国外摄影研究生

“国外艺术院校那么多，我该如何选择？”“国外什么专业比较好？”……这些是很多留学生常面对的问题，该如何解决呢？其实，找准专业方向比什么都重要！所以，本期小美带来的是摄影专业——艺术院校专业解读希望各位小伙伴可以结合目前本科学习的专业/未来研究生毕业之后的就业方向来确定自己的专业选择，提前规划自己的留学路径哦~纽约视觉艺术学院纽约视觉艺术学院是一所私立艺术类院校。校区位于纽约市区曼哈顿，地处全美国最中心的文化艺术中心地区，除了插画，动画，平面专业外，摄影专业也是该校的王牌专业之一。课程描述本科生必须完成120学分的课程，才能从SVA毕业，并拿到学位，其中72学分的工作室艺术课程/30学分的人文与科学课程/13学分的艺术史课程/ 5学分的本科选修课程；课程如下：大一：《History of Photography I》、《Photography Workshop I》专业课程学习较早，绘画和设计的基础课程并不多，并且对人文写作很重视。大二：《Studio Photography I》、《Studio Photography II》批判类课程较多，也是SVA的王牌课程。大三：《Photography Seminar I》、《Photography Seminar II》当代摄影的关注与数码摄影的深入教学。大四：《Photography Thesis I》、《Photography Thesis II》创作一套独立作品，并完成毕业论文，以此来展示自己的审美眼光、理论积累和技术熟练程度。罗德岛设计学院摄影系的名气全美前三，注重纯艺与商业的结合。该校要求学生不仅要会拍摄照片，更需要学习如何去展示，解释自己的作品。因此，除去对摄影概念和本质的学习，还需要广泛了解历史，文化，社会的知识。课程描述大一：《Drawing 1》、《 Design 1》、《Spatial Dynamics 1》一年级课程基本都是艺术与设计类的通识性基础课程。大二：《Seminar: Issues & Images 1》、《Sophomore Studio》学习摄影史——从19世纪摄影技术诞生至当代摄影现状，并学习其他基础知识，主要包括胶卷摄影、相机格式、暗室技术、曝光与加工控制、基础打光知识、图片与胶卷扫描等。大三：《Digital Photography》、《Junior Studio》将进一步学习高级摄影技巧，包括数字打印、打光、网络项目、视频与其他摄影方式等，并开始进行自己主导的项目，加强自身口头精确表达的能力。同时还会参加各类校内艺廊展览，以此积累专业实践经验，学习作品集展示技巧。大四：《Photo Electives》、《Senior Studio》、《Liberal Arts courses》创作一套独立作品，并完成毕业论文，以此来展示自己的审美眼光、理论积累和技术熟练程度。RISD独立命题自16年起，RISD每年的命题都在变。16年（deconstruct、light、contain）解构、光、包含17年（plastic、collect、threshold）可塑体、收藏、起始点18年（error、verify、forge）过失、真实、铁匠铺要求三种提示取一种，做出2个回答，对于展现的手法和媒介无太多限制。如何理解今年的这三个题目？Error：失误；误信；过失；违法（行为）；误差其实今年的题目比较有意思，因为三者之间是有联系的。例如：因为他伪造了事件的真实性，造成了一场重大过失。Error这个词给最直观的感受是从“人”出发，由主观或客观的行为导致了事件的结果。而且大多数是无法接受的结果。那我们是否可以倒过来去思考这个问题，如果我们在事件开始前“思考”“心态”“判断”一些问题，是否可以“提高”“避免”“改变”整个结局呢？这个一定是必然的，所以6个词语已经产生了，而且不仅仅只有这些，那么从发散的思维中去考虑这些，就会有新颖的突破点。Verify：核实；真实；证明；核对如果说上一个题目从“人”出发，那这个词很显而易见是结合了人与人，人与物的表达，其实从16年到至今的题目我们会发现一个规律，必然有一个题目是从research的角度来展现思维的，往往很多学生会进入一个误区，想表达出结果。但事实RISD的官网也写了过程大于结果，探索的深度大于最终的表达。学校希望通过这几个题目，看到学生平时的关注点和探索点，而不是一个所谓的“结果”，那么针对这个题目，关注点就是在research上，至于如何去做research，小美认为这是基本操作。Forge：n. 锻铁炉；铁工厂；铁匠铺vi.