研究生院院长吕品田主持。吕品田常务副院长首先介绍了七个工作室的定位：中国艺术研究院学术、艺术工作室是中国艺术研究院为杰出学者和艺术家搭建的高端学术和创作交流平台。这七位学者和艺术家均为中国艺术研究院的杰出人才：莫言先生是第一位获得诺贝尔文学奖殊荣的中国籍作家，创作成果丰硕；田青先生是著名音乐学家，著作等身，积极推动非物质文化遗产保护工作；田黎明先生在当代写意人物画、杨飞云先生在当代写实油画、何家英先生在工笔人物画、赵建成先生在写实人物画创作领域中，造诣精深，成就卓著，社会影响广泛；吴玉霞女士是当代著名琵琶演奏家，技艺精湛，蜚声中外。七位学者和艺术家为时代、民族，为当代中国文化的建设与繁荣做出了贡献。我院一直坚持“人才优先、以用为本”的原则，强调“尊重劳动、尊重知识、尊重人才、尊重创造”，不断创新人才工作机制，完善人才队伍建设，构筑高端的国家级学术平台，在组建学科体系完备的人才梯队、加大人才培养使用力度、拓宽学术交流渠道等方面卓见成效，为人才发展营造了具有良好学术氛围的成长环境。本次揭牌的七个工作室也是继2012和2013年成立秋雨书院和范曾文苑之后，中国艺术研究院切实落实习近平总书记关于人才工作讲话精神的又一举措，进一步促进和创新了人才工作机制的建设与完善。 连辑院长和各工作室的学者、艺术家依次为中国艺术研究院七个学术、艺术工作室揭牌。莫言先生代表七个工作室的学者和艺术家上台致辞。他表示，在中国艺术研究院工作的十几年中，深深地感受到中国艺术研究院对人才和人才培养的重视。新成立的七个工作室，将激励学者和艺术家们在新的平台上为国家和人民努力创作，为中国艺术研究院的发展和建设作出更多的成绩。莫言表示，未来七个工作室的门应是相互连通对外敞开，任何一种艺术创作必须要向其他艺术门类学习，才能够在本专业的创作中有所突破和创新。中国艺术研究院专业设置丰富，是从事艺术创作的宝地。在全院上下的齐心协力中，中国艺术研究院必将前途无量、大放光芒。著名三弦演奏家谈龙建女士作为院外嘉宾致辞，她肯定了中国艺术研究院成立学术、艺术工作室的战略举措，赞扬吴玉霞乐坊的成立将对综合学院式教学、文艺团体的舞台艺术和学者式研究三方面构成有机整合，为民族音乐艺术提供新的人才培养模式。连辑院长在总结致辞中首先代表中国艺术研究院向七位学者和艺术家们表达了祝贺。随后，他着眼于人才发展大局，就中国艺术研究院的人才工作提出如下三点要求：第一，当今国家的发展已逐渐转向物质和精神并重。不同于物质生产的是，精神生产的每一次都是创新。因此，精神生产者的数量、质量变得更为关键，重视人才培养已成为全社会的共识。作为国家级的艺术研究、创作与教育机构，中国艺术研究院在人才建设领域须有超前意识、引领意识和更为先进的人才观，才能把国家级的团队打造成国家所期望的团队；第二，文化艺术事业的发展需要“专才”，更需要“通才”。所谓“通才”，既要有“气”和“道”的高度，又须具备“术”的手段。如此，才能在“术”的领域取得突破，攀上高峰。中国艺术研究院是为人才由“专才”走向“通才”而搭建的平台：在这里，各个艺术门类之间可以无障碍的沟通、学习、交流；第三，文化和艺术的发展，一定是“文”前“艺”后，即“文而优则艺”，“艺而优则文”。艺术创作的高峰并非产生于艺术高原之上，而是产生于文化高原之上。文化高原指的是综合修养，包括思想、观念、立场等多方因素。因此，只有具备了眼界、格局、审美、知识、阅历等条件，艺术上才可能获得突破到达顶峰。最后，连辑院长总结道，“中国艺术研究院将充分利用锻造通才的平台，吸引更多人才。今天揭牌成立的七个工作室只是第一批，今后还会陆续有人登上这个荣誉平台。此外，我们还将聘请终身研究员、二级研究员，通过一系列相互配合的组合措施，打造高端人才队伍。”毋庸置疑，中国艺术研究院学术、艺术工作室的成立将为中国艺术研究院杰出人才搭建高端平台，同时又可为学术研究、艺术创作创造优质环境。此举将会充分发挥中国艺术研究院杰出人才在文艺创作和研究领域的表率作用，积极引领当代艺术科研与创作发展方向，鼓励学者和艺术家勇攀理论和实践的高峰，创造出无愧于时代，无愧于历史的佳作。（光明融媒记者郭超）

