杭州美院研究生

#国美考研#经常会有考生问，在国内顶尖的艺术学府深造读研是一种什么感受？顶尖学府到底与一般院校有啥区别？为什么大家都挤破头想考更好的美院院校？读研期间这些“尖子生”到底都在干什么？中国美院研究生期间都有哪些课程？他们会有什么样的读研经历呢……带着这些好奇，我们优塔老师今天专门邀请一位中国美院设计艺术学院研究生毕业生为各位带来他的简要体验分享。笔者是中国美术学院设计艺术学院2019届硕士毕业生。作为一名国美设计类学生，我觉得研究生三年的在校生活是十分充实和有趣的，当然也有迷茫的时候，但是，只要坚持下来，明确了未来的方向，一切都会走向好的一面。我本科毕业于一所综合类大学，之所以选择国美作为自己研究生的目标院校，是因为从小便有一个美院梦。于是，便找准方向努力准备，终于考上了理想的学校。我身边的同学既有来自国美本校的，也有大量来自全国各类综合院校的同学，甚至包括本科专业跨度极大的同学，比如计算机专业、工商管理专业、文学专业、数字编程专业等。国美的学生构成非常丰富，以艺术生为主，但是越来越多跨学科大类和专业的同学加入，这也顺应了如今跨界合作的大趋势。研究生刚入学，我也是比较迷茫的，因为刚入学时课程还没有正式上课，加上一个陌生的环境，所以一时间角色难以转换过来，面对这种情况，我是通过参加各类工作坊和讲座的方式帮助自己找到方向的。美院有一个非常好的学术环境，可以说讲座几乎天天有，工作坊等活动也是五花八门，并且质量优质，多为国外优秀院校老师亲自授课，这无疑是拓宽自己视野和思维的重要途径，通过工作坊我也认识了各个学院和专业的同学，了解到大家的专业内容和生活方式。这些经历都无形中转化成自己的人生财富。研一后半段我们开始进行通识课程和专业课程的学习。通识课程的老师更是一些学界大咖，很多资历较深、充满个性、治学严谨的老师都给我带来极为深刻的印象，比如中国思想史讲师金观涛教授、牟宗三哲学讲师吴明教授等，这些课程帮我打开独立思辨和哲学的大门。研二便开始专项课题研究和跟随导师进行实际项目的锻炼，在此过程，不仅令我的专业实践能力大幅提高，也为自己走向社会提供了铺垫，最重要的是通过课题研究与论文撰写，让我逐步进入到到学术研究的领域。除此之外，在研究生期间我还参加了大量设计比赛，这些荣誉帮助我获得多次奖学金，更重要的是丰富了我的简历。国美研一课程主要包括英语、中国特色社会主义理论、论文写作、通识课程和专业课程，通识课程可以根据自己的喜好进行选择，但要在毕业前修好一定的学分数量，专业课程主要由各自的导师进行安排。研二的课程主要包括英语、通识课程、专业课程和论文开题，通识课程如果在研一没有修满时，研二同样需要自行选择进行上课，专业课程则更偏向实践，比如跟随导师一起做项目、课题等，论文开题是研二阶段的重中之重，选题的好坏直接关系着研三的毕业论文和创作。研三学期主要就是毕业论文的撰写和毕业创作。读研期间，跟随导师进行了中国国家博物馆、阿里、美院三方合作的文创产品开发，还有嘉善善文化文创产品开发，中国传统色彩研究等项目，这些项目大都落地并投入市场，项目的设计成果还参加多项设计比赛，比如全国插画双年展、平面设计学院奖、国青杯设计大赛、北京设计周、杭州文博会等。这些项目基本是自愿参加，只要自己肯锻炼、勤设计，导师都会允许参加其中，并且会有一定的设计报酬。国美的设计学科是A+学科，也就是跟清华美院并列全国第一的学科，因此具有极强的学术高度，这里的资源丰富表现在导师资源、学术资源、项目资源、人脉资源、出国资源等。导师的学术地位自不必说，国美浓郁的学术环境和依托博物馆的各类专业论坛都为研究生学习提供了丰富的学术资源，国美每年都会举办一些固定的大型学术展览，这些展览会将国美各学院的精品课程进行全面剖析展示，并且会评选出金课奖。除此之外，还有国际海报双年展、DIA国际智造大奖、国际纹样大赛，这些大赛都具有极强的国际视野和学术影响力，是国美的学术品牌。国美的导师手里的研究项目多为国家级、省级重点项目和优质项目，依托丰富的项目资源，我们很容易在专业能力上快速成长。人脉资源体现在国美可以接触到各种出色的同学，这些同学都可以转化为未来的人脉，在激烈的环境中也有助于自身的成长和发展。国美每年都会有交换项目，这些项目可以让我们领略到国际设计学科的教学氛围。毕业后，大概有三种类型的选择，第一种是就业，从事与设计相关或教学相关的工作。第二种是创业，第三种就是继续读博深造。大家可以根据自己未来的规划进行独立选择，切忌盲目跟风。所以，基于这些原因，国美成为众多考生梦寐以求的理想目标。归根结底，名校的最大区别就在于资源的丰富性，也希望大家能够考上国美，在研究生生活中更好地完善自己，让自己快速成长。

中国画与书法艺术学院 这应该是国美最有名的学院，分为人物、花鸟、山水。中国画系师资力量雄厚，学科设置合理，教学环境优越，实验室设施完备。在当代中国高等艺术院校的中国画教学与科研、创作方面，具有一定的引领性和典范性。曾在该系执教和学习过的已故前辈杰出艺术家有：林风眠、黄宾虹、黄君璧、潘天寿、傅抱石、吕凤子、陆维钊、吴茀之、诸乐三、李苦禅、李可染、顾坤伯、沙孟海、陆俨少、陆抑非、李震坚、周昌谷、吴冠中等等。绘画艺术学院 分为油画、综合绘画、版画、壁画。多个名师从多个角度展开当代绘画艺术教育思想与方法的新探索，多个工作室齐头并进，以构筑大绘画时代的绘画专业教学、创作与研究的新格局，为社会持续培养兼具有思想深度和创新意识的国际化绘画艺术专门人才。近几年，绘画学院也更包容、更多地接纳跨专业的学生，能够带来专业碰撞的火花。学弟学妹可根据自己的画风，选择适合自己的工作室。跨媒体艺术学院 一个与时代接轨的艺术院系，促进媒体技术开发，推动当代艺术实验，从媒体中发掘创意，从技术中发显人文；以媒体实验、艺术创作、文化研究、策展实践四维互动的格局，在国际平台上推动当代艺术的跨学科研究和跨领域实践。名师坐镇，尤其策展方向，越来越多的学子慕名而来。艺术人文学院 分为文物与博物馆（专硕）、艺术史与史学理论、视觉文化、考古与博物馆学、中美史、外美史（学硕）。学科评级全国第三，早在2011年就获得学科博士学位授权点，你能在这获得最好的学术氛围，甚至为考博、考博士后打下基础。雕塑与公共艺术学院 分为雕塑、公共艺术、纤维艺术。相对来说，是国美各方向中较为冷门的院系。在新的发展时期，雕塑与公共艺术学院将探索“东方精神”作为学术建设的新内涵，延展并构建本专业的“东方学”学科理念。设计艺术学院 分为视觉传达、染服设计、工业设计、综合设计、设计理论。同样名师坐镇，资源丰富，属于国美热门专业之一，也是我们帮助学员考进国美最多的专业之一。由于全国专业排名名列前茅，使得更多的人想成为国美一子。手工艺术学院 分为陶瓷、玻璃、首饰和漆艺艺术设计专业方向，也是国内设置这些专业的稀有院校，校内实验设施齐全，报考较为冷门，竞争较小。艺术管理与教育学院 分为美术教育、艺术管理、艺术鉴藏。近年来的较热门专业，越来越多的学术选择艺术管理与教育学院，与当前时代需求的艺术工作接轨。部分专业只需考理论，部门专业需要考绘画。影视与动画艺术学院 分为影视、动画、插画、游戏、数媒、戏剧。国美是首批国家动画教学研究基地。同时，也是国美考题分的最细的学院，竞争较为激烈，所以在选择机构时，也不能选择“大课堂”，考研不同于高考培训，小班化＋对症下药才是你最好的选择。建筑艺术学院 分为建筑、环艺、景观，是国美较为热门的专业之一，建筑专业有王澍老师坐镇，有着与其他院校完全不同的“中国风格”。专业基础教学部 教学多以造型为基础，集中教学资源优势，以奠定学生坚实专业基础和深厚艺术素养为基本办学目标。创新设计学院 2019届为第一批研究生招生，全新的学院，师资较多为原上海设计学院教授，研究方向中心紧扣近年热门工作类型，毕业后专业对口，数量更多的大企业能够接纳，更受到了许多学子的喜爱，争相报考。今年下半年也将搬迁至良渚新校区，开启新的旅途。上海设计学院 现上海设计学院的新目标是建设成为“国际化城市设计学院”，不同城市有着不同的资源，或许你更喜欢上海这个城市，竞争情况良好，上海设计学院也是一个好的选择。视觉中国协同创新中心 氛围视觉国学、视觉乡土、视觉当代，有一支国际化、精英化、多元化的教研团队以“锤炼中国文化的视觉内涵，塑造文化强国的视觉形态，提升当代生活的视觉品质，拓展文化开放的视觉通道”为宗旨，聚集国际一流汉学家与中国学研究学者。2020年较为冷门，大部分方向出现1:2、1:3的报考状况，甚至过了国家线就能进入复试。文创设计制造业协同创新中心 方向分为城乡综合营造、产品创新研究、自主品牌实验。在“2011计划”（全称高等学校创新能力提升计划）指导下，浙江省高校建立的首批协同创新中心之一。中心面向国家和地方制造业转型升级的重大需求，拥有国家级、省部级研究平台与实验室31个，立项和完成国家级课题和省部级课题20余项，出版专著10多部，发表论文100余篇，获得普利兹克、红点、IF 等国际设计奖60多项，并每年提交专利100多项。相比较下来，报考难度不大。