伪造；编造；前进；制订这个主题小美推荐从名词的角度考虑，因为RISD对于3D的表达本来就很独特，何况从这个词就会联想到17年的plastic，从文字的头脑风暴开始，最直观感受是“金属”“利用”“回收”“能源”“破坏”这一系列的词语就可以随之展开，然后对于这些词语的图片进行research，从而反射出某个“现象”，了解出发点是什么，再来选择自己的突出点。总结：命题的改变意味着RISD也在不断尝试新的考评方式，新的命题在原有的基础上看重了学生的抽象思维能力与艺术表现手法。更多的时候是鼓励学生敢于尝试，并不是一个单纯的成果，这样就没有一个标准值，毕竟艺术家的审美是独特的。芝加哥艺术学院SAIC是全美摄影教学最具有造型艺术思维与特质的院校之一。院校主张培养学生宏阔艺术视野的教学思维，更强调不同院系、专业与课程之间的交叉性，旨在让学生在基础阶段更广泛地汲取知识，从而为将来的创作奠定更宽阔的知识体系与人文教养体系。因此，在专业的课程设置上面，SAIC是相当特别的。其本科阶段的摄影统一放置在视觉传达专业下面，硕士阶段才作为独立的科系进行教学，并且是按照专业工作室和人文大课进行的分类。课程描述Studio工作室课程体系《 Core Studio Practice 1(3)》、《 Core Studio Practice 2(3)》Liberal Arts综合人文课程体系《lENGLISH First Year Seminar 1 (3)》、《l ENGLISH First Year Seminar 2 (3)》、《l Humanities (6)》Art History艺术史课程体系《ARTHI World Cultures/Civilizations: Pre-History to 19th Century Art and Architecture(3)》、《Art History Elective at 1000 level (3)》、《Art History Electives (12)》该校非常重视学生的自我意识，鼓励学生在摄影技术和摄影理论上进行探索，提倡从传统的摄影像不寻常的多样化的手段发展。同时提供大量的摄影实践的机会，有专门的摄影中心，鼓励学生走出校园，从社会环境中创作出作品，值得一提的是每个学生都有自己独立的studio。帕森斯设计学院帕森斯设计学院摄影专业学生有很多机会去工作室工作，搭档都是一些专业模特、化妆艺术家、服装设计家等。其他专业的学生有时候也需要专业的商业摄影师帮忙，所以摄影专业的学生也经常会和其他专业的学生合作。老师们都是一些很有成就的艺术家，都很平和随意，和学生没有什么代沟。该校学生实习机会也很多，经常和世界顶级摄影人、杂志以及机构合作。课程描述学生在顺利完成120学分的学习之后，能够得到学校摄影专业的BFA学位。学校最多可接受60个转校学分。只有在毕业之前得到2.0以上的GPA，并按时完成所有毕业要求，才能顺利从学校毕业。大一：《Integrative Studio 1》、《Integrative Seminar 1》;大二：《Core Studio 1: Photo Practices》、《Core Lab 1: Photo Practices》;大三：《Core Studio 3: Photo Contexts》、《Core Lab 3: Photo Contexts》;大四：《Thesis 1》、《Professional Practices 1》、《Thesis 2》;“请从作品集中选择一个作品作为主体，以此为灵感创造新的视觉作品。建议你可以写一个500字的短文来描述你的思维创作是如何发展的。任何形式的媒介都允许使用，画作、视频、摄影图片、雕塑、3D作品、拼图、数字图像都可以。帕森斯自主命题随着作品集完成，也可以额外提交最多2个(视觉)作品来辅助说明你的创作过程。”Parsons的命题意图是想更了解学生的创作过程和理念，需要学生通过视觉传达、艺术媒介等手段表达自己创作的理念和创作灵感，同时要求学生用文字剖析自己的作品。同时Parsons命题也在检阅学生有没有足够的创造力，对自己作品的理解是否足够深刻和是否有更新鲜、更丰富的想象力，所以最好可以换一种形式去表达命题作品，比如你已经做出一件关于“海洋”的项目成衣，那你的命题作品就可以换一种艺术表达形式，比如：关于海洋的雕塑、画作等。