作为落户山东的“三大国展”的其中一项大展，第十三届全国美术作品展览中国画作品展目前正在山东美术馆展出，观众参观热情高涨。10月22日，以“‘三大国展’齐聚山东 共庆新中国70华诞”为主题的山东文艺大讲堂第二期如约而至，中国艺术研究院美术研究所教授、博士生导师杭春晓带来题为《1980年代以来的水墨创作——从‘水墨’概念谈起》的讲座，讲座内容极为丰富，杭春晓深入浅出地畅谈了近40年来“水墨创作”发生与发展的线索，将听者带入一个纷繁与复杂的水墨创作世界。讲座结束后，杭春晓接受齐鲁晚报·齐鲁壹点记者专访，畅谈中国画创作的创新与发展，以及他眼中好的中国画创作。山东省美术家协会主席、山东美术馆馆长张望主持了本次大讲堂，山东艺术杂志社主编王之明在讲座结束之后做了总结点评。中国画创作的问题不是工笔与写意谁强谁弱的问题杭春晓教授认为，第十三届全国美术作品展览中国画作品展作为国家级美术展览会，与水墨画的当代史息息相关，讲座以近40年来的水墨创作为对象，旨在为理解全国美展提供新的视角。第十三届全国美展中国画展开幕后，不少专家和观众发现，中国画展中工笔画的入选数量不断攀升，水墨写意的作品处于相对弱势，而介于写意、工笔的作品逐渐增多。有的专家随即提出中国画创作不要把写意丢失太多，还应把它捡回来，并注重时代需求和审美特点，这才是中国画发展需要紧紧扣住的一个主题。对于大家普遍讨论的工笔与写意谁强谁弱的问题，杭春晓认为，把中国画的问题简单地认为是工笔、水墨写意的问题，很有可能会把真实的问题给遮蔽了。“工笔、写意只是一种创作的实现方式，关键是这种方式呈现了什么新的关于艺术的问题、看法，而不能只是简单地工笔多写意少就发展写意。中国画创作过程中的问题，不是简单增强写意创作就能解决的。”杭春晓称，一个权威的大展既要尊重传统，能真实地呈现出传统高级在哪儿，还要关注时代，关注当下发生的问题。如果写意水墨只是画一画山水画，显然与国展的整体要求不一样。但杭春晓认为，也不要去人为地干预写意还是工笔。“工笔在20世纪的中国被提出，是在中国本土文化中重新激活的概念，是为了应对西方绘画的冲击，工笔绘画从产生起就更具有针对性和现实性。”杭春晓说，在他看来，一幅好的工笔绘画所呈现的画面质感，与一张高级的写意绘画是一样的，而工笔画作气质不高的作品也是有的，但这不是画种与画种的矛盾。“如果说工笔也能达到中国古典绘画的顶级趣味，达到和写意一样的水平，我们就不会区分谁强谁弱，我们只能看哪一种绘画类别提供的对现实问题的解决方案更多。在我看来，今天中国画里工笔类型的创作数量更多，是因为近些年来工笔画在面对现实问题、提出问题时方案更多，吸引了更多年轻人使用这种方法，而写意缺乏这种现实解决和介入能力。”购画应该是消费这种艺术赞助一个新的思想杭春晓说，一幅好的中国画，首先在技术层面上是高级的，能够衔接中国传统的高级美学趣味，但这种高级不是笔墨技法、题材等形态的高级，而是笔性的高级；第二，好的中国画应该能够解决今天正在发生的艺术史内在的问题，画家要有明确的问题意识去解决本画种的问题，或者是解决今天中国艺术在面对世界时的问题，要有观念上的明确与针对性、哲学思考上的明确与针对性，有了这个明确针对性的问题，加上好的视觉修养与美学技术体验，那这就是一个好的作品。