浙江24小时-钱江晚报 林梢青 通讯员 付玉婷 周祖妮 文/摄（部分图片邹萍/摄）考中国美术学院有多难？据了解，2018年中国美术学院计划录取本科生1621名，全国共有约7.8万人次报考，考录比例近50：1。这意味着平均每个考场只有一人能拿到录取通知书。这是一所什么样的学校？考上后究竟如何上课？美院对一门优秀课程的标准又是什么？1月12日上午九点，美院南山校区报告厅，依照往年传统，中国美术学院为六位教授授予了教学类最高荣誉——哲匠奖。“哲匠奖”第三个年头。对这个奖项，我们已不再像初听时那么陌生。许江院长曾说，哲匠就是显现美院之美的人——“哲匠金奖”第一届获得者范景中教授，第二届吴山明教授，今年的金奖获得者，则是雕塑与公共艺术学院院长杨奇瑞。与此同时，美院首度增设“哲匠金奖课”，颁发给5门最优秀的年度研究生核心课程。就在南山路的美院美术馆中，一场正在展出中的“铸金炼课——2018年度研究生核心课程十五案”，或许能为我们揭示这所学校的努力、期待及价值判断。从地下一层直至四层，一个个生动的核心课程案例与教学现场，以展览的形式给出最好的答案：“一流的学院，不仅要有一流的老师与优秀的学生，更是因为一流的核心课程。这些核心课程，隐藏着一所学院的核心能量，代代相传，在一次次教学互动的熔炉中，铸炼成一门门’金课’。” 中国美院研究生处处长杨振宇教授说。最生动的15案课程最开放的教学现场从展厅一楼拾级而上，二楼白墙上可见两个大字：“教学”。“教-学”是这场展览的核心，也是这所学院的根本。这场展览，通过展示“课程”与“课堂”的方式，以具体的基础语言研究、材料与媒介语言研究、风格与创作语言研究3类15门研究生核心课程。以往常规性的展览，往往只展示课堂教育的结果、艺术家的作品，这一次不同。如杨振宇教授在筹划此次展览时所期待的，他希望这场展览能够全面展示艺术作品得以孕育而成的核心课程与教学现场。在这场展览中，观者会产生和学生进入同一课程空间的错觉。在现场，我们所见的课堂不再局限于教室，山野、园林、工坊、书斋、车间、实验室，都是课程生发的现场。在“东方性版画创作”中，一面长达数米的墙上排列了一套套形色各一的水印饾版，以展示刻印过程。而展厅内悉心布置的一张张桌案，又将我们带入版画系学生的日常之中。桌上工具摆放井然，即便对版画全然无知的观众，亦可通过种种细节了解到版画创作的整个过程。“江南园林精测与研究”则将教学空间转移到了山水园林之中。墙面上挂着数幅的山水园林全景，园林中的亭榭楼台之构造，都被一丝不苟地精准描绘了下来，1:30的精测更是开全国建筑类高校的测绘先河。玻璃柜中所展示的，除了常见测绘工具外甚至还有无人机——他们用无人机来拍摄园林的俯视图和全景。“情境性绘画写生”又是一门怎样的课呢？墙面上的描述告诉观众：“情境性绘画写生课程是在课堂里由师生共同设置多人物情境，学生以写生方式来完成一幅复杂的叙事主题性绘画。”墙面上有更直观的解释——展出的有大幅已完成的作品，也有小幅草图，也有比草图更进一步、粗粗上色的小稿，甚至有些画面上用铅笔打好的方格还未擦去。最有意思的是，面对统一情景，不同学生画出来的人物、角度都有各自的特色，在这些差异与细节中，我们所见的是学生创作时不同的个性与可能，也同时在梳理着油画写生的步骤和思考脉络。展厅内还放置了一套学生曾创作绘制过的摇滚乐器，摆放在与之相关的油画作品前——这无疑是一种场景重现与还原，有好奇的小孩经过，看看画，又忍不住去触碰乐器。这种绝对的开放同样呈现在二号展厅的“碑帖融合实践与理论研究”课程中——入门处所面对着的视频短片上还原了课堂教学中老师书写之时的手法和教导，明了而直观，许多观者站在这一屏幕前许久不愿移步。许江院长在展览前言《金课之始》中写道：“现代教育将技艺的传授从师徒私授中解放出来。大江东来，有教无类，愿意受教者都可聚入。技艺被转释成课目，技艺的方法在课堂课程的结构中得公示。”而“公示”二字的精神，现在不仅仅被置于课堂内部，更在这场展览中被全然实践着。5位“哲匠” 5门“哲匠金课奖”延续不断的哲匠精神那么，什么样的课程才够得上“哲匠金课”之誉？许江院长在《金课之始》中谈到：一门优秀课程中往往既要有规定的恒常要求，又要有独家的新锐启迪；既要有一般的目的要求，又要有创新点与独门心法。1月7日，“哲匠金课奖”评审委员会的评委们用了整整一天时间，在展览现场逐一听取了课程负责人的现场称述，并进行提问、对话。最终，在入围的15门年度核心课程中，评选产生五门“哲匠金课”——“江南园林精测与研究”（负责人：邵健）、“艺术史学史”（负责人：曹意强）、“中国山水画写生与创作研究”（负责人：张捷）、“手工艺术创作与方法研究”（负责人：周武）、“空间多媒体艺术专题创作”（ 负责人：管怀宾）。在现代教育中，那些长期口耳相传的概念“知识”“技巧”“方法”“感知”“思考”“历史”“现场”……它们究竟如何落实在每门课程的细微之处的？这些“金课”便是最好的回答。许江院长将此形容为“沉金”，他说：“在现代社会的大背景下，以怎样的课程和课程结构以及方法内涵，在浮泛的日常、川流的讯息中，在学生们的真实感受和内心中打捞起这些沉金？这才是我们组织核心课程、打造核心课程金课的思兹念兹的要义。”最难的，正是在于传习“心”与“手”的体察与感悟——这恰与“哲匠”精神契合：如哲人般思考、如工匠般劳作。今天，同时颁发的第三届“哲匠奖”共授予五位美院教师，除金奖获得者杨奇瑞教授之外，建筑艺术学院副院长李凯生、中国画与书法艺术学院中国画系主任张国民获“哲匠奖”，染织与服装设计系主任陶音、建筑艺术学院讲师王欣获“青年哲匠奖”。

在今天的学院氛围和知识状况中，如何接续并发扬艺术家思考与写作的高妙境界，同时又能够直面当代艺术所面临的问题与困境？艺术家如何跳脱出现代学术工业的虚假生产模式，进入一种真实、切身的“面向事情本身”的研究状态？9月18日，中国美术学院新任院长高世名在2020研究生开学典礼上，围绕“国美的创研之道”发表了《身心发动 情意直观》的演讲。内容涵盖知识生产、美学、艺术教育，以及国美艺术专业、绘画、书法等各个方面。高世名以“一体天人，一体身心”，鼓励学子将创作扎根于艰苦的研究和深刻的感悟。“熟悉的事物重新变得新鲜生动的时刻，就是艺术发生的时刻。”“澎湃新闻·艺术评论”(www.thepaper.cn)经授权特予全文刊发。中国美术学院2020级研究生新生入学报告会现场，中国美院院长高世名演讲现场。（一）同学们，祝贺大家进入中国美术学院。大家都知道，这个校名的背后是三句掷地有声的话——中国艺术的先锋之旅，美术教育的核心现场，学院精神的时代宣言。这三句话，彰显着国美的首创精神、先锋意志和使命担当；这是国美人的自我期许，也是我们对历史、对民族、对艺术、对世界的崇高誓言。我会牢记在心，希望大家也牢记在心。今年的国美干部读书会上，我向老师们推荐了一本书，马一浮先生的《泰和宜山会语》。现在也推荐给研究生同学们。这本书很薄，只有不到一百页，但是极为重要。我们知道，马一浮先生是近世的一代儒宗，也是国内传播《资本论》的第一人。1917年，蔡元培出任北京大学校长，邀他去北大任教。马一浮回以“古闻来学，未闻往教”八字电文，拒绝了蔡先生的邀请。这个著名的故事可以看到一位真正儒者的风采。马一浮先生马一浮先生手迹1938年，马一浮先生随浙大西迁，经过江西泰和以及广西宜山，在两地聚而讲学，《泰和宜山会语》就是这两度讲学的讲稿。马先生在序言中自谦说：“浮平生杜门，虽亦偶应来机，未尝聚讲。及避寇江西之泰和，始出一时酬问之语。其后逾岭入桂，复留滞宜山，续有称说。皆仓卒为之，触缘而兴，了无次弟”。然而，大家只要细细品读一下这本小书，就会知道什么是“一代宗师”。国难当头，马先生以最扼要之文言，最坚定之信念，阐明国学之旨归，发扬儒道之纲纪。其运思也，清澈明达；其为文也，沉着痛快。尤其《论六艺该摄一切学术》、《论语首末二章义》诸篇，最值得反复体味。开篇讲学习国学的“入门四要”，特别清楚明白。诸生欲治国学，有几点先须辨明，方能有入：一、此学不是零碎断片的知识，是有体系的，不可当成杂货；二、此学不是陈旧呆板的物事，是活泼泼的，不可目为骨董；三、此学不是勉强安排出来的道理，是自然流出的，不可同于机械；四、此学不是凭藉外缘的产物，是自心本具的，不可视为分外。由明于第一点，应知道本一贯，故当见其全体，不可守于一曲；由明于第二点，应知妙用无方，故当温故知新，不可食古不化；由明于第三点，应知法象本然，故当如量而说，不可私意造作。穿凿附会。由明于第四点，应知性德具足，故当内向体究，不可徇物忘己，向外驰求。推荐这本书，不是因为马先生是一代大师（我不太喜欢那些所谓的“民国控”），而是因为我觉得晚清民国在中国文化史上太重要了，是我们研究一切中国学问的重要参照，是一个中转站，或者说一个投射区。无论你研究先秦还是两宋，还是研究最近二十年的当代艺术，晚清民国的所谓“近世”都应该在你的思想框架之内。其中原因要专门找时间讨论，我这里先不说了。今天我主要是跟大家一起交流，我们搞艺术的怎么做研创？这是我们艺术学院特有的字眼儿，研究和创作合为一体，基于研究的创作，基于创作的研究。中国美术学院的研究创作传统是十分深厚的。1928年成立时，便是蔡元培先生设立的大学院下的“国立艺术院”，同时成立的还有著名的中央研究院，由此可知国立艺术院在国民政府研究教育系统中的地位——它相当于艺术学院再加上一个艺术研究院，从设置之初就将研究创作作为这所学院的核心。中国的研究生教育也始于我们学校，第一代研究生中就有许多大家，比如李可染。国立艺术院但是，美术学院的师生们往往对所谓“研究”心存疑虑。这里面有一个深层原因。尽管新世纪以来，“艺术作为知识生产”这种表达逐渐成为流行俗语，尽管许多国际学者频繁地将美术学院比作“知识实验室”（Knowledge Lab），但是，对于艺术生产出的究竟是何种知识，学术界依旧充满疑惑。知识生产是否必须具有“科学”的系统性和严谨性？一般来说，是的。但早在1934年，加斯东·巴什拉（Gaston Bachelard）就在他的《新科学精神》（The New Scientific Spirit）中就宣称：“科学是多种实践的复合体，每一种实践都生产出自己的认识论，并且都在不同程度上接近真理”。而伽达墨尔（Hans-Georg Gadamer）的《真理与方法》（Wahrheit und Methode）所欲揭示的，正是“方法之前和之后的真理”。著名哲学家费耶阿本德（Paul Feyerabend）的《告别理性》（Farewell to Reason）与《反对方法》（Against Method）也非常清晰地阐明了以方法论为驱动的理性知识的破产。而他本人最大的遗憾是年轻时未能成为布莱希特的助手。