Nadav Kander是一个著名的肖像摄影师。他曾在全世界为一些著名的媒体拍摄了许多包括奥巴马和前英国首相布莱尔等在内的名人肖像。但在拍人像之前的几十年时间里，他的摄影作品却是风景。拍人像与拍风景，对一个职业摄影师来讲，则是完全不相同的两个种类。作为一个既能驾驭人像又能驾驭风景摄影的摄影师，有着自己不一样的理解：“每一次拍摄，我都在寻找能打动自己的画面。我希望读者能从画面里读出不一样的东西来”。 除了人像与风景摄影，Nadav Kander还是一个成功的商业摄影师和一名艺术摄影家。作为一个多面手摄影人，他有什么诀窍？最近，LensCulture采访了摄影师本人，现在，我们把它翻译出来，跟中国的摄影师同行们分享。Nadav Kander对这样来表述自己对摄影的理解：我在拍摄现场并不希望用发现这个词，我想拍摄的名人，是他们正在工作中正在解决某件事情所呈现的状态。当他还是个孩子时，在南非长大的Nadav Kander就已经表现出了对摄影的兴趣。在那个时候，摄影还是一门技术活，人们必须要想掌握它，还是学习很多技术。也许正因为这些科技因素的缘故，反而吸引了Nadav Kander。在最初学习摄影的25年时间里，他几乎全部冲洗并放大了他拍摄的每一张照片。21岁时，Nadav Kander到了伦敦来实现自己的梦想。之后，他曾师从于一名专业摄影师，并在24岁时开了自己的摄影工作室。30岁之前，Nadav Kander还是没能给自己找到一个清晰的定位。他时常质疑自己，希望有一天能用自己的影像来表达对世界的理解。他要用自己的影像来发声。拍摄诀窍是什么？总结出来一句话：不停地拍，大量地拍。工作日拍，周末也拍，一遍遍地拍。无他，惟熟尔。这是他后来能取得成功在全世界得奖的基础。今天的Kander已经非常出名，特别是他以拍摄人像而著名。除此之外，风景摄影、商业摄影和艺术摄影都是他的强项。在他30岁之前，他的照片里，几乎很少拍人。之后，他才开始拍摄肖像，他开始用肖像来表达人们的生存状态。尽管Kander为人谦和，但他的自学能力还是远近闻名。有点儿另类的是，他既没有接受过任何大学的教育，也从来没有参加过正规的美学教育。每当他挣点儿钱，他就泡在伦敦著名的查宁街一家旧书点里，花上三四个小时去学习。 他脑子里曾印满了这些著名的摄影人：Edward 他不停地看这些人的作品，不停地琢磨着。跟自己说实话。如果想成为一个好的作家，那就去看全世界最好的作家的书。如果想成为一个好的摄影师，那就去学习世界上最好的摄影师的作品。很快，Kander也意识到一个问题：我们每个人每天都在被影像包围，这些影像以各种方式呈现在我们眼前，正在用不一样的呈现，来劝说或影响我们。人们很难深入去看身边的每一个影像，更去消化和吸收它们。每当我看到这些形形色色的影像时，我感觉很不舒服。我有点儿象大一个很脏的海里游泳。我所能做的，就是走进画廊或美术馆，去看真正的艺术作品。我也时时在提醒自己，没有必要去看所有的东西。我试图让自己能活在一种真实的状态。正是因为有着这种理解，Kander的风景作品里呈现出许多这样的观念。大场景，柔和色彩和手工冲印。每当受众站在这些作品面前，无一不放慢速度。最后，他给摄影师了一些建议：作为摄影师，他也经常留点儿时间和空间给自己。他也经常问自己：我是不是足够聪明？我是不是也在受周边的影响？每天凌里四点，他都会去自己的工作室。只有这样，他才觉得自己是这个世界的中心。一天如果能有三个小时来支配自己，就足够了。 不要限制你的作品，不要把你归类为某个类型的摄影师，每一样拍摄风格，你都应该去尝试。你的拍摄，应该多元化。试图建立你自己的摄影语言。摄影正在变化，要学会面对新的挑战。本文图片，均为受访者摄。文章来源：https://www.lensculture.com/articles/nadav-kander-advice-for-portrait-photographers-learning-from-nadav-kander

“考过研的朋友们都知道，研究生考试的难度比高考要难，但备考的过程却比高考更累，因为考研是一个人孤独的战斗，高考是很多人陪你一起。”米拍摄影师易磊（米拍ID：雾桥）衡阳人，目前是衡阳师范学院学生，接触摄影有一年的时间了，平时最喜欢的就是喝喝茶，看看书，没事摆弄一下埙箫。“这组照片是意外之得，是在学校文综楼拍的，因为自己也要考证，加上当时3-4节在文综楼有课，所以想提前去文综楼找个安静的地方背书，于是就上了楼顶。”“上楼顶之后，看到考研的同学努力学习的样子，很触动我，于是就拿出手机去拍，结果拍着拍着，忘记了自己是过来学习的了。”因为怕打扰他们，所以更多的选择了悄悄拍背影。“考研后期为什么会有很多人放弃，就是因为耐不住寂寞和孤独。所以我更多的拍摄他们低头努力学习的背影和一个人在角落里默默奋斗的场景，后期也用黑白来凸显这种压抑、孤独、暗暗努力的气氛。”在每个孤独的身影里面都有一个坚强的灵魂。为了心中那个梦他们能孤独的一个人在天台，过道，图书馆一呆就是一天，日复一日。每一个考研学子都值得我们尊重与敬佩。感谢米拍摄影师@雾桥带来的精彩作品，感谢接受米拍采访并授权发布！未经允许，禁止转载！想了解更多摄影趣事、赏析更多优秀摄影作品，欢迎关注米拍~2019全国大学生摄影夏令营来啦！！！米拍大学生摄影夏令营是一个针对青年摄影爱好者的公益项目（全部免费），已经连续做了8届。大学生摄影夏令营是对青年摄影师的孵化项目，旨在培养出未来优秀的摄影师，为青年摄影爱好者创造更多可能！戳这里了解详情