一幅好的中国画要能解决艺术内在的问题，那么这种中国画自然不包括所谓的敷衍之作、迎合市场的作品。在讲座中，杭春晓还提到了强大的山东中国画收藏市场。他认为，专业画院的一系列创作资金等支持加上来源于山东民间强大的收藏力量，以及山东很好的群众基础和艺术环境，支撑了这些年来山东中国画市场的强势发展，让其成为中国艺术市场重镇，但中国画市场收藏者只看创作者名头，忽视作品在艺术历史中真正的解决问题的能力，这可能是强大的中国画市场所欠缺的，但这种情况这两年正在发生改变。“什么时候青州、潍坊画廊里的收藏者不再是凭画家头衔买画，而是考量这个画家能在艺术历史的序列中解决了什么问题，提供了什么新的方案，从这个角度进行收藏，那么会对中国画的收藏起到功莫大焉的作用。”杭春晓希望中国画收藏者能够真正在展览现场去买真正创作的作品，减少对画家浮躁心态的推动，以让画家的每一件作品能够面对创作，而不是面对市场。“购画应该是去赞助一个新的思想，去消费一种艺术，而不是抱着一大卷画等待升值、爆破。山东中国画市场如此强大，如果山东民间力量能用一种理性的态度去面对中国画的发展历史去选择收藏的标的物，有效、有序地去推动这种收藏行为的构建，我想必然会对整个中国画市场的理性发展起到关键的作用。”齐鲁晚报·齐鲁壹点 记者 师文静 ，摄影 齐鲁晚报·齐鲁壹点记者 左庆

1月31日，翟天临发布微博，晒了北京大学博士后的录用通知书，并配文：“新的旅程，小翟要加油！”随后几天，从贺喜到质疑，舆论不断发酵。翟天临跟网友互动中“不知何为知网”，论文查重率超过40%......“吃瓜群众们”挖掘的黑料越来越多。头顶北京电影学院博士、北京大学光华管理学院博士后等头衔的翟天临，“学霸”人设面临崩塌的危险。翟天临在春晚小品《“儿子”来了》中，扮演一名打假的警察。在这一轮的大批判当中，对学术研究专业性与神圣性的维护，自然是必要的；但与此同时，我们也应当看到，艺术研究在当下学科建制中的种种尴尬状态。艺术与学术是本质上存在巨大区别的两个领域，当艺术研究纳入学术建制，如何让两者更好地融合与适应？这是在“群嘲”翟天临之后，艺术研究仍要面临的真问题。从“不识知网”起，到论文水平、刊物级别、博士后录取条件，再到导师资质乃至北电北大两所名校的学术声誉，一个个实锤和一步步质疑如多米诺骨牌倾泻而下。这一次，娱乐圈的危机公关竟然完败于博士生的文献暴击，也难怪，水润满满的明星学霸很难理解，这群牺牲了发际线的人会不顾一切地捍卫什么。公平公正，在当今社会环境下，是像除夕鞭炮般一触即发的爆点；教育，以及推动人类知识进步的学术研究事业，更是被视为极其严肃和纯洁的领地。但是我们还应当看到，翟天临的“治学”之路，在艺术类高等教育中其实颇具代表性，即艺术的培养目标和学术的考核方式的冲突：僭越规则固然需要批判，但规则本身若是扭曲，即便貌似“正规”地执行下去，也不会结出合格的“甜梨”。翟天临在微博晒出的毕业照。娱乐圈的学霸人设，价值何在？娱乐圈的学霸人设可以分为2.5种。第一种是与自身从事艺术无关的学校学科，譬如名校理工专业、未成年者在基础教育阶段的优异成绩等等，这类人设一再印证了“优秀的人在任何领域都优秀”的真理，体现了艺人双倍于常人的精力和才华，也间接表达了“我不是学习不行才来搞艺术”的隐秘心曲。第二种是与自身艺术直接相关的学科，被进修了千万遍的伯克利就是典型代表；不过，由于学习过程转化为艺人的业务水平（中戏、北电、上戏输出了大半个演艺圈），并不能证明额外能力，学霸就必须靠世界级名校、或高学历好成绩方能胜出。还有0.5种则是不诉诸明显的学科学历，艺人凭借言谈举止间流露的知识素养、由江湖朋友口耳相传，被群众认定为学霸；这种经验碎片的累积和直觉的相信，可能如“硕士生导师”般稳固，也可能因“诺贝尔数学奖”而崩塌。