艺术自己的知识论是怎样的呢？是一种从艺术实践出发的具体的、有感觉的知识，这种来自艺术的知识帮助我们反思阿多诺称为“机械主义的知识论”。这里的核心问题是：在何种意义上，艺术家可以成为一个研究者？在20世纪西方思想史上，哲学家和艺术家似乎在联起手来重新定义什么是知识生产、什么是思想。无论是埃兹拉·庞德（Ezra Pound）和麦克卢汉（Marshall McLuhan）有关辩证思想的系词与语言聚合作用的通信（庞德、麦克卢汉《内部风景》，1969年），还是詹姆斯·乔伊斯（James Joyce）在《芬尼根守灵夜》（Finnegans Wake）里的粘着语言，我们都可以觉察到一种逃离的愿望，而逃离的主体则是以黑格尔为最高障碍的辩证思想之牢笼。费耶阿本德和德勒兹都把库尔特·施威特斯的拼贴作品当作“非辩证方法”的模范，大家可以想象一下他那个无限生长的“梅尔兹”（Merz）。两人都在施威特斯的艺术里看到了某种“达达主义认知论”，往来于混沌－方法－疯狂之间，对无法预知的他者性与差异性保持开放。如果说科学是“通过知识获得解放”，艺术就是要“通过解放获得知识”。后者是一种上手技艺所开启的、从艺术经验而来的知识，一种感同身受的知识，一种创生性的、诗性制作的知识，一种身心发动的知识。在西方艺术史上，有许多耳熟能详的艺术家都有他们的“研究”案例，如达芬奇的《比较论》、康定斯基《艺术的精神》、爱森斯坦的《蒙太奇论》、杜桑的《大玻璃》和“绿盒子”、霍克尼的《隐秘的知识》……在中国古典艺文世界中，几乎所有重要的“研究”都出自创作者之手，如姜白石的《诗论》、《渔阳诗话》、《林泉高致》、《南田画跋》、《石涛画语录》。这些“研究”的文体多为品评漫叙，最易发显性情，而其对具体人物、作品评价之精当、置辞之着意，每每令人心花怒放、拍案叫绝。然而，这些艺术家的写作却绝不止于随笔，而是贯穿着艺术之原理、创作之路径、传习之方法、趣味之品鉴等多个层面。以《文心雕龙》为例，书中所论不但有《原道》、《征圣》、《宗经》、《正纬》等原理性论说，还包括《熔裁》、《定势》、《声律》、《章句》、《比兴》、《夸饰》等技术性探究，更重要的，则是在后世影响不断的《神思》、《体性》、《风骨》、《情采》、《隐秀》诸篇，这些脍炙人口的篇章，写出了为文为诗的格调、境界与神采。在今天的学院氛围和知识状况中，如何接续并发扬这种艺术家思考与写作的高妙境界，同时又能够直面当代艺术所面临的问题与困境？艺术家如何跳脱出现代学术工业的虚假生产模式，进入一种真实、切身的“面向事情本身”的研究状态？这是当今创作者－研究者所共同面对的问题。“面向事情本身”是现象学精神，用佛学术语讲是“直奔如来”，按照我们马克思主义者的话说，即“实事求是”。中国美术学院2020级研究生新生入学报告会中国美术学院2020级研究生新生入学报告会现场（二）我们学校刚刚去世的徐君萱先生有一本笔记本让我极其感动。他那本笔记的封面上写着“待研究的课题”。今天大家讲到课题会想到什么？各种申报、各类表格……但是在“文革”结束不久的1980年代，徐君萱先生有一本“待研究的课题”，那是他的“为己之学”。打开这个笔记本，里面的笔记非常工整，非常仔细，还有各种各样邮票一样大小的手绘插图。他看画报，看到一件有意思的作品，就会临摹下来；到图书馆翻画册，看到好的作品，也会临摹下来，旁边写上他的心得。他的这个“待研究的课题”是什么？他称之为“微茫”，是从描绘“月上树梢”开始的。这个意象在文学中非常多，但是在绘画中尤其在油画中如何表现？月光涂抹在树梢上，边缘线的银白，虚与实之间的转换，最后形成一种“微茫”。这是一个了不起的命题，这是画家的真正课题和责任——通过绘画语言进行感性开发。徐君萱画作要知道，美学（Aesthetics）的本意就是感性之学。绘画的微茫之境，徐君萱先生本人直到去世，可能也未必真正达到，但是，这个命题的提出和自觉的感知，以及由此引发的意境和语言探索，才是他留给我们最宝贵的遗产。我希望大家以后朝向这样的课题努力。设计学科的同学应该多关注像维多利亚与阿尔伯特博物馆（V&A）这样的博物馆，那里的每个展览项目都是极好的课题：“冷战的现代”、“超现实的事物”、“去除品牌的设计”……当然，不同学科有自己适合的研创方法，不仅建筑、设计、跨媒体艺术，而且传统的造型学科，无论是书画还是油画、雕塑，都应该在古今中外的大视野中、在历史的长河中寻找到一个可以深入进去的点，正如我们尉晓榕教授一再强调的——“深度即是高度”。还有一点非常重要，我们要在文化保存的基础上，激发出当代的新活力与新能量，让最雅正的艺术传统从当代人的情意和感觉中重新焕发出来。我始终认为，中国书画之道是自新之道，它应该是有血有肉的，它应该有能力直接应对当代生活，呈现出当代人的情感、困惑与怀抱。艺术教育的本质是人的创新能量的养成与传递——对学校来说是能量，对每个人来说就是能力。艺术教育成功与否，在于是否培养出几种对艺术人来说至关重要的能力——感受力、批判力、想象力、行动力。这些东西听起来很抽象，但是要在具体的学习中逐一实现。我们以前有位毕业生林科，连续获得了“皮埃尔青年艺术奖”和“AAC青年艺术家奖”，对于年轻人这是巨大的荣誉，他也迅速成了明星。他的作品其实特别简单，技术含量也不是很高——让浏览器自动地演出，屏幕上鼠标不断地点击设置各类程序，渐渐地，所有东西都开始播放，混合成为一场交响乐，最后，汇聚而为一场在线的狂欢节。这个作品为什么会感人呢？说不太清楚，只有看了才知道。你观看这件作品的时候，能感觉到坐在屏幕前面的那个隐形的作者的寂寞——小小的，渐渐变得盛大而疯狂的寂寞。在他的世界里，电脑变得非常人性，人和电脑、网络的关系很亲密而又很温暖。大家都每天面对电脑，但是这种体验、这种感动、这种温暖怎么传递呢？这是艺术教育中最难以言说的事情。我始终相信，艺术教育问题就是艺术问题，艺术的教育要以艺术起作用的方式进行。也就是说，老师和学生的关系，就如同艺术家和他的观众的关系，如同艺术家和其他艺术家的关系。（三）今天讨论的是研究生层次的“研究－创作”。我选择几个专业，谈一点个人的想法。第一个是我们比较独特的专业，纤维艺术。纤维艺术并不是一个特殊的艺术类型，而是一种方法，一条道路。它从纤维的自然构造中，发掘出一种微观世界的建构性，引申出一种对于物的独特理解——一切材料、一切物体，莫非自然或人工的精微构造。纤维艺术的根本在于编织，那是从一根线中演化出整个世界的冲动。对纤维艺术的实践者来说，所有事物，都是以其特定方式编织、缠绕、堆积、链接、蔓生而成的形态建构。编织所牵系着的，不只是一种特殊的材料或手艺，也并不止于创作手法或者表现形式，在更加深远的意义上，编织之于艺术家们，是一种理解世界的方法和路径，既具有工具性，又具有认识论和本体性的意义。编织的原始动作是“爻”、“井”、“互”，不仅是编织的基本手法，而且是一种原始形态，继而引申为一种体察世界的眼光。一交一互，一经一纬，世界的结构和秩序得以奠基。这是纤维世界的起源神话。每个民族的起源神话中都流传编织者的故事。古希腊有阿里阿德涅在编织中的等待，中国远古就有结绳纪事。对纤维艺术来说，“物”之物性，不以其材质，而是因其构造，而执行此构造的，是劳作。由此，双手的劳作这一朴素而能动的建构行为，成为唯一的神话，在这个神话中，起作用的不再是作为源发点的“无中生有”，而是编织-劳作所具有的日常的力量。这种劳作牵系着一种独特的“创作观”，不是观念化的方案及其实现，而是劳作中的蔓延与生长。这种力量开辟出一种别样的“创造观”，不是从无到有的创生，而是无尽绵延的生长。这种无穷无尽的生长的背后，是一种来自大地母性的创造力——繁殖、蔓延、滋生、化育。第二个是陶艺专业。我们国美的陶艺专业是全国典范，去年刚荣获全国教学成果一等奖，这是美术界第一个，非常难得。但是，我总觉得除所谓的现代陶艺这条路外，我们的“国艺”还可以有更高的天花板。周武老师出身龙泉。龙泉瓷传承千年，其釉色如冰似玉，最能够体现中国艺术雅正高华的君子之风。龙泉青瓷追求玉质，最关键的是要有“静气”和“韵味”，它釉色秀润，造型简约雅正，有和静内美的品质。而这种品质全在意匠的技艺与修养。随着瓷土的配料、厚薄、烧制温度和炉内气氛的不同，青瓷的釉可以生出千万种变化。于变化中见规则。艺术家对土与火的运作和变化的控制力炉火纯青，一切伟大艺术的本质都是控制偶然性的技能。青瓷最重气韵。就气韵而言，青瓷最忌者有四：浮、燥、浊、僵。这四种弊病都体现在釉色的处理上，浮则薄，燥则恶，浊则俗，僵则腻。与之相对，青瓷的气韵应是幽而透、静而活，雅正高华，秀润清馨。其中最关键的是一“活”字。好的青瓷釉色如一泓清泉，如沉静素朴的世界中脉脉潜行着的“静水深流”，清澈、沉静而又灵动，这是了不起的技艺，需要用土与火的烧制中变幻出水的活性。中国人尚青，青乃正色。“青”之本义是“象物生时色也”（《释名》），即春天草木萌发的绿色。同时又指蓝色，如“青天”之色；还指黑色，如“青丝”，引申为青春生发之意。龙泉的釉色谱系中有无数种“青”，最具代表性的是两种——“粉青”和“梅子青”。粉青依稀是天空的颜色。《逍遥游》中说：“天之苍苍，其正色耶?其远而无所至极耶?其视下也，亦若是则已矣。”天空之青色因其玄远无极，自下视上，苍苍茫茫，自上视下，亦是莽莽苍苍。青瓷正是从土地中攫取物华以应青天之象。青瓷世界里，所有形制的事物都归于不同品类的青色，这是一个被提纯、被净化的世界，如同一个在净化中“齐万物”的过程。粉青釉色透明而又朴厚，玉一般温润，水一般清澈，宛若冰壶秋月，将天空之正色、月华之清辉邀至掌中目前。“梅子青”釉质像青梅一样莹润剔透，如一泓春水，青翠欲滴，又若梅子青时雨，演化出烟雨江南的缠绵惆怅，正可谓“一瓯江畔青梅雨，半盏岭上绿萝烟”。（四）黄宾虹先生在杭州作画接着谈国画。国画是国族之画、国粹之画。不论黄宾虹先生、潘天寿先生还是郑午昌先生、傅抱石先生，我们学校最早的那批教授书画的老先生们都有一个共同特点，他们不但是出色的画家，更是杰出的画学家。