如果你感到焦虑，不妨和我们一起来换个角度看一看你熟悉的事物。我亲爱的傲鳗的朋友们，我知道你最近过得很不好。上一代人十年一遇的事，你每天都在遭遇。事业转型，工作焦虑，物价攀升，环境恶劣。每一个市场都是红海，每一个人都是对手，每一个区域都起争端。光是来傲鳗路上的交通，恐怕都让你叹气。你的世界好忙，办公室、家里、父母儿女、朋友闺蜜……还有永远冒出小红点的朋友圈，哪里都得有你，哪里都不敢缺席。再这样活五年、十年，你焦虑吗？你怕吗？柳迪，艺术家，我们中的一员，一样的怕和焦虑了。他把庞大的动物，扔进我们的生活。这不是保护动物、热爱地球的宣言，而是一个提醒我们信号：如果换个角度去看我们熟悉的人和事，我们会好过一些吗？我没有答案。只有一个信息给你：1946年10月24日，人类通过飞行器在65英里高空拍摄了一张地球照片，这是人类历史上第一次看到地球的样子。徐宁YT CREATIVE MEDIA云图这是YT CREATIVE MEDIA创始人徐宁写在“柳迪：从地球——到月球 · YT MINI EXHIBITION #004”展览前言当中的话。2010年，25岁的艺术家柳迪因为《动物规则》（Animal Regulation）系列获得了当年的Lacoste Elysee大奖 。柳迪半开玩笑地将这次获奖称之为“运气好”——那时的他也没有想到，由一次课堂作业发展出的《动物规则》会给人们留下如此深刻的印象。虽然本科学习的是摄影，3D技术却在柳迪的创作中有着很重要的作用——那些看起来超乎寻常的巨型生物正诞生于此。将3D动物和数码相机拍摄的景观结合，便有了我们所看到的《动物规则》。柳迪，动物规则No.6单从视觉上看，作品很容易让观者生发出“艺术家要对城市与自然关系进行反思”的解读。这固然没错，但却并非柳迪的初衷:“我开始做作品的时候并没往‘环保’的方向想,只是因为在某个时期有一些焦虑需要释放。对每个人来说，释放焦虑的方式可能都不一样，而我需要通过一个作品来释放这种能量。”于是，他将一个个和我们熟悉的生物相似、但又并非真正存在的动物带到了日常场景之中。身体和头部比例失衡的“大动物”在引起人们好奇的同时也带来压迫感，压迫感又因静止的状态得到缓和。柳迪，动物规则No.2画面中的巨型动物总以侧脸或背影示人，不但没有流露出攻击性，反而让人感到一种莫名的忧伤。柳迪更愿意将这种难以言喻的情绪解释为“懈怠”。在创作系列的第一张“青蛙”时，就有朋友曾建议他在画面中呈现一只准备起跳的、或已经跳跃到半空的青蛙。心动之后，柳迪还是选择了静止——蓝色的巨蛙静静趴在居民区中，没有太多表情，甚至有些木然。柳迪说，现在回想起来，讲不定画面中的“懈怠”从某种程度上恰好反映了自己的心情。但就创作过程本身而言，他表现出的无疑和“惰怠”正相反——从为动物主角们建模到敷上最为合适的表皮材质，每个细节都出自柳迪之手，完成一幅作品平均需用3个月时间。柳迪，动物规则No.7从本科毕业再到研究生毕业，时至今日，柳迪坦言时间太快，自己甚至“不太敢回忆过往”—— 已经尽可能的把时间用来创作，但总觉得还应该做更多。“创作第一张‘动物规则’的时候，我自己都能感受到那种兴奋感和冲击力。但慢慢这种力量就变弱了。我一直在想如何突破，很焦虑但又不敢彻底停下来。”柳迪，动物规则No.42017年，柳迪的新作《自我的重量》和《顽固而持久的幻觉》完成。《自我的重量》来源于贡布罗维奇的一个荒诞想法：每个人自我的重量取决于地球上总人口的数量，因为人类的总重量是恒定不变的，所以当地球上的人口越来越多，我们就会变得越来越轻。“相比柏拉图那个时代的人类，我们变得无足轻重。”随着作品中镜头缓慢的上移，在穿越层层树林后，我们看到了一个人的背影。柳迪，自我的重量，2017《顽固而持久的幻觉》则拥有更为复杂的元素：模仿苏联时期太空主题的壁画；来自于漫威《超人》里的一段特效动画的男女形象；参考了美国乡村画家格兰特·伍德油画的田野背景；静静浸泡在标准泳池里的老人……柳迪将这些元素的出现总结为“不合理性的拼贴”，“这里面的元素来自于油画、电影、雕塑、科技产品、生活场景，我想它们的复杂对于我才是重要的。