《白鹿原》（2017）剧照。翟天临的走红源于2017年综艺《演员的诞生》，《绣春刀》、《红高粱》、《团圆》等片段令观众惊艳不已。同年《白鹿原》《军师联盟》两部大戏更显示出，他不仅是一块演技过硬的璞玉，也开始拥有自己立得住的角色和作品。一时间，美誉如潮，这位电影学博士成为了新生代演员的实力派旗手，粉丝口中的“甜梨”，甚至有那么点“流量”的意思。重点在于，他出色的业务能力，与博士头衔构成了一个互相论证、互相支撑的循环，学霸人设也就立得顺理成章。若非失足知网，谁能想到，一个学成如此本领的人，其学习过程会存在着蒙混和欺骗？而除了翟本人，在“博士-博士后”这个链条的前后诸环节——人、机构、规则——还存在着多少疏漏与腐败？翟天临事件暴露了学术界长久的问题，这诚然不假。但是除了这一宏大而难以落实的批判，我们能否转向某些更加具体的困境并期望改进？演技优秀固然不能为论文抄袭开脱，但演技与论文之间、职业与文凭之间、艺术与学术之间，应当是怎样的关系？貌似互证的循环为何出现了裂隙？当批判声铺天盖地，艺术生和指导老师们或许对这样的论文心有戚戚……艺术与学术之间，那些“水土不服”2006年，翟天临以“数学19、文综270”超过山东一本线的成绩考入北京电影学院。虽然某些名校和专业的竞争更甚于清北，也不乏真正怀有艺术梦想的少年，但艺术生整体仍处于升学鄙视链的下游。常有学者感叹：西方都是最优秀的人学艺术，中国则是学习不行才去学艺术。此言不太“正确”，却道出一个无奈的现实：毕竟，在阶层分化而资源有限的环境中，我们不应嘲讽那些为一纸大学通知书付出各种努力的孩子。艺术生总要艰难地在专业和文化课上分配精力，在高考的起点他们已经受到“惟有读书高”传统理念的现代版歧视，临近学业的终点，他们还背负着毕业创作（设计/音乐会/大戏等）+毕业论文的双重任务。如果博士生质问翟天临为何不掉头发就能获得成果，那么千百万艺术生也会想问，那些只写论文或实验报告的人为何不被考核吹拉弹唱、挥毫泼墨？这就涉及艺术与学术的本质区别，又关乎艺术在学科建制中的存在状态。艺术与学术，是两种极其不同的人类精神文化活动。在最古老的意义上，无论古希腊的technē还是孔子的六艺，“艺术”都指一种与日常生活密切相关的技能、手艺，又在康德的审美自律论中被确立为一种超功利、独创性的实践；艺术需要学习但不只靠学习，有赖知识但不是知识；它通过特定的物质媒介、体现为艺术活动和艺术作品；至于创造力则是最莫可名状的东西。《诗学》，作者：（古希腊）亚里士多德 ，译者: 陈中梅 ，版本：商务印书馆 1996年7月另一边，学术是对于知识的探求活动及成果。亚里士多德将最高级的“理论科学”定义为对于世界的静观的沉思，它完全通过人类理性能力被传承和推进。每种学术、每个学科都有自己特定的研究对象（往往是人类对于自身经验的基础性分类）、研究方法、专业语言以及世代累积的知识体系和学术范式。这也是为什么在学科鄙视链中，传统学科的学者往往认为某些新兴和应用学科“无学”“不是学术”。复杂恼人的地方在于，艺术虽是实践，却可以被学术纳为研究对象——仅在反思和间接的意义上，生产出关于艺术方方面面的知识。原则上两者仍是区隔的王国，学术并不能自居艺术的主宰；但实际上双方常常裹挟在一起，互相挑衅又彼此促进。譬如艺术家与批评家的相爱相杀，又如艺术学科的建构——往往受“艺术-学术”这对冤家关系的影响，又反过来塑造这关系的未来走向。至此可见，艺术自身有可教学和不可教学的成分，“艺术”和“有关艺术的学术”则是两类完全不同的东西——当这些被纳入教育体制，就出现了许多混乱和冲突。