到了新世纪，国书院同仁力推“中国画学与书学”，这九十年仿佛是一个历史的回环，展现出当代书画家们传承光大民族文化的心志。从历史上看，我们画学的道统承接两宋正脉。南宋的都城临安，曾是世界经济的枢纽之地。那是一个商业发达，对外贸易繁荣，学术昌明，文学艺术也异常兴盛的时代。我们学院接续的是两宋的艺术文脉。在绘画史上，无论人、山、花，两宋都可以说是群星闪烁、高峰林立。我们国画系山水专业历来讲究以元人笔墨运宋人丘壑。宋人所专擅者又何止是丘壑？想想《笔法记》，我们就会意识到，那个时代的人们在用笔上自有一番理解和怀抱，荆浩笔法之笔并非明清人所谓“笔墨”之笔，这一点值得我们去重新咀嚼反思。范宽《溪山行旅图》宋人丘壑万象森然，来自对于山川的长期观照与切身体察，五代及至北宋的那些山水画家们是伟大的求道者，跟后世的文人画家们全然不同，所以他们的创造具有世界观的意义——师法造化，其中关窍不在主客之间，而在人天之际。邵雍《观物内篇》中说“以物观物，性也；以我观物，情也”。宋代理学倡导“格物致知”，不仅以我格物，而且以物格我；其中最重要的，是“追求在沒有观察者的世界里会心宇宙活动，反观人世”（张颂仁语）。宋人感物兴怀，神与物游，穷情写物，所以春风春鸟、秋月秋蝉、夏云暑雨、冬月祁寒，一切都能成就画意；气之动物，物之感人，一切皆可摇荡性情。两宋绘画，远超乎宗少文所谓“以形写形，以色貌色”，更进一步“以心为境，以神写形”。因为究天人之际，人心通于天心——人心之通于天心，如王霖老师所言，即是无处不有大观照，一花一叶，俱有安放，才是本来。宋人相信天地间无处不是自在完全，才能如苏东坡所言“不留于一物，故其神与万物交”。宋代山水画的层峦叠嶂中蕴籍着宇宙太古的广大与寂静，花鸟画的写真妙趣中更有着千般生意、万种风情。宋画中既有《溪山行旅》的雄浑，又有《万壑松风》的森然，既有《早春图》这样“致广大”的宇宙气象，又有《雪竹图》一般“尽精微”的特写镜头——《早春图》以全景山水展现出造化之理，《雪竹图》却让我们体会到一滴水中亦可映照出整个世界。两宋的画家们真是令我们倾倒！他们似乎既能够为宇宙造型，又可以为万物写照；其中有天光云影，龙蛇起陆，神变无穷，幽微难测。北宋之理，南宋之情，创造出令人流连颠倒的万千气象。中国画与书法学院继宋代画院千年脉络，完全可以汇合研究、临摹、传习、创作而为一体，其目的是让两宋书画的观物之道、体物之法、语言系统、意境情致以及其中所蕴涵的世界观，在当代人的感知经验和精神土壤中重新生发。黄宾虹山水首先讲山水。山水专业的研究生是否可以沉浸在太行山这类山水画史的核心现场，在洪谷子的道场中待上两年，阴晴雨雪，“写松千万”，通过《笔法记》和太行山的互参，重新发明荆浩，重新发明那种“求道者的山水”。我用“发明”这个词，是因为所有传统都曾经是一种发明，一切真正的继承都是重新发明。我们不能抱残守缺，继承古人首先是继承古人的创始精神，要与古人志气相投，心心相印。画山水一定要有山水经验，体味山水一定要穷源竟流。几年前我去云台山，在大雾之中沿着山谷中的溪流溯源而上，曲折盘桓，山高水长。走到山谷尽头处时雾气渐渐散去，那峡谷尽头百丈山崖的底部有一座巨石阵，无声无息地等待在那里，仿佛时间停止，仿佛世界尽头。我在那里站立了许久，感受着亿万年前那一场磅礴的造山运动。那是地质构造的巨大动作，山崩地裂的巨大力量，在某一个瞬间凝固而为这惊人的景观。这一瞬之后，是亿万年的打磨。大衍迁化，是自然默默运作的力量。这就是山水世界的“造”与“化”。或者说，这就是山水的世界感和事件感。世界感是指这巨大构造中那随机的秩序，事件感则是这秩序的崩坏与变乱。造山运动的一瞬间，与默默运作磨蚀的亿万年，这是“造－化”的独特时间经验，再加上我们这百年之身在溪山中的行旅盘桓，这就是中国人体会到的山水世界。我有一位朋友，香港的艺术家赵广超，他说整部中国画史可以一言以蔽之——“有人物在山水间看花花鸟鸟”。我另一位朋友韦曦（他写了本书《照夜白》）说——让我们“与山水一起看人间”。但是我要的是——山水作为一个文明空间如何对今天的文明秩序发声？山水，大物也，本是天地之假名。它历经千古，于岁月轮转中损蚀磨砺，于变乱漶漫中有迹可察。山水之为世界，尽管有人在其中出没生灭，依然不改其地老天荒。山水是一人独对的宇宙，反过来说，正是山水成就了这个人。亿万年的造化、千秋万代的寂寞，完成了这一个山水中的人。现代世界中人的角色设定，达·芬奇笔下的那个作为世界中心与万物尺度的“威特鲁威人”堪为标志。山水世界中的那个人，正可以作为他的东方对境。接下来谈人物画。中国的人物画曾经是一种极微妙、极具精神性的艺术。然而，除了有限的几件卷轴传世，以及近年出土的一些壁画之外，早期人物画作我们难以得见。可是毕竟我们知道，顾恺之曾经说过画人物：“手挥五弦易，目送归鸿难”。我们由此可以想见彼时人物画家们追求的是怎样一种境界。但千载以降，我们却难以找到可以与这种境界相当的画作。我个人所见，惟有李唐《采薇图》、徽宗《听琴图》等了了数帧依稀能够体现几分顾恺之的意思。于是这些年我常有一种想法：既然早期人物画作难以得见，我们是否可以从魏晋六朝的人物品藻中得到一些启示？人物的风神意态，在《世说新语·容止》篇中有众多精彩的描写：魏明帝使后弟毛曾与夏侯玄共坐，时人谓“蒹葭倚玉树”。时人目“夏侯太初朗朗如日月之入怀，李安国颓唐如玉山之将崩”。同样是“玉山之将崩”，在嵇康处则是另一番意味——“嵇叔夜之为人也，岩岩若孤松之独立；其醉也，傀俄若玉山之将崩。”因为嵇康身长七尺八寸，“风姿特秀”，见者叹曰：“萧萧肃肃，爽朗清举。［……］肃肃如松下风，高而徐引。”还有王羲之，当时人说他“飘如游云，矫若惊龙。”此类形象的品评还有许多，诸如“轩轩如朝霞举”、“濯濯如春月柳。”美人之外，对于丑人也有精彩形象的品评，如“刘伶身长六尺，貌甚丑悴，而悠悠忽忽，土木形骸”。正是有了对人物如此微妙精辟的品鉴，才有了顾恺之画裴叔则“颊上益三毛”、“画谢幼舆置丘壑中”的佳话。魏晋风度、建安风骨、六朝风流，中国人物画高峰期的这些“人物”，都是率真洒脱、纵情放达、狂放不羁，越名教而任自然。这种情致与境界，我以为对今日写意人物画的创作必当有所助益。因为所谓“写意”，毕竟不止是笔墨问题和风格问题，超越了工笔和意笔的皮相之争，我们可以从魏晋六朝人物品藻中获得一种“非图像的视觉经验”。我相信这会让今天的画家们重新对人发生兴趣，对人的内在性和精神性发生兴趣。艺术是对现实的沉思，是生活的回声。但艺术要成其大者，还要承载人道。为人生而艺术，首先就要对人感兴趣，对人之为人有所思考，有所领悟。山水和人物都有大而深的命题，花鸟画同样有。潘天寿是一位艺术创格者。他将山水造境之法融入全景花鸟画，又以生机勃勃的山花野卉结合入近景山水，创格而为气势撼人的宏章巨制，在千年画史中别开生面。他巨幅作品有着奇崛明豁、博大壮阔的格局，赋予了中国画前所未有的纪念性、崇高感以及庙堂气。他在传统的梅兰竹菊之外，更钟情于深山绝壑中那些无名的山花野卉。今逢四海为家日，山花野草也自由。通过这些遥远山谷里普普通通的野草闲花，潘天寿的画面上呈现出一种平凡质朴却又生生不息的时代气象。1969年，他最后的诗篇中写到：“入世悔愁浅，逃名痛未遐。万峰最深处，饮水有生涯。”仿佛又回到《小龙湫下一角》那个草木葳蕤的世界，那“空山无人，水流花开”的僻远天地中，蕴含着一种尊严和质朴，一份自由与生机。潘天寿往往是先得诗情，再得画意，诗情、画意共同构成了他演绎造化的机契。他从雁荡深山大壑的掩映中领悟到山水花卉参差设景之妙，从断崖寒流、怪岩丑树中攫取了用笔与造型的坚实方硬、铁骨铮铮。他从雁荡得法，雁荡山之于他不仅是绘画的题材，更具有方法论甚至世界观的意义。在他的笔下，雁荡山中的无名角落，呈现为一个汉赋般精彩丰富的世界。断涧寒流剪裁巧妙，山花幽草烂漫缤纷，画面中所有事物都以沉着霸悍之笔出之，聚合而为一种盛大繁茂的勃勃生机。花草木石在画面上仿佛都是不同乐器演绎出的不同声部，一切即时生发、万象纷呈，一切笔笔分明、精确无比，如同一部恢宏华美的交响乐。另一方面，花鸟画的研究课题，也可以联系中国经学中的名物、状物、格物传统。读《诗经》、《楚辞》、《尔雅》，我们会陶醉于其中那个丰富瑰丽的草木世界，可以之为索引，以“左图右史”的方式去重现那个自然世界的丰饶情态与风姿。甚至，还有一个极具挑战性的“课题”。我们都知道王阳明的“岩间花树”，那是格物至深处的通透畅达，其微妙处依稀婉约，若即若离。《圆觉经》说：“世界犹如空花乱起乱灭”。与之相较，王阳明更多了一分自持，他说：“未看此花时，此花与你心同归于寂，看此花时，此花颜色一时明白起来，便知此花原不在你心外”。王阳明的“岩间花树”，是否可以作为花鸟画创作的一个终极命题？当然，这并非中国画史上之一起现成图式所能匹配。欲为“花树”写象，画家需做的，不惟破除古今花卉成法，而且要直面虚白，知白守黑，以我心为镜，体无证有，将此花从沉寂虚无中召唤出来。此一状态，既不是李白所说的“安识身有无”，亦非东坡所谓“嗒然遗其身”，而是要苦心孤诣，惨淡经营，才能执心物两端，得兴象意境。“岩间花树”的生成过程中，依稀隐约，有氤氲明灭；其所欲示现者，是超出绘事的“幻里藏真”、“色中蕴空”之义。此境此象，不可描摹，或可演历，唯有把此间“花树”当作世界摄入我心，于一方心镜中，照见物象与气象的即时生灭。齐白石画作下面谈谈书法。书法与山水是中国文化中最难与其他文明共享的，因为太深刻、太玄远。书法之创作并非经由抽象思维，而是来自迹与象、意与态之间的相互激荡；更重要的是，书法之“象”根植于文字之“形”。书法需要辩识和阅读，尽管它同时也是“象”，是视觉品鉴和凝视观赏的对象。书法是二维平面上的三维运动，同时又是时间中笔笔生发的演历，所以也可以说书法是四维的，若再加上声与义，书法就是名符其实的“高维创作”。