它们跨域了各种维度，在这个虚拟的空间里建立了新的联系。”柳迪，顽固而持久的幻觉 No. 1除了这两部作品，柳迪还在创作与之相关的第三部影像动画作品。他将三部作品的意向总结为树木、人和月球。三者之间的隐秘呼应，暗示着人类与周遭世界之间千丝万缕的联系与可能性。这也是这次即将呈现的展览的主题：全球视觉文化媒体YT CREATIVE MEDIA即将创意呈现：柳迪：从地球——到月球· YT MINI EXHIBITION #004关于柳迪柳迪（1985 年生于山西）。25 岁时，刚刚从北京中央美术学院（CAFA）新成立的摄影系完成硕士研究生学位课程的柳迪在世界各地的80 名摄影师中脱颖而出，成为2010 年第一位获得著名的“鳄鱼杯”爱丽舍摄影奖的摄影师。这一奖项是由世界久负盛名的专业摄影博物馆爱丽舍摄影博物馆（瑞士洛桑）参与设立的，是一个专门面向年轻有为的摄影师的奖项。此后，柳迪的摄影作品在国内外不断获得广泛的认可，并在纽约光圈基金会、瑞士爱丽舍摄影博物馆、加州橘子郡艺术博物馆等各大国际知名博物馆的展览中展出，也参加了北京中央美术学院美术馆的“十年曝光”摄影系十周年展和银川当代美术馆（MOCA）的开馆展。（文/马芝安）关于YT MINI EXHIBITONYT CREATIVE MEDIA相信：人人都可以是艺术家，大艺术家也可以偶尔放下严肃命题随心创作。我们只关注属于这个时代的美与创造，而非意图、媒介与身份。YT MINI EXHIBITON是一系列不设限的，小而精美的展示，具有实验性和先锋性，在线上与线下同时进行，让图像与背后的故事在网络与现实一同发酵。关于傲鳗傲鳗是北京极具人气的日本创作料理品牌，打造全新的日式美学空间，将艺术与创作料理完美融合，是京城倡导艺术生活方式的先行者，并长期关注和支持当代艺术，并以展览项目等多种形式助力青年艺术家的发展

枯藤老树昏鸦，小桥流水人家枯树下会不会有另一个世界？走在地球下面会是什么感觉？他19岁，把自己的梦想变成了照片19岁时的他不但不迷茫，反而让大家为之惊叹这个大神叫木拉提·阿克约尔（Murat Akyol）。是一位将梦想传达给绘画的艺术家。擅长通过PS视觉特效将梦想的世界一一展现在我们眼前！精湛的后期处理让他的作品看起来毫无违和感。就这样，以大自然和人类的关系为依托，运用PS特效将两张图片微妙合成，构造了一张张看似不合理却具有逻辑性的天马行空的诗意世界。鹿长的不是茸，而是两团火焰当天空窗纸被戳破，看到了宇宙独角兽有了翅膀它叫超现实主义摄影“它”颠覆常人的视角，在现实的基础上打造出超乎想象的玄妙与神奇。“它”是兴起于20世纪30年代的一种形式主义的摄影流派。把梦和现实这两种表面看起来十分矛盾的状态融合为一种绝对的现实，它叫超现实主义摄影。超现实主义摄影是人类的下意识活动，偶然的灵感，心理的变态和梦幻，常使用大量后期手法，在作品画面上将影像加以堆砌、拚凑、改组，任意的夸张、变形，创造一种现实和臆想、具体和抽象之间的超现实的“艺术境界”。超现实主义摄影既然不以记录现实为己任，那么其作品中的实物自然也不能是它们原本在客观世界中的原意，每一物体都是作为一种视觉图像符号而出现的，超现实主义摄影家用这些符号作词汇来造“影像句子”，而且这种“影像句子”很难能翻译成“语言句子”，这种句子中也往往会蕴含一种情绪、一缕诗情、一些感性和些许的政治意味，这些隐含的意味也正是超现实主义作品的艺术魅力所在。而Adobe Photoshop CC也是超现实主义在后期创作过程中的得力助手。因可以自如地改变形状、蒙版擦拭得到想要的效果。给自己的照片多点思考我看过很多受人吹捧的超现实主义摄影作品拍摄者基本来自外国，而国内的超现实主义摄影逊色不少。国内的审美普遍单一，比如人像，第一要求是人好看，然后才是色彩/构图/光线好看，但是摄影的可能性不只这些。除开主流的把人拍的清新/文雅/古典，符合大众审美要求的，甚至连小众风格的摄影也流于模仿形式。而国外更重要的是"思考"，用图片叙事表达内心想法，还有他们真的太会用PS了。我希望越来越多的人能够去拍摄一张有自己想法的照片，结合精湛的PS，引人入胜，让更多外国人也喜欢“中国摄影师”。天下无难事，只怕有心人！只要拥有善于发现灵感的眼睛，清晰的创作思路以及经得起考验的技术，任何形式的创作应该都不会难倒大家！那么如果前两项都有了，只欠一门纯熟的手艺怎么办？请来影享网取经吧！学会ps多重要啊...

