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闯王旗@博雅艺术讲——艺术不会因为不被理解而消亡！
“进入这个由条纹笔触构成的虚构世界，你就进入了虚无、同时又远离虚无。体会到自己真切的存在于这个世界上，同时你又站在了世界的边缘。如果世界是平的，你可以见到世界外浩瀚的空间，却没有跌出世界本身，我在作品中维持自己站在世界边缘的意识。”——肖恩斯库利艺术家肖恩·斯库利肖恩·斯库利(Sean Scully)是战后抽象主义绘画中一位重要的国际艺术大师;他1945年出生于爱尔兰都柏林，1975年移民美国，创作和生活于美国纽约、西班牙巴塞罗那和德国慕尼黑。他曾于1989年和1993年两次获得英国'特纳奖'提名，常年受邀在世界顶级博物馆和艺术机构广泛巡展，作品被超过150个国际主要博物馆收藏。他一生专注于形状、颜色与色调之间的关系，主要以线、条、色带、色块构成了各种各样的正方形、长方形、平行四边形与菱形，去探索光线、颜色、形状、形态、物质与精神。肖恩曾就读于克罗伊登艺术学院与纽卡斯尔大学，1973年获哈佛大学研究生奖学金，1983年获古根汉姆奖金;2003年荣获波士顿麻省理工大学和都柏林爱尔兰国立大学的荣誉学位。斯库利现任普林斯顿大学客座艺术教授、慕尼黑造型艺术学院教授;并在纽约切尔西艺术设计学院、伦敦金匠艺术设计学院、纽约帕森学