艺术的本科阶段貌似培养“学徒”，教授可教授的那部分技能，辅之以艺术史、美学以及更广义的人文课程，本来不错。但让艺术学徒通过论文展现自己的学术功底，显然误解了两种人类活动，混同了两类培养对象。结果学生和老师都视论文为非必要的苦差，虚与委蛇，敷衍了事。这一学术考核方式维护了形式上的严肃，却不得不降低实际的标准，双重任务难以真正达成。《学术与政治》，作者：（德）马克斯·韦伯 ，译者: 冯克利 ，版本：生活·读书·新知三联书店 2005年3月这样培养出来的学生，往往又会对艺术-学术关系有所误解：有人视理论知识为虚矫，于艺术毫无意义；有人会认为艺术学习就是这样，照此“治学”、“升学”无比正常——然而研究生阶段（许多人把“研究生”等同于“硕士”，且误以为“博士后”是更高的学位）又与本科不同：后者只传授已有知识，前者重在“研究”二字，要求学生对某一领域的知识有所创新。前面说，艺术不是学术，可教学的部分在本科已经完成，不可教学的部分则根本不属于象牙塔。所以原则上，研究生阶段就只负责培养“学者”而非“学徒”，只讨论关于艺术的知识而无关创作实践。即便现实中艺术硕士往往还偏重实践（也少不了写论文），博士的学术属性却万万不能降低。这确实是一个反直觉的结论：美术博士不画画，戏曲博士不唱戏，研究艺术到了这个阶段，跟从事艺术差了十万八千里。翟天临的专业是电影学，不是拍电影、演电影，是关于电影的研究：电影史，电影批评，美学或艺术理论，媒介技术，文化产业……同期19名博士发表的论文就是很好的例证。也许按古希腊的标准，有些内容的专业性和深度不足以成为学术；但既然成为学术，就要努力使自身理论化。如果那篇尚未公开的博士论文是研究表演，也必须是表演的理论化，是对各种经典表演理论的历史耙梳和理性思辨，这正是他在《如何用“下意识”让表演更生动鲜活》中试图去做的。而查重率40%的《谈电视剧〈白鹿原〉中“白孝文”的表演创作》大量运用文学批评来支撑自己的论述。这都是艺术和学术的区别。无论如何，单单“表演”这件事算不上学术，仅仅“演技”本身也学不出个硕士、博士。要维护学术纯洁，更要反思学术规则的缺陷学术纯洁和制度公正固然需要维护，但若看不到艺术高等教育和研究的现状，恐怕也会错失批判的重点。以单一的学术机制（论文、学位）对待包含不同层面（艺术，研究）的艺术学科，不严格区别，反而两相迁就，必然导致大面积放水，造假更不待言。如此既无助于艺术教育的提升，更阻碍了真正的艺术研究的发展。最后，我们似乎从“论文抄袭”来到了“论文何以适用”的更深层问题。这不算新鲜事，许多致力于论文批判的学界大佬已有诸多论述，包括但不限于论文至上、期刊腐败、影响因子迷思、科研大跃进，以及与前文相关的本科论文的存废……只是具体在翟天临事件上，如果批评主力真的来自博士或广泛的高学历群体，那么他们积极捍卫论文的姿态却比上述批判保守许多，以至于这种保守姿态本身反而制造出一些反讽的时刻。翟天临在综艺节目《声临其境》中。直观上，博士群体的愤怒在于翟天临利用明星身份跨界占便宜，践踏真正读书人的心血。面对这一特权入侵，博士生们坚守原创性、刊物级别、发表数量、学位论文字数等一系列硬性标准。但规则的荒谬也恰在它被捍卫时产生：有人标榜自己通过不懈努力达到了很低的查重率——但，当你担心查重率还为此反复修改时，你抄没抄心里还没点数吗？进而，又有多少通过查重、形式规范论文，内容是无价值的呢？若以精神分析发诛心之论，可否认为某些批判翟天临论文的人，是在转移对于自己论文注水甚至变相抄袭的焦虑呢？学术从来不害怕自我批判，反思的标准也必须一以贯之。批评翟天临学术不端，也要同时质疑那些“端正”底下的虚假，还要进一步反思如此容易造假、甚至催生造假的建制本身。艺术，由于与学术本质有别，它在学术规则中的不适应反倒充分暴露了这套规则的缺陷。而对于翟天临这个艺术博士的跌落，其他博士不应该仅将其排除出“博士共同体”、转头再度确认规则神圣秩序安稳。相反，这一事件应当促使人们对学术的界限、职能、规则的适用性有更加审慎的认识，也对自身学术工作获得产生清醒的理解和更高的追求。