黑白场，色彩 ，构图，趣味好的摄影作品无非两种一种是精巧的光线和华丽的色彩一种是观赏者可以领略和感知的趣味以下是国外顶级大神和大师的作品还有国内的高手的作品大家可以留言自己知道的摄影大师或牛人写下他们的名字我来搜集更多精致或有趣的摄影

本文经授权转载自守候微光（ID：zqbsyb）编辑：王舒婷2017年12月6日，从叙利亚首都大马士革前往阿勒颇的路上，一名妇人坐在石头上，望着远处被战火摧毁的村庄。李岳/摄“早上5点被爆炸声惊醒，因为酒店距离爆炸点大概只有1000米左右，听得甚是清楚。”2017年12月5日，李岳到达叙利亚首都大马士革的第二天，在当天的日记中写到。这位出生于1989年、在英国读研究生的女孩于2017年独自前往叙利亚，停留了11天，探访当地的家庭、学校、医疗中心，拍摄了几千张照片。2017年12月7日，叙利亚阿勒颇一学校，学生在唱当地的童谣。联合国世界粮食计划署（WFP）于2017年3月在阿勒颇开展学校餐食计划，鼓励更多的学生接受教育，同时改善小学生的营养摄入量。据WFP的工作人员介绍，目前这里有三所学校开展了学校餐食计划，每天大概需要提供超过1万份餐食。李岳/摄2017年12月7日，叙利亚阿勒颇一学校的学生。李岳/摄2017年12月6日，一名男子带着世界粮食署（WFP）和国际红十字会（ICRC）慈善机构分发的物品经过废墟前。李岳/摄2017年12月9日，叙利亚阿勒颇一难民营中的儿童。李岳/摄2017年12月9日，叙利亚阿勒颇一难民营，一个家庭合影。这所难民营已经有4年的时间，原本是某商人用来存储物品的仓库，后来改造成难民的居住所。目前还有六七百人居住在这里。大部难民都是来自叙利亚的北部，并且以儿童和妇女为主。难民营所有的开支是由叙利亚政府和联合国儿童基金会等部分慈善机构承担。李岳/摄2017年12月7日，阿勒颇街头。李岳/摄2017年12月6日，叙利亚阿勒颇一酒店内在举行圣诞庆祝活动。李岳/摄李岳在国内、英国先后就读纪实摄影专业，现于伦敦艺术学院学习文物修复。2016年底，她在西班牙参加了战地摄影师训练课程（Conflict Photography Workshop），2017年12月，她费尽周折拿到签证进入叙利亚，在当地向导的带领下前往大马士革、阿勒颇、霍姆斯三个饱受战火创伤的城市。她联系并跟随联合国世界粮食计划署前往当地学校、面包厂、食物发放站点，探访妇女和儿童的医疗中心、当地家庭、难民营等。战争留下来的满目疮痍让李岳对生命有了新的认识。她镜头中有不少儿童和年轻女性的面孔，她坦言相比建筑和景观，自己更关注人，尤其是儿童，而这样的视角和自己成长的经历相关。2017年12月5日，扛着煤气罐的少年。李岳/摄2017年12月5日，叙利亚大马士革街头的青少年。李岳/摄2017年12月5日，叙利亚大马士革，路人走过刷有叙利亚国旗图案的门前。李岳/摄2017年12月5日，叙利亚大马士革街头，一个抱着食物的男孩。李岳/摄2017年，叙利亚霍姆斯，Victoria（左二）和她的家人在被毁坏的家中，一个月前他们刚刚返回，准备重新修整。2011的叙利亚战争开始后，他们一家逃往别的城市，直到2017年霍姆斯解放后才返回。李岳/摄2017年12月4日，大马士革城区，一对情侣。李岳/摄2017年12月8日，叙利亚阿勒颇，政府军驻扎地中的墓地。李岳/摄2017年12月10日，叙利亚阿勒颇，制作炸弹的工厂内，残留的炸弹。 阿勒颇的废墟还没有来得及清理，四处都可以看到制造炸弹的工具和残留的炸弹。李岳/摄12月11日，叙利亚霍姆斯，废墟上捡到的一张文件。李岳/摄12月11日，叙利亚霍姆斯，一家被烧毁的医院的地上遗留下的X光片。（向左滑动查看李岳修复的X光片）李岳/摄12月8日，叙利亚阿勒颇，李岳手中的相机和俄制9A-91突击步枪。李岳/摄近日，其中的72张照片及视频在北京798映画廊展出。李岳还从叙利亚被炸毁的医院和学校带回X光片、胎儿B超影像、学生证明等物品，作为展览一部分与照片呼应，营造一种现场，为参观者带来更直观的感受。阿拉伯语世界有句谚语：人间若有天堂，大马士革定在其中；天堂若在空中，大马士革与之齐名。李岳将这一句话手写在一张白纸上，贴在展览其中一面墙上。4月15日，展览现场。王婷舒/摄4月15日，李岳在展览现场。王婷舒/摄《生而无为 往大马士革去》时间：2018年4月15日-4月22日场地：北京798映画廊近期好文荐读:重磅！2018年普利策新闻奖公布 | 附完整获奖名单BBC和NRK"联手”揭开神秘女尸案之谜近200家美国媒体播放相同内容，13位新闻系教授发了封联名信投稿、合作邮箱：