在跨文化解读中，书法往往被视为图像，文字似乎被当作某种事物，可以观察和描绘。然而，“书写－文字”的关系与“绘画－物”的关系有着微妙却根本的不同。文字之于书法，不是视觉表现之对象，更像音乐家演奏之乐谱、演绎之主题。正如在最原始的歌唱中，音调与辞章二者共生一体。歌唱非为表达，仅为歌唱，在歌唱中，音调与意义彼此激荡。音调决非简单的媒介与手法，与词义相比，它更加切近歌唱之本源。书法与歌唱一样，保持着这种原始的同一性，文字和书写相互焕发，成就万千气象。视觉与语言彼此激荡，文字与书写相互焕发，这是中国文化最为独特动人之处。作为书写的书法，是在时间中逐步显现、释放、生长出来，书写者于日积月累的书写中熟极而流，惟流动而变化生焉，惟神变而快意生焉。书到快意酣畅之时，信笔游疆，无理而生趣，笔笔生发，恍惚以成象；诸般形容迹象随机而生，不可预计，亦不可复现。《肚痛帖》草圣张旭见公孙大娘舞西河剑器，书艺大进，豪荡感激。公孙大娘舞剑，“来如雷霆收震怒，罢如江海凝清光”，其气势令“观者如山色沮丧，天地为之久低昂”。韩愈在《送高闲上人序》中说：往时张旭善草书，不治他技。喜怒、窘穷、忧悲、愉佚、怨恨、思慕、酣醉、无聊、不平，有动于心，必于草书焉发之。观于物，见山水崖谷，鸟兽虫鱼，草木之花实，日月列星，风雨水火，雷霆霹雳，歌舞战斗，天地事物之变，可喜可愕，一寓于书。故旭之书，变动犹鬼神，不可端倪，以此终其身而名后世。今闲之于草书，有旭之心哉！不得其心而逐其迹，未见其能旭也。韩愈在此强调的是“得其心”。书写之际，内心之节律与状态最为根本，此“心法”之妙谛与难处皆在乎即兴。“即兴”之难在于要若即若离，与书、画、字、象都要若即若离；离合之间，即兴不只是即物成象或者寄物抒情，所寄所即皆在其“兴”。“兴”是兴致、意兴、兴头，在更根本的意义上，是“兴－起”。兴起于人心之动，兴起于人天交感，兴起于人我两忘，在兴起中有姿容意态生焉。姿，态也；态，意也。段玉裁注曰：“有是意因有是状，姑曰意态”。姿与态、态与意皆为自然相表里。陆机《文赋》中以文章情意生动之美为“多姿”，指的是对情状意态最具意义时刻的把握，以之论书亦然。书写凝结的是行动，动而暂停，则动状犹在，动意犹存。此行动之状态，正在意兴飞扬之际的舞之蹈之，此行动之妙境，在于写得沉醉，写得气象淋漓，写得销魂荡魄。我常常想，生为中国人，比书法更根本的造化，是汉字。黄宾虹先生讲自己以“六书指事之法”入画，他说：凡山，其力无不下压，而其气则莫不上宣，故《说文》曰：“山，宣也”。吾以此为字之努；笔欲下而气转向上，故能无垂不缩。凡水，虽黄河从天而下，其流百曲，其势亦莫不准于平，故《说文》曰：“水，准也”，吾以此为字之勒；运笔欲圆，而出笔欲平，故能逆入平出。书道之大，正是由于它通达于汉字的文、字、书、形、声、义——这是文明源头上的书法之根。书写于文明史的终极意义，就是演历仓颉造字之际的变幻万端。从归一而至于归零，由万端而至于无端，自莫名而臻于无名，由是循环在手，低徊于心，有迹无形，今古苍茫。黄宾虹手迹同学们，艺术一方面讲究上手性、切身性，强调“具身心智”；另一方面要“技进乎道”，上手的技艺训练如果不能开启艺术经验，就还只是技，如果做不到切近于道，最终不过匠人之教。有深度的创作一定要基于艰苦的研究和深刻的感悟，用我的话说就是要努力做到“一体天人，一体身心”。同学们，真正的创造未必是感觉的增量，而是让熟知的世界焕发出新的光彩。声成辞响，里尔克说，诗句中的每一个词，都要让人仿佛第一次听闻。熟悉的事物重新变得新鲜生动的时刻，就是艺术发生的时刻。艺术发生的时刻，自我和世界又被刷新了一次。（作者系中国美院院长）(本文来自澎湃新闻，更多原创资讯请下载“澎湃新闻”APP)

中国美术学院2019年考研复试即将开启。大战来临，你准备好了吗？胜负未定，你我皆是黑马。复试全流程一、复试基本要求及比例注：①退役士兵专项计划：业务单科90分（含）以上，同时初试成绩总分320分（含）以上；港澳台考生：外语单科38分（含）以上，同时业务单科90分（含）以上，对符合基本要求的考生直接确定复试名单；复试比例：差额形式，按研究方向初试成绩总分从高到低排序，按各研究方向招生计划1：2比例确定复试名单；如遇末位同分者，则均可参加复试。二、复试科目与分值复试成绩满分200分=专业考试（创作/设计/论文，120分）+外语听力测试（20分）+综合面试（60分）。（同等学力者须加试美术理论知识和写作二门课程，各100分）三、复试时间、科目、时间与地点1、复试报到：2019年3月23日上午9：30—16：30，逾期视为自动放弃。报到地点：中国美术学院南山校区招生办。报到流程：考生凭有效身份证、初试准考证、本科毕业证书（应届本科生提供教务处证明或注册手续完备的学生证，“退役士兵”专项计划考生须带入伍证及退伍证）等原件报到，交复试考务费150元（同等学力者250元）；查验身份证、学历证书等原件；提交县级以上医院普通体检表（含肝功能，不查乙肝）；完成报到手续后，加盖复试准考章，查看考场安排并熟悉考场。2、复试时间：2019年3月24日—25日，同等学力加试3月26日。3、复试科目测试时间：专业考试时间3—6小时；外语听力测试时间45分钟；综合面试时间每生5-10分钟左右；同等学力者加试两门科目，每门3小时。4、复试地点：中国美术学院南山校区和象山校区。5、注意事项：复试用笔、颜料、工具等请考生自备；考生须自带2B铅笔及英语听力收音机（波段含FM79和FM86.1兆赫）；国美复试环节无须提交政审材料、学历认证和心理测评等，这与其他高校有所不同，给复试考生减少了该环节的奔波。四、录取实施细则1、招生计划：按照教育部2019年下达的拟招生计划数执行。招生总规模610名（含已拟录取推免生、退伍士兵专项计划），分别为：全日制学术型201名，全日制专业学位型315名，非全日制专业学位型94名。2、参加复试的考生须同时满足以下条件才能参加综合分排名：专业考试成绩72分以上（含72分）；复试总成绩在120分以上（含120分）；同等学力者二门加试成绩不计入综合分，但均需达60分以上（含60分）。3、根据各研究方向，分别进行综合分排名，按照招生计划数，择优录取。综合分（按初、复试总成绩各占50%的比例相加），计算方法：综合分＝初试总成绩÷500×50＋复试总成绩÷200×504、全日制学术型、专业学位型研究生，及非全日制专业学位型研究生原则上以初试报名确定的身份录取，院招生委员会可以根据学科发展需要及生源情况等按照有关规定作适当调整。　5、学生报考资格审查合格，体检合格。政策大背景2018年全国考研人数238万，2019年全国考生总数达290万，史上人数最多的一年，竞争激烈，越来越多的考生投入到二战或三战的战役中；随之而来的是国家线的大幅上涨，2019年艺术类一区公共课单科分数线38分，总分340分，是自2011年艺术学从文学门类划分出来后，史上最高的一年；更甚者，今年的调剂机会都异常难得，一票难求，调剂的压力比你想象的要严峻的多，从3月20日凌晨研招网崩溃就可以看出。国美数据解读2018年，报考人数2168人，进复试人数714人，教育部下达招生总规模600人，学硕201人，专硕305人，非全日制94人，其中含提前录取推免生54人，统考实际录取总数545人（含退伍士兵专项计划5人，港澳台计划7人，第一志愿校内调剂25人）2019年，报考人数2860人，进复试人数763人，教育部下达招生总规模610人，学硕201人，专硕315人，非全日制94人，其中含提前录取推免生69人，统考实际指标总数541人（含退伍士兵专项计划5人，港澳台计划6人）上述数字对比，你已经可以发现，2019年的招生人数其实并没有像前几年一样大幅扩招，甚至因推免人数变多，统考指标人数有小规模减少，并且因创新设计学院和中德学院首次招生，且创新设计学院招生名额较多，故留给其他院系各方向实际招生数与9月份发布的招生专业目录中的拟招名额基本一致，这个从下表长图的进复试人数中即可看出，今年的港澳台考生招生政策与往年也有明显不同，6个指标全部招收学硕，学硕的竞争愈发更加激烈。当然，通过相关数据可知，今年非全招生仍然有部分缺额，大概率还会开展第一志愿报考国美考生的校内调剂工作。请持续关注，不要轻易放弃，坚持到底，不要关心初试排名，不要在乎初试分数，认真应对复试环节每个部分的考试，部分考生可能还是有机会校内调剂非全的。2019年各方向进复试人数明细优塔助攻，临门一脚

2020秋季学期开学了，中国美术学院录取研究生827人，其中硕士生720人、博士生107人。硕士生女生占绝大多少，男女比例为3：7，而博士生男女比例则为6：4，男生占优势。其中一共有30位留学生，23位硕士、7位博士。国内硕士生来源省份，浙江本省345人占比48%，江苏以48人排名第二位，安徽34人居第三位。另外湖南27人、四川12人、重庆7人、贵州3人。博士生来源省份，浙江本地23人占比21.5%，山东21人居第二位，其它各省市人数均少于6人。据学校数据透露，本校和非本校硕士研究生几乎是1：1比例录取，非本校生源中以西安美术学院、湖北美术学院、浙江理工大学人数占多数，也有少量的四川美术学院、天津美术学院、广州美术学院及南京艺术学院的学生。博士生录取本校和非本校录取人数比为3：2，非本校生源中有中央美术学院4人、另外有同济大学、南京大学、天津美院、北京电影学院等学校学生。考入中国美术学院的研究生中，还有1位60后艺术大咖呢，好像刚好是1969年出生的，00后也有3位了，不可小视。刚刚还有人问我工作了多年，考研究生怎么样，会被人嘲笑不？看这里，一位已经毕业26年的本科美术生，今年终于又考上中国美院的研究生了。