艺术简介：李晓松，1968年生于山东淄博。现为中国艺术研究院艺术创作研究院画家、研究员，中国艺术研究院李晓松山水画主题创作研修班导师，中国人民大学继续教育学院李晓松艺术工作室导师，中国美术家协会会员。陕北意象系列之五 136 x 67cm 纸本水墨 2017年作品局部：清辉浅淡，云雾迷蒙。袅袅清风在皎洁的月光下徘徊，山脚下的杂树沐浴着月华的清凉，睡的无比香甜。雕刻着岁月斑驳的石碾子，默默守候着家，呢喃着历史的沧桑。窑洞外弥漫着淡淡的甜香，想必纯朴的主人正坐在热炕头上吃着小米捞饭吧。漫步于阡陌之上，体味山色空濛之气中的习习凉意。慢慢投入大山的怀抱，拥着温柔的风、飘渺的云，和蛟龙似的山峦一起守护这片净土上的生灵。笔者循着点点散落的墨香，走出心灵的囹圄，借一抹银色的清辉，在喧嚣中觅得一份宁静，在静谧中觅得一份幽逸，倚淡若清风的心境，心胸之垢,尽散在如洗的远山......心无尘，自清净。作者寄情于这片黄土地，将主观意识和情感世界通过笔墨映射到画面上。也许这就是作者闲暇时的素雅剪影、思考时的思绪暗香、孤独时的深邃灵魂......——连淼

2019年是中华人民共和国成立70周年，是决胜全面建成小康社会关键之年， 在党和国家的发展历程中具有重大的历史意义和现实意义。综观2019年度中国艺术发展成就，在国家宏观文艺发展理念和政策指导下，文化治理方面形成体系化；艺术理论与实践领域围绕庆典，将“回顾与总结”“献礼”“文旅融合”和“三大体系”建设作为核心主题。一、基础理论研究：反思、激活与建构2019年度有多篇马克思主义文艺理论研究文章对70年来国内马克思主义文艺理论乃至整个文艺理论的发展历史进行了反思，对每一时段学科理论发展总体格局、主要特点、理论构建的得失进行研判，并对其中存在的典型问题重点剖析；而 “激活”马克思主义原典，使之在具体实践中发挥作用是本年度研究中萌发出的一种可贵意识；与“激活”密切相关的一个问题是“构建”，为了有效激活马克思主义文艺理论，使其在研究、批评中发挥作用，必须构建其学术体系、学科体系、话语体系，深刻领会马克思主义整体学说的精髓与方法，很好地研究、运用马克思主义文艺理论。在艺术学领域，韩子勇、祝东力等的《关于中国艺术学“三大体系”建设的若干问题》概括了中国艺术经验的独特性，回顾20世纪以来中国艺术学的学术历程，集中辨析“三大体系”的内涵及其相互关系，并尝试提出中国艺术学“三大体系”建设在今后应采取的策略措施，以及所应着手的研究方向和重点。艺术学中国学派的探讨不但体现了继承性和民族性，也体现了对学科原创性和时代性的追求。构建中国特色艺术学科，要在系统性和专业性、继承性和民族性、原创性和时代性这三个方面下足功夫。二、音乐：传统音乐史论研究不断深入2019年度的中国音乐史研究呈现重实践、重方法、重应用的特点，学者以文献为基础，连接活态传承，以古鉴今、以文化人、以器论道。中国艺术研究院音乐研究所、艺术与文献馆、文化艺术出版社联合中国音乐学院举办“纪念杨荫浏先生诞辰120周年”系列活动，总结杨荫浏先生的学术成果与研究理念，对杨先生进行历史评价与再认识。此次系列纪念活动在学术界掀起热潮，对推动学术自省、学术批判及学术发展起到了积极推动作用。民族器乐与“传统文化”结合，在创作演出方面依然热度不减，尤以国家级院团音乐会及作曲家作品音乐会为代表。