摄影师拍摄照片，并赋予了照片灵魂。喜欢人文纪实题材的摄影师，他们的眼光相当独到。他们不再仅限于接受美丑的审判，而更多的是从什么样的角度反映社会的本质，人类在社会生活中的千姿百态。人文纪实摄影的审美，是否“美”，已经不是那么重要。人文纪实摄影的精髓，在于“心里想要拍，马上就能拍”。准确捕捉人的神态的感觉，是诠释一张好的人文纪实照片的最佳方式。尝试特殊的用光，人像中有无数种用光的方式，侧光可以烘托气氛，双闪灯可以突出轮廓，当然还有各种创意光影方式，人文摄影中也一样，借助光线的氛围，照片所表达的思想就更浓郁。每个人对摄影的理解不一样，你拍摄的照片要拍出自己的感觉出来，照片越有画面感越有故事感，越能让自己心动。而人文纪实摄影，就是通往这样一个世界的开端。谁都想捕捉到情绪，但这个比较难等，通常拍到的都是些面无表情的面瘫人文模特。。。。所以寻找拍摄时机时一定要注意被拍摄者的肢体语言。好的人文摄影都包含着情绪，女主人的溺爱，孩童的欢笑，种种情绪都在画面中得到体现。。。我们姑且不把人文纪实摄影上升到怎样的高度，单从人这一生来讲，追求坎坷无比的道路，不是比平淡无趣的生活更显精彩吗？（以上作品来源于印尼摄影师Nico Fredia）

杨柳依依，拍出的是生机，炊烟袅袅，拍出的是生活，灵动舞姿，拍出的是生命，想成为摄影大师，你的手足够有力吗？你的眼睛足够锐利吗？当然这一切的前提是，你得先有一份拿得出手的作品集~一份出色的作品集，不仅仅在于作品本身的优秀，更在于，作品与要求是否契合，那你对作品集的了解够了吗？什么是作品集1.作品集指用于申请国外艺术院校时，针对性创作的作品集合，一般由4-5个Project组成，区别于一般素描、国内院校课堂作品、毕业设计，艺术留学作品集需要专业、有创意、国际化。2.对于艺术与设计专业的学生来说，作品集是艺术留学的核心，国外院校大都要求学生提交作品集，作品集的质量是学生艺术综合实力的展现，是国外院校决定是否录取的重要依据，优秀作品集还为学生赢得高额 奖学金。作品集的四大特点针对性了解学校研究方向，英美法各国，甚至学校作品集要求不同唯一性独立完成展示自己，团队项目可以作为补充专业性展示对专业的认识，灵感、设计思想、展现方式、成品质量综合性全方位表现自己，按照学校要求，数量适当4-5个项目国家摄影大解析因为思想文化存在差异，导致各个国家及院校对摄影专业申请要求也是不同的，说到这里，yoyo君要提醒那些打算出国留学的童鞋们，一定要明确自己想去的国家，申请的专业，针对性的去了解。这样才能节省时间和精力。1、语言分数是必不可少的，美国院校对语言分数也没有统一的标准。但，美国是对语言要求最严的。2、90%的学校要求学生提供作品集，方式多样，比如：纸质、幻灯片、CD/DVD的形式。摄影作品偏商业性。3、记得给每幅作品加一个注释：时间、背景、目的、思想。来解说自己创作的灵感tips：尽量让学校从作品集中看出你的创作才能和多种创作手法，最后一定要剖析本人的优缺陷，找出比拟合适本人的项目，同样是摄影，每个大学每个摄影专业都有本人的特性，在申请时尽量扬长补短而不是扬长避短。美国大学一般对于摄影专业作品集的要求是不少于20张，大部分学校都要求申请者提供CD或者是DVD的格式文件。申请者最好把自己的作品进行分类呈现，并做一些简单的注释文字。英国作为绘画主义、写实摄影、超现实主义摄影的发源地。选择英国学习摄影也成为众多学子的不二理由。1、语言分数要求：满足申请学院语言要求2、作品集偏概念性，通过Slideroom或CD-R提交。风格上要统一。3、作品集能够表达你的兴趣、能力等。每张作品需写上自己的名字。tips：英国的注重点在于图像和后期的处理，创意和摄影作品本身是一方面，后期的图像处理和电子艺界方面的掌握也占了很大一部分。掌握图像处理软件也是重中之重。英国的作品集不同于美国，本科作品集一般再35—50之间，而研究生的作品集大都是50+，当然数量不是主要的，质量才是最重要的。1、语言分数（一是语言很重要，二是代表沟通能力）2、一般由3~5个project组成，每个project要有一个主题3、作品集注重创造力、国际化，要突破固有的思维模式。