#中国美术学院考研##中国美院视觉中国协同创新中心##国美中国古代设计史与艺术史研究#优塔教育中国美院视觉中国协同创新中心硕士招生方向推介_中国古代艺术史与设计史研究视觉中国协同创新中心（CIVS)中国美术学院视觉中国协同创新中心成立于2014年，以“核心价值的视觉表达、中国文化的视觉创新、优秀传统的视觉活化、国家形象的视觉传播”为使命，以跨文化、跨学科、跨领域的协同创新为手段，聚焦“视觉国学”、“视觉当代”、“视觉乡土”三大领域，汇聚全球范围内的顶尖人才，努力构建以“视觉国学”为核心的视觉艺术“东方学”系统，致力于高等教育的国际化、社会化，将中国文化的活性基因培植到研创、教学与社会服务中。2021年硕士研究生招生方向总述2021年视觉中国协同创新中心硕士研究生招生类型为全日制学术型、全日制专业学位型和非全日制专业学位型，共9个方向，拟招生15人。具体如下图所示：中国古代艺术史与设计史研究#01方向简介重视艺术史多元价值与设计史专门特色的充分共生、共进与共荣，强调综合的文献与校勘能力训练在攻读硕士研究生学位期间的学习、思考中的实际运用。既以教师专题教学、师生共同研读为手段，在深化设计学科关键领域知识的透彻掌握的同时，又积极通过跨院校选修、田野考察、学术生产锻炼等策略，提升重点交叉学科领域核心研究方法的全面理解。最终实现视觉语言与形式记录的交融价值，彰显艺术各学科间相互影响的独特意义，并逐步领悟是人的高级造物及其具象行为，成就了社会与文明的永续运转，这一深刻且亘古未易的历史法则。#02导师简介连冕，1981年生，中国香港人，博士（2010年，北京，清华大学）。现为中国美术学院视觉中国协同创新中心专任教师（副教授、硕士研究生导师），主要研究方向为中国古代艺术、设计的历史与理论，侧重礼经与礼制造物和传统社会治理方向，兼及历代罕传文献整理、近现代美术史和当代艺术批评，和国外设计实践成果引介等。代表作包括：合著专著《〈工部厂库须知〉基础研究》，古籍整理《〈工部厂库须知〉点校》、《〈天水冰山录·钤山堂书画记〉标校（暨综合研究）》，以及《〈天水冰山录·钤山堂书画记〉标校综合检索数据库》、《〈工部厂库须知〉综合检索数据库》等。另有学术专论《王冕新证：一段不曾深入揭示的个人史》、《宋摹梁元帝〈职贡图〉与中古域外“冠服”》、《“礼”的造物运行——两个图式及一张逻辑演进表》、《“荆蛮”和“茅绥”：民族志里的“他者”》和《“圣数”与“纹章”：清代经学中的旗纛问题》、《“兵”、“农”与“医”、“工”：“古典设计管理”的“控制学”》、《标本化·史料网·数据库：工艺及书画著录经典文献的科学化整理——兼记〈天水冰山录·钤山堂书画记标校〉》、《经济、掌故与何士晋——朱明万历末〈工部厂库须知〉编纂研究之一》、《以若所得，教若国人——〈郑可传略〉初纂》等。具体承担国家及各级课题10余项，版行各类专书10余部，发表长篇学术论文50余篇，迄今累计各类刊布约600万字。先后入选浙江省“新世纪151人才工程第3层次”、“之江青年社科学者行动计划”、浙江省教育厅“高校优秀青年教师资助计划”，中国美术学院“青年人才支持计划学术骨干”、“优秀青年学者培育对象”等名单。#03导师访谈Q1.如何理解古典学中的艺术史，或者说艺术史在古典学中的特殊性？“古典学”在人文、社会学科中常指研究过往经典知识体系的综合学科。对此，我即提倡以“博物”的眼光来看待中国古代物质、非物质的文明和文化，我们专业方向的研究对象——古代艺术史与设计史——自然也包含在内。据我想来，有了研究对象又强调“古典学”，其目的正是要促成各个原先分散的学科恢复本初在“零学科”状态下，既已存在的、必然而不可分的关联，重新将它们视作整体，以展开新的立体的学术研辩。Q2.中国古代有设计吗？当前所谓的“设计”，往往直接关联到非常学科化的“工业设计”“平面设计”等范畴，其实某种程度上这是理解得狭隘了。“设计”稳定作为学科名词仅是近三四十年的事情，在这之前，甚至到现在，全球范围内多数人更熟悉的是“艺术”“图案”“装饰”，或者“工艺”“美术”等词汇，而后面这些又更多指向了美和欣赏问题。那些真正展现出广大民众智慧，继而能够诠释“设计”切实内涵的，倒是那些日用中看着并不那么美丽的造物，比如供坐卧、饮食等的基础器具。当然，它们有大有小，粗简的如针头线脑及瓢盆锅碗，先进的像航空、航天器和“高技派”建筑，但这就是一切古代的、现代的“美”的真正源头和起点，且被不断大量地使用并改进着。那么，它们以及改进它们的行为便是“设计”了，而在古代，就当叫做“工”和“艺”。Q3.在您看来，设计史是设计者的历史，还是设计风格的历史？何谓风格？简言之，就是常说的样式。但，风格不是得意于简单的临摹、附贴，填色、渲染，风格是建立在历史之上的——这是一个基本常识，风格本身不是建立在那些语言学、现象学之上，在我看来风格建立的基础就是历史——历史学，否则便没有风格。因为风格是要跨时空比较的，只有历史学才能完成，所以我才说：凡谈风格必谈历史，一切风格都是历史。当然，这也就是所有意欲以“图像证史”者，理当明白、晓示的根基和前提。于是，从历史的角度看，人类真正所拥有的一切，不是由哪个特出的智者、明星创造的，而是由那些“非常不起眼”的动物、植物，包括人自己这个芸芸的群体和个体协同努力而得。当然，我这里指的是那些沉默而伟大的“无名者”，在他们的造物上面，甚至没有任何一个创作者的名字留存，但我们却更应努力为这些“无名者”和“无名物”树碑立传，通过称颂他们而鼓舞来者。换言之，反倒是我们都需要被“无名者”和他们的造物教化。（《〈考工记〉：以伦理和科技为中心的物质与“非物质”论辩》，《北方工业大学学报》，第29卷第3期，2017年第6月）Q4.中国传统视觉文化研究有哪些特别的方法？我先从设计艺术的“经典”角度谈吧，它们可以狭义地理解为：对于这样一个学科合宜且具有划时代价值的过往名著与名篇，包括那些具备集成性、动态性、大时空跨度特点的文字图版、影像素材、数据资源、实物收藏等等。那么所谓“设计艺术”便与传统史论研究一样，都具备成组、成套，且整严、规范，能构筑起这个学科之存续的，灵动而根本的“经典”支撑结构与系统。（《设计艺术“经典”与目录学》，《美术报》，2010年11月27日，总第888期，“连声快语”专栏，第46版·设计）所以，由前所见，不少研究方法势必是共用、共通的。不过，就我而言，更强调“计量”的切进。因为这个概念的提出，的确曾令史学研究从对于宏观的、对于帝王将相的描述转入对于“社会过程”的微观分析之中。那么，我认为，经过仔细“演算”出的结论和动态模型，可以从很多角度充分揭示旧时的工艺制造，甚至是艺术构思的根本问题。那么，传统文献的计量史学研究，一如国外学者所强调的那样，我们必须首先重视对原始资料系统的分析与分类，而用我们国家的传统概念表述，正是古代重要学贤们所强调的目录学和版本学，以及对于名物进行考辨的“小学”。（《致X君：关于传统工艺文献的计量史学视野》，《美术报》，2010年12月25日，总第892期，“连声快语”专栏，第69版·设计）同时，我还希望强调一种“在地化”的思维和操持。“在地化”就是希望让古代到现代的那些延传，能够真切地从本土性、当下性等诸多方面，与当今的个体人发生关联，并将之承续到一种具体的，更加真实可感的新的“物”的表现之上。由此，既令我们自己明白地认识到“存在的美好”并非轻松获得或天生赋予，同时也给予新的启蒙，为一种善的生命和生活更积极地争取、变革与创造。（《“在地化”的纹样生活》，《美术报》， 2011年3月12日，总第903期，“连声快语”专栏，第40版·设计）Q5.在艺术行业中，您是比较少见的研究“礼经”的学者，许多同学在听您的课之前并不知道何谓“经学”“礼图”，您为何在艺术史、设计史学科内介绍关于“礼”的问题？“礼经”是早在先秦时期由孔子等人提出、整理并由后代逐步完善、建构起的，关于如何规范人的社会生活的一些专门条文与著作的“经典”文献集成。（《〈考工记〉：以伦理和科技为中心的物质与“非物质”论辩》，《北方工业大学学报》，第29卷第3期，2017年第6月）而“礼图”又是当时，亦有可能是后世对于“礼经”涉及的具体器物及仪式活动进行图绘兼以文字解说的专书，作用是将经典的文字通过图示的方法表现出来。（《“工”的动力学，一组名词——以“礼”之造物逻辑为线索兼议历代“卤簿”》，《第34届世界艺术史大会文集》，商务印书馆，2019年版）事实上，我们都很清楚，就中国古代社会发展盛期的宏观运行模式论，对于“礼”本身有着极端的推崇，更是以一类从伦理关系的角度考察、处置生活的微观的经典做法，影响到了中国古代历史中的几乎任何一个层面。于是，在艺术史论学科中引入礼经、礼图的研究是一种本应有的学术自觉和必然，不是什么新鲜的发明，更不是追摹所谓洋人的发现。但，我更强调真正有针对性地读懂、读通“礼经”那套复杂的原典，强调“经师”式的教育，而非一开始就学着运用什么特出的西方理论，胡乱概括并申发礼经的内容，更不是看着有图像，有音乐，有舞蹈，艺术类的研究者、实践者就觉得非要耍上两刀。礼、经、图、艺之间的关联是建立在更深刻的社会历史演进之上的，大家既不该望而生畏、妄自菲薄，也不能拿大逞能、夸夸其谈，所以我执着地绍介、研究礼经，无非不过是承续、恢复一段早就存在，真正属于古代中国的坚实学脉。Q6.您多次提及艺术以及历史文献等的“数据库”式的研究手段，究其根本，这将起到什么作用？“数据库”方法是对文献整理的拓展，也是一种跨学科的思路。在比照传统纸质文献阅读习惯和信息归纳路径的前提下，将能更具互动性、可视化、便利化地进行整体与局部共在的，清晰且立体的文本展示与交叉处理。具体来说，就是依据历史学科研究特点地，于电子化平台中，以品名描述和重量数据等为关键切口，提供模糊、分类、概览，以及宏观、微观穿插进行的，多层规律切片和量化检取形态。其间涉及十分繁难的标本化工作，同时也构成了传统文献数据化，特别是“计量史学”开展的前提，并由此对眼下已向愈加微观且侧重于往定量价值层面推进的历史文献文本的深度研究工作，提供了必要和可靠的工具。