中央民族乐团大型民族器乐剧《玄奘西行》2019年1月登陆美国华盛顿肯尼迪表演艺术中心三、舞蹈：赛事和展演推动创作繁荣2019年，各大专业舞团和舞蹈艺术家纷纷以庆典的方式向祖国献礼，使2019年度舞蹈创作呈现更加活跃和繁荣的态势，在数量上仍保持着较高的创作量，在内容和形式上也不断优化，可以鲜明地感受到中国舞蹈艺术家在追求艺术质量上所进行的有益探索和积极尝试，涌现出了像《草原英雄小姐妹》《天路》《老雁》《国家的孩子》等不少优秀作品。“荷花奖”“桃李杯”“小荷风采”等各类赛事与展演活动，以及北京现代舞双周、“培青计划”、“深扎”等各类平台机制为舞蹈创作提供不同层面的支持。关注现实、深入生活、内心、跨界融合等成为年度舞蹈作品创作特点。众多舞蹈作品中对民族风格的彰显，对文化内涵的理解，以及时代精神的把握，显露出舞蹈编导们的基本艺术素养，反映出大多数编导在创作能力与创新追求上的不断追求。四、戏曲曲艺：传承保护取得宝贵经验 扶持力度逐步增大2019年是粤剧被列为《人类非物质文化遗产代表作名录》的十周年。中国艺术研究院戏曲研究所团结粤剧界同仁，以“粤剧的遗产保护与现代发展”为题旨，对粤剧十年保护工作进行理论总结。粤剧十年非遗保护拓展了中国非遗保护工作的具体实践，强化了人类非物质文化遗产代表作“粤剧”的地方保护经验，也拓展了由昆曲、京剧、藏戏及其他剧种的特色化保护方式，在某种程度上用粤剧个性化的道路回答了戏曲发展规律的一个趋向。2019年度，文化和旅游部印发了《曲艺传承发展计划》，分“重要意义”“总体要求”“主要任务”“保障措施”四个部分，对全国各个地方和相关单位做好今后一段时间的曲艺传承和保护工作，提出了明确要求，提供了政策资源。政策的利好值得赞许，工作的落实更值得期待。五、话剧：戏剧节不断涌现，主流、实验、原创戏剧各呈风采2019年，在戏剧节成为集中演出和戏剧交流活动的主要方式后，全国各地的新兴戏剧节风起云涌，全国新兴的戏剧节有近20个。除了国家层面举办的“第十二届中国艺术节”之外，还有各级政府、文化机构、商业机构举办的各种戏剧节。原创话剧题材丰富，数量较多，一些富有经验的剧作家宝刀不老，中青年剧作家也锋芒乍现。在国家艺术基金的资助下，在文化和旅游部“国家舞台艺术精品创作扶持工程”促动下，一些国家级话剧院团和改企后的省、市级院团，纷纷以新剧目的上马带动艺术生产，一些民营新文艺团体也不断以新剧目的各地巡演争取自身的发展空间。2019年中国国家话剧院演出话剧《谷文昌》2019年风雷京剧团演出的话剧《角儿》六、电影：产业整体升级，类型创作多样化2019年，随着电影工业化发展的日趋成熟及电影产业结构的逐渐优化，商业电影的类型化创作进入多元化的发展阶段。喜剧片依旧产量不减，在多个档期都有可圈可点的表现，动画片继续稳步发展，不仅有《哪吒之魔童降世》拿下年度票房冠军，其他诸如《白蛇：缘起》《罗小黑战记》等亦有不错的表现。而科幻片的起步则是 2019年商业电影中最大的惊喜，《流浪地球》开启了中国电影的硬科幻叙事，《上海堡垒》《天·火》虽引起质疑，但依然是勇气可嘉的尝试。多种类型的崛起代表着中国电影的工业化进程迈出了重要的一步，类型的丰富对电影市场的健康发展也有着重要的意义。《流浪地球》电影海报七、电视：“中国故事”和现实中国的时代合奏2019年是中国电视产业回归改革初心、重申文艺导向、打造时代精品、注重创新质量的转折之年。互联网和信息技术的革命性赋能，推动了媒介深度融合和智慧广电提速，广电系和视频网站的内容产业在题材、类型、制作、平台、传播、盈利、服务等方面形成守正创新、求真务实、互补互融的态势。