4、如果希望到加拿大留学，那么一定要提前开始准备自己的作品集，尽量从加拿大艺术类院校的网站或加拿大艺术类网站上寻找灵感和体会加拿大艺术环境，如此创造出的作品集才能够更适合加拿大老师们的“口味”。摄影作品和作品集还是有一定的区别的，那怎样的作品才是出色的作品集呢？摆脱错误的摄影理论摄影是件有趣的事，也是件有技术含量的事，要想真正的提高你的摄影水平，做出出色的作品集，有一些错误的理论是你要摒弃的。傻瓜机大家都知道，就是摄影只和快门相关，你只需要按快门，其它的事情相机来做。时至今日，摄影设备虽然发展的很“高端”了，但傻瓜模式依然存在，当你是拿着单反，依然习惯用“傻瓜模式”，还期望能拍出不一样的“大片”吗?这种做法简直就是分分钟zuosi的节奏，就别指望考官能注意到你了。摄影看似随意，却也是需要对时间、环境有预测，优秀的摄影师在某一个时间、决定去某一个地方拍摄也绝对是有目的的。对于作品集来说，确定的主题是必备的，因此对场、景、人、物的选择都是需要考量的。并非好的风景就360度无死角，好作品或许就是差在1度之余。经常看到这样的风光作品，远景是日落的晚霞五彩斑斓十分漂亮，但前景有很多电线杆、横穿画面的电线……这就是没有做到及时的判断选择有利的机位，这样的照片基本上就没什么看点了“如果有一种镜头可以满足各种拍摄需求该多好”，有这种想法的人大多有不喜欢换镜头的习惯而且镜头的价格也是不菲，但这不能成为你不换镜头的理由，除非你不想在摄影路上走的更远虽然说拍摄过程中换镜头是一件很麻烦的事情，不仅浪费时间，还容易错过最佳拍摄机会但反之试想一下，你愿意拍一堆不好的照片，还是愿意静心思考用最佳状态拍几张好片？审阅你作品集的都是精英老师，所以，你换镜头的小细节，也许就能帮你捕获某位老师的“芳心”。热爱大光圈，永远使用大光圈是初学摄影的一种极坏的意识。单反摄影的目的不应该是，只是追求所谓的虚化效果，而更加锐利清晰的图像也是我们需要的摄影外出采风可以提高对光影的理解，但如果去一趟旅游景点回来，就认为自己拍摄的满满都是作品的话，可能为之尚早。或许真的可以拍出一些与众不同的作品，但大部分应该都和之前去过的摄友在同样的机位同样的角度拍摄的，好的风光可以拍出不错的作品，但想要与众不同就要学会走出前人的影子。作品集的前期准备是需要下很大功夫的，摄影的地点，特殊的人和物都要经过一定的考究。于景于物皆有情端正了摄影的态度，拍摄就变成了重中之重，往往作品反映的都是作者的感情，拍人表达感情当然会比较容易，但是一本作品集都是人，也就没什么新意了，所以把物拍出人的感情就需要好好推敲推敲了。美国著名摄影师拉尔夫·吉卜生曾说，我不理会照相机如何看事物，我要它看到我看世界的式。“而我的目标是用相机呈现花花草草的情绪。”西恩捧着相机，自信地说。在雨天拍出有情绪的花花草草，很简单也很实用。“雨是夏天的常客，当太阳从乌云中穿透下来，大自然的画面别具风情”。雨天，很多人都喜欢懒洋洋地窝在家中，西恩却是一个例外，每逢阴雨天，她总是端着相机往外跑。“下雨时，景物的光线、层次、透视深度、色调、气氛、情趣等都有它的独到之处，是晴天所拍不到的富有诗意的场景。雨水可清洗枝叶花朵上的尘土，增添一层光泽，花朵更艳丽，枝叶更碧绿有滋润感。”她讲道。为此，她还将雨中拍摄花草的要点整理出来分享：景物本身的反差最好要大一些；可用大光圈小景深，对焦在前景把背景拍虚化；拍雨中的花草，可装上偏振镜，消除反光，使色彩更鲜艳；雨中的花草格外艳丽，挂着水珠的花瓣更是灵气；“雨后不久是花卉摄影非常魔幻的时刻，此时用微距镜头拍摄带着雨珠的花朵，会有令人惊艳的效果。如果使用微距镜头拍摄，最好用上脚架，因为稍微的移动就会造成糊片。准备一份nice的sketchbook其实摄影和其它很多设计专业类似，都可以通过sketchbook去展示自己的拍摄过程，当你不知道怎么表现自己无与伦比的摄影天赋时，就准备一份sketchbook，不要以为他只是设计学生的宠儿，作为未来的摄影大咖，对你同样适用。这四页手绘本展示了一个作品的多个阶段。既有前期的创意展示说明，也有拍摄方法和相机运用的规划，同时作者也画了一个story board去展示拍摄的效果。在不同的作品下面注解，当然，不要忘了做好排版，美感是第一位的，毕竟，“爱美之心人皆有之”。