在这里面，我还十分强调既要摈弃过度以抽象玄想介入历史研究、艺术制作实务，也要极力反对在明明尚未全面占有材料的情状下，食古不化又抱残守缺式地排斥新视角、新手段的善意宣导，进而企图彻底放逐史学本身所具有的，迥异于单纯艺术、文学话语之外的重要的方法论价值。于是，继之对于艺术、历史文献的整理、辩证，更需要依据史料各自属性、特点，以充分掌握并尽力吃透某单一原始文本为原则，不求横向多点、枝叶拓殖，要在持续往纵深、根系推进，而最终的方向便是提供并建立一套规范且多元“史料网”系统。（《标本化·史料网·数据库：工艺及书画著录经典文献的科学化整理——兼记〈《天水冰山录·钤山堂书画记》〉标校》，《南京艺术学院学报·美术与设计》，2018年第4期）Q7.人类学是目前研究界炙手可热的学科，您在课堂中也曾明确传授过人类学的方法，那么如何看待人类学与艺术和艺术史、设计史之间的关系？艺术史、工艺史、设计史等的本源，实际即出自人类学。人类学又有“古典博物学”的背景，同时人类学还与考古学有学科、方法上的共通。艺术史、工艺史、设计史的研究，主要是在图形元素等可被拆解的构成单元变化上做文章；而历史学，包括思想史，则有更强烈的抽象时空语境，只是就图形、图像论，超越了那个语境，也就失去了讨论的前提。而在我的认知中，我们的研究实际上都在探讨那些人类最主动的创造能力，这种能力促使人得以在这个世界上继续生存，不致灭亡。但，人同样是自然之一物，他的相对统治地位的实现，或者说得更现实些，就是如何在宇宙环境中维持种群的绝对延续，这需要相当的智力与本领。于是，不难理解人为了肉体和精神的传递而做出的那些采食、捕猎的行为，实际这就是一切艺术、工艺、设计等的必然源头。反过来说，没有艺术、工艺、设计的观念，也即我们说的抽象的“工”，或广义上的“设计”，人的一切活动必要被宇宙所吞噬。为了不遭吞噬，所以需要谋划，谋划一种如何能够与自然、与天地，与神灵、幽冥沟通的办法与途径，而解释这种操持的手段就得算是人类学了。（《旗纛之“巫”：礼制与纹样模式下的社会治理》，《苏州大学学报·哲学社会科学版》，第33卷第5期，2012年9月)我们的研究以此为切入线索，拓展向在现代隐性延续着的诸般情形的揭示和诠解，并可以纵览其深层的政治意涵和精神诉求。（《灵旌：性命的威仪——清末以来士庶旗纛搬演及其物质、“非物质”形态考察之一》，《通化师范学院学报·人文社会科学》，2017年第2期，2017年3月）与此同时，人类学的表述肯定要比纯理论的分析更有绘声绘色地铺陈的优势。（《灵旌：性命的威仪——清末以来士庶旗纛搬演及其物质、“非物质”形态考察之一》，《通化师范学院学报》，2017年第2期，2017年3月）那么，在借鉴了现代社会科学相关领域的研究成果之后，回归到前述礼学、经学，以及对于人类学的再认知与再研究，我们便可更明确地将礼与艺通过一种偏于哲学化的语境而联系了起来。借此，首先解决了艺术在历史上的属性问题，肯定了其作为人群精神化造物的特殊价值。同时，也得以讨论造物成型后所面临的新的社会使命，并议及它们将通过怎样的渠道，最终与人群重又发生关联，起到影响。（《旗纛之“巫”：礼制与纹样模式下的社会治理》，《苏州大学学报·哲学社会科学版》，第33卷第5期，2012年9月）Q8.那么，对于绘画或设计的实践学习者，如何转变到艺术史与设计史的理论学习？从实践到理论的转变，不外乎是从讨论画面效果、结构框架，转入思辨的宏观维度，追根溯源，回到分析人类的那些关乎善、恶的总体精神上。这也才是高等教育所要追逐的关键“技能”。（《“咏而归”》，《美术报》，2012年9月1日，总第980期，“连声快语”专栏，第13版·设计）而“艺术”与其他学科一样，具备成组、成套，齐整、规范，足以构建起其之持久存续的，灵动且根本的“经典”支撑结构。毋庸置疑，它们的代代相续、生生不息，仰赖于各类实物、文献，或相对集中、或极端零散的保存与载记。它们不是玄想式的艺理、画论、乐评、舞史，而是一种明确的以实践操持为根基，综合的、物质与“非物质”协调共生的创造体系。（《故纸四说：关于古典专门文献理董》，《福州大学厦门工艺美术学院学报》，2014年第1期）因此，对于任何专业方向，精谨地深造的前提，不过就是对于学术脉络的根本掌握，当然这也就是深度研究的必经起点。（《“公共良知”：一部书册的研辩文化价值的梳理——写在〈工部厂库须知〉版行四百年、再显七十五年之际》，《通化师范学院学报·人文社会科学》，2016年第1期，2016年1月）至于在我们这个方向上的学术研究，其目标就是要充分地描述自身独特的、能够在思想层面展开的新脉络和新过程，倒也真的不再仅仅是简单的纹样摹绘与器型勾勒。（《“工”的动力学，一组名词——以“礼”之造物逻辑为线索兼议历代“卤簿”》，《第34届世界艺术史大会文集》，商务印书馆，2019年）那么，就理论思辨而言，最终的指向可能更多还得是所谓文学化、历史化、哲学化的。换句话讲，从研究的评估角度说，理论的文学化、历史化、哲学化是其必然的高度。（《“字体设计”的基本态度》，《美术报》，2012年5月26日，总第966期，“连声快语”专栏，第20版·设计）同时，也就是说，“艺术学”的精深研究还密切依赖“人文社会科学”这个最根本的学科类目展开。（《国际艺术学科科研创作评价体系研究综述》，《求知导刊》，2014年第6期）这其实是在要求我们的研究者，在良性氛围中能够穷尽个人能力，并在一定的健康合作的研究团体里，通过累积性的努力，将各种“学科”的知识点吃透，将其间的壁垒打通。（《必要的“消毒”：历史与当代》，《美术报》，2011年10月1日，总第932期，“连声快语”专栏，第33版·设计）#04往年研究方向课程安排#05课堂场景导师授课学生在中国国家博物馆实习学生课堂报告学生博物馆参观学习

#国美考研#“三跨”考生：心里亮着一盏只为热爱和向往的灯By Z学姐 —— 中国美术学院中国画与书法艺术学院说起与美院结缘，要追溯到本科时导师的一句话；但要说起与优塔结缘，要追溯到两年多前，那时我徘徊在美院门口，茫然四顾，不知所措，无从下手。我沿路拦了很多看起来像美院的学生询问考研的相关事宜，却几乎一无所获。徒有满腔决心，却无良师引导，对于我这么一个“三跨”考研的外校生来说，成功实在是遥遥无期。我焦急而无奈地翻看手机，渴望能得到一星半点的美院信息。无意中打开了中国美术学院考研论坛，正巧赶上了一个询问与考研有关事宜的新帖子。发帖人应该是一名老师，对每个学生的问题都尽可能详细专业解答，耐心回复，其中不乏我想问的很多问题。我滑动的手慢了下来，慢慢翻到帖子的最后，看到这位老师留了微信。我立马复制下来加了微信，想着能不能得到有用的指导，若是可以报班学习，得到专业训练，那就更再好不过了。只是我当时没想到，这个号让我的考研之路有了关键的转折，也让我认识到了全新的考研世界。在优塔学习的大半个月里，我认识了一群一起考国画系研究生的朋友，一群负责专业的老师团队，大家胸怀热忱，满腔赤诚，奋斗在自己的岗位上。良好的学习氛围不仅可以鼓舞士气，更能提高学习效率，这半个月给我的专业课打下基础的同时，也让我看到了其他二战三战的学生，有多么不容易，多么有决心。在优塔，教我的老师告诉我国画用线的重要性，并且不厌其烦地让我临摹，勾线，再临摹。让我从一开始毛笔都拿不稳的状态到可以完整流畅地勾完整张画，离不开老师的耐心和教导。优塔学习快要结束时，老师给我一个规划表，告诉我接下来半年该怎么做，首先临摹不能丢，每天一定要练手，每天画多少画，画什么，怎么画等等。于是我按照老师的说法，按时按量地练习，也正是这样的练习，为我见导师做好了相对充分的准备。我拿上在优塔的画作，和自己平时相对好一些的练习，鼓起勇气去见了我想考的导师。出乎我意料，导师对我的印象似乎不差，他不仅每一张画耐心给我讲解，末尾还给我留了他一个很出色的学生的电话，让我继续跟着学。出了校门，我突然感到了莫大的鼓舞，幸得在优塔学习基础的那半个月集训，才让我有了一些勉强能拿得出手的作品，让我的导师觉得我是一个可以塑造的学生。此时，对优塔的感激油然而生。两年的考研路让我明白了，万事都要稳扎稳打，一步一个坑，怀揣热忱前行才能看到成功的希望。在艺术考研里，尤其是绘画类，导师的认可和赞许是相当重要的。首先你要有让导师觉得你不错的理由和作品，再看导师是否想收你这样的学生。简而言之，你的素质水平决定了你离美院的距离，导师的态度则决定你是否能跨进校门。所以，面见导师，请教导师至关重要，务必谨言慎行，谦虚学习。导师大多是包容和亲和的，我记得我的导师说过一句话：“努力的学生，老师会喜欢；有才气的学生，老师也喜欢；努力又有才气的学生，老师最喜欢。”不可目中无人，亦不可妄自菲薄，用自己的行动和进步来证明你的决心，不论跨校与否，不论跨专业与否，哪怕跨行业，只要你有决心，有毅力，热爱这件事并且保持进步的状态，导师一定会看得到的。我的本科是汉语言文学专业，在面对跨专业考研的问题上也会更加谨慎。也许会有很多人觉得，画画应当从小学习，尤其是像国画这样专业性很强的专业更是如此。而我的看法并不全是如此，尽管跨专业，但我认为中国现代艺术家阿喀琉斯之踵正是在于文化基础，文化基础对于艺术是容易脆弱却相当重要的。我的高中是理科出身，并且我的物理成绩相当出色，在老师都看好我未来大学以及以后的理工前景时，大学里我自己转了文学专业，并且与此同时拿起画笔重温儿时对国画的热爱。我的父母非常不能理解，甚至认为我在自掘坟墓，但只有我自己明白，我的心里亮着一盏灯——一盏不为应试教育，不为他人看法，只为自己热爱和向往前方的一盏灯。我坚持写小说，画画，认真学习文化课，朝着自己心之所向步步走近。毕业后我更是毅然决然朝着美院的方向考研冲刺，一朝破釜沉舟，两年背水一战。我知道自己不是一时兴起，我知道是时候该让自己的人生走向自己热爱的方向了，我更知道，做了这么多预谋与准备，一定可以赢。不忘初心是成功的底线，我记得，在我很小很小的时候，我有一个梦想，那就是长大后自己写小说写剧本，自己配人物画。在考研这两年对专业课的学习中，我不厌其烦地临摹，练习，写生。在人物画里，头部和身体的协调以及完善程度是一个前进对比相互扯后腿的过程。常常我把头画得好一点，衣服就不行，或者相反，又或者看起来都画好了，但是合在一起画面看起来不舒服。于是我每一张画都会发给人物画专业学姐学长看，有一处错就改一处，反复看反复练。在专业课二上，我中途磕磕绊绊了很久，我画的是写意，总是走形，总是不准，要么画面太僵硬，要么被我画花掉，各种各样的问题一直持续到了考前一个月。然而指导我的老师和学长一直没有放弃我，一笔一划地教我更正错误，监督我的进度，我每天也保持临摹，写生，再临摹。如此一周后，我的写意终于有了一点肉眼可见的进步，画面也松动了下来。而那时，距离考试只有一周的时间。初试的两门课分别是写生素描和写生水墨（白描），第一门课四个小时男模特，第二门课六个小时女模特。考场上我铭记老师对我各种叮嘱，每个环节都注意留心，争取不犯旧错，不走弯路，画完时甚至感觉自己比平时还要进步了一点，心里坦然的同时，也暗自庆幸。由此可见，不坚持到最后，你永远不知道自己什么时候可以取得进步，可以达到想要的程度，不坚持到最后，永远都不会觉得之前的付出会和“值得”挂钩。若说考研是一条自己走出来的路，那么优塔就让我穿了一双耐克。你不知道这条路会有多长，要走多久，但只要你走好每一步，那么成功就很可能会在下一个转弯处；只要你走好每一步，当你回头时就会看见你走过的路有多精彩，研路有多少花正盛开。

近年来关于国内美术院校的新闻与有关报道可以说是少之又少，这也使得如果不是专业美术生的话很多人都没有听说过，但是它们的综合实力水平一点也不亚于国内知名学府。下面小编就来简单的介绍一下中国九大美术学院（以下所列不是按排名进行排列）中央美术学院(Central Academy of Fine Art)是中华人民共和国教育部直属的唯一一所高等美术学校。中央美术学院是前身是国立北平艺术专科学校，可以追溯至1918年教育家蔡元培先生倡导成立的国立北京美术学校;1949年11月，国立北平艺术专科学校和华北大学三部美术系合并，华北大学三部美术系的前身是成立于1938年的延安鲁迅艺术学院美术系。经中央人民政府批准，成立国立美术学院，毛泽东主席题写院名。1950年1月，经中央人民政府政务院批准，正式定名为中央美术学院。优势专业：油画(国内第一)、中国画、版画、美术学、动画、平面、雕塑、建筑学(国内唯一一所通过建筑学评估的美术院校，可授予工学学位)中国美术学院（China Academy of Art）是中国第一所综合性的国立高等艺术学府，由中华人民共和国文化部和浙江省人民政府共建，也是最早实施设计学的高等学府，是中国最早的艺术革命团体发祥地，中国唯一一个美术学国家重点学科所在地，是联合国科教文组织唯一承认学历的中国美术类大学。 中国美术学院建于1928年，时称“国立艺术院”；1929年，更名为“国立杭州艺术专科学校”；1938年，改名为“国立艺术专科学校”；1950年，成为“中央美术学院华东分院”；1958年，改名为“浙江美术学院”；1993年，更名为“中国美术学院”。优势专业：美术学为国家重点学科，同时还有公共空间艺术、戏剧与影视学、建筑学3个浙江省重点学科。动画、绘画、艺术设计、美术学、雕塑、建筑学这6个国家级特色专业。广州美术学院是华南地区唯一一所高等美术学府。1953年由广东华南文艺学院、湖北中南文艺学院和广西艺术专科学校等三校合并而成立的中南美术专科学校是其前身。1958年学校南迁广州，更名为广州美术学院并开始招收本科生。据2014年4月学院官网显示，学院曾为国家文化部部属高校，现为广东省省属高校。截至2015年12月，广州美术学院有昌岗和大学城两个校区，总占地面积564亩，总建筑面积36.25万平方米；有专任教师400余人，其中在职教授62人，副教授142人；下设8个二级学院和1个思想政治理论课教学部，开办29个普通本科专业，有各类在校生8575人优势专业：学校的“美术学”、“设计学”为省级攀峰重点学科（一级学科），美术理论与批评为省级特色重点学科（二级学科）。“绘画”、“工业设计”、“雕塑”是教育部确定的国家级特色专业，“工业设计”是教育部确定的地方高校第一批本科专业综合改革试点项目。清华大学美术学院(英文名: Academy of Arts & Design , Tsinghua University)，简称"清华美院"、"清美"，是清华大学二级学院。前身是中央工艺美术学院， 创建于1956年，1999年11月20日，中央工艺美术学院正式并入清华大学，更名为清华大学美术学院。根据2017年1月学院信息显示，学院有11个教学单位，设有25个本科专业方向，博士后科研流动站1个，一级学科博士学位授予权3个，国家级重点学科1个，北京市重点学科4个;有教师198人，本科生1108人(其中留学生113人)，研究生849人(其中博士生170人，留学生25人)。优势专业：2012年在第三轮全国一级学科整体水平评估中，“设计学”名列第一，“艺术学理论”并列第三，“美术学”名列第四。另外还有工业、平面、服装、动画、油画、中国画、雕塑等专业也很不错。天津美术学院(Tianjin Academy of Fine Arts)简称"天美"，位于天津市中心，是中国最早的公立高等学府之一，前身是1906年由中国近代教育家傅增湘先生创办的北洋女师范学堂。几经易名，1980年正式更名为天津美术学院。2008年，学院获批国家级人才培养模式创新实验区，是中国最具影响的八所美术院校之一，是中国北方重要的美术教育和美术研究中心。学院于1984年开始招收硕士研究生。截止2009年底，学院有美术学和设计艺术学2个硕士点，2个市级重点学科(美术学和艺术设计学)，1个国家级实验教学示范中心，1个市级优秀实验中心。学院占地94亩，校舍建筑面积8.79万平方米，硕士研究生、本科生、留学生等各类在校生3600余人。优势专业：美术学、绘画、艺术设计、工业设计、雕塑等五个二级学科。四川美术学院（Sichuan Fine Arts Institute）坐落于中国美丽的山水都市—中央直辖市重庆，是中国独立建制的31所普通高等艺术院校之一，是中国八大美院之一。1940年，李有行、沈福文教授等老一辈艺术家在成都创办了四川省立艺术专科学校。据2015年3月学校官网显示，学校校园分为黄桷坪校区和虎溪校区，黄桷坪老校区位于重庆市九龙坡区黄桷坪正街108号，占地200亩，是市政府授牌的“园林式校园”。虎溪校区占地 1000亩，地处重庆沙坪坝大学城，毗邻重庆大学、重庆师范大学等。学校教学行政用房18万平方米，生均达到27.7平方米；教学科研仪器设备值1.26亿元。优势专业：学校研究生教育有学科门类1个（艺术学），一级学科4个（艺术学理论、美术学、设计学、戏剧与影视学），重庆十二五市级重点学科2个（美术学、设计学）鲁迅美术学院，为中国辽宁省的一所艺术类高校。是中国八大美院之一，学院现有沈阳和大连两大校区。鲁迅艺术学院始建于延安。2010年，学院被教育部确定为红色经典艺术教育示范基地。2013年，被批为”中国一流大学“。学院参与创作设计施工的重大工程中有35项被中宣部列为全国爱国主义教育基地。鲁美总占地面积464181平方米，设有11个系，分别为中国画系、版画系、油画系、雕塑系、摄影系、视觉传达艺术设计系、环境艺术设计系、染织服装艺术设计系、工业设计系、美术史论系、文化传播与管理系。优势专业：学院各专业均具有学士学位授予权。美术学、艺术设计学为辽宁省重点学科，艺术学为辽宁省哲学社会科学重点建设学科。西安美术学院（Xi'an Academy of Fine Arts）简称“西美”，位于世界历史名城古都西安，是中国西北唯一一所高等专业美术学府，陕西省重点建设的10所有特色、高水平大学之一，是拥有美术学、设计艺术学、艺术评论三个一级学科博士点的国内重点美术院校。西安美术学院建校于1948年，前身是西北军政大学艺术学校，1949年7月更名为西北艺术学院。 1953年更名西北美专。1960年定名为西安美术学院。 1967年与西安音乐学院合并为陕西省艺术学院。 1980年4月恢复西安美术学院建制。截至2014年，学校有8个硕士学位授权点，3个一级学科博士学位授权点，绘画学科是陕西省高等教育重点学科和名牌专业，有各类在校生7500多人，教职工768人，其中享受政府特殊津贴16人，获“突出贡献专家”称号7人，“三五”人才4人。优势专业：拥有美术学、设计艺术学、艺术评论三个一级学科博士点，5个国家级特色专业（绘画、艺术设计、雕塑、美术学、动画）。湖北美术学院(英文:Hubei Institute of Fine Arts (HIFA))是中国华中地区唯一一所多学科门类与多学历层次的高等美术学府，学校前身是创办于1920年的武昌美术学校，后定名为"私立武昌艺术专科学校"(简称武昌艺专)，"武昌艺专"是中国现代第一所私立艺术教育学堂，作为我国开办最早的艺术专科院校之一和中国近、现代高等美术教育的发源地之一，迄今已有90余年的办学历史。据2014年5月学院官网显示，湖北美术学院拥有昙华林和藏龙岛两个校区，占地面积共计730余亩。有在职教职工500余人，各学历层次在校生7000余人。湖北美术学院12个院系，3个一级学科1个二级学科，以及10个本科专业，25个专业方向，且均具有学士学位、硕士学位授予权。湖北美术学院作为全国首批32所艺术硕士专业学位(MFA)教育试点单位之一，享受国家政府特殊津贴人员10人，湖北省政府特殊津贴9人。优势专业：学校现有美术学、设计学、艺术学理论3个一级学科硕士学位授权点，绘画、动画、雕塑、艺术设计、工业设计、美术学、艺术设计学、艺术教育、摄影、书法学9个二级学科硕士学位授权点。