海外剧影响持续减弱，中国内地剧集品质提升，港剧式微，台剧可圈可点，台网综艺节目立足媒介特色的题材分野泾渭分明，商业与专业兼容，内容生产创新创优，行业去泡沫成效显著。对内整合优化资源，对外塑造国家形象，在“讲好中国故事”的国家叙事中，故事里的中国和真实中国的时代合奏，成为年度电视文艺的“主旋律”。八、美术及工艺美术：创作与批评活跃，文化创意焕发活力伴随全国美展及国际性双年展的举办，2019年的当代美术创作与批评相对活跃，紧扣庆祝中华人民共和国成立70周年的重要时间节点，积极谋划全面建成小康社会、建党100周年作品的创作，各门类、各主题、各题材、各风格的创作成果在第十三届全国美术作品展览、北京美术双年展、威尼斯国际艺术双年展等各级各类展览中得以呈现。2019年以来，各地方政府积极响应《中国传统工艺振兴计划》，陆续出台地方性的传统工艺美术振兴发展实施方案或传统工艺美术保护办法，强调鼓励开展创意设计和产品花色、工艺技术等方面的研发；积极引导小微企业向专、精、特、新方向发展；推进传统工艺美术与现代家居、服饰等大宗消费领域的深度融合；突出具有浓郁地域特色的产品外观及包装设计；实现由单一的原料生产加工向文化创意研发等方向发展。“第十三届全国美术作品展览-暨第三届中国美术奖·进京作品展”在中国美术馆举办2019年11月14日至15日，中国艺术研究院美术研究所在京举办“2019中国传统色彩学术年会”九、摄影：社会纪实摄影与时间、历史记忆2019年，社会纪实摄影与时间、历史记忆的关系更加凸显，大众参与对现实生活进行日常影像记录的广度和深度进一步延伸，摄影艺术被迫探索新的可能，开启新的方向。“影像中的历史”和“历史中的影像”二者交错引发人们对影像与时间、历史、记忆关系的进一步探究。中国摄影业界立足于历史梳理，请策展人和大批纪实摄影家出场，以系列化的专题形式，重温记忆中的人物与形象；从历史建构的角度，强调影像的客观力量。十、建筑：关注中国建筑文化，注重建筑与自然和谐共生2019年，中国建筑业逐渐向数字化转型，深化 BIM 应用，加强建筑产品质量，大力发展装配式建筑和绿色建筑。9月25日，被誉为“新世界七大奇迹”之首的北京大兴国际机场正式投入运营。北京新机场航站楼是世界上规模最大、技术难度最高的单体航站楼。11月17日，7.2 米高的世界首例原位3D打印双层示范建筑完成主体结构打印，标志着原位 3D 打印技术在我国建筑领域取得突破性进展。12月30日，备受瞩目的京张高铁正式开通运营。京张高铁由我国自主设计建造，是世界上最先进的时速350公里的智能高速铁路，显出中国的建筑设计和施工水平的不断完善发展。随着整个社会环境的改变，对中国传统文化的重视，中国的建筑设计开始重新审视自身的文化传统，关注建筑本体和文化，进行了各种深入的思考和实践。中国艺术研究院建筑艺术研究所举办“回顾七十年建筑创作及建筑文化遗产保护成就论坛”推 荐 阅 读《2019年度中国艺术发展研究报告》是中国艺术研究院“中国艺术发展研究报告”课题第三次结集出版。中国艺术研究院各艺术学科与研究领域的专家学者在深厚的学术积累基础上，深入调研、严谨论证和透彻分析，形成了由“导言”和19个子报告构成的《2019年度中国艺术发展研究报告》，其中包含三大版块：马克思主义文艺理论、艺术学及其门类下各学科、六个文化主题［包括中国文化、红学（《红楼梦》）研究、文化发展战略、艺术人类学、非遗保护与传承、传记文学 ]。整个报告全面、客观地呈现了2019年度我国文化艺术领域的新成就，高度概括了中国文化发展战略与艺术发展的规律与经验，对热点问题与主要现象进行总结，同时探查存在的问题与不足，并结合国家的相关文化政策导向，提出对策与建议，积极为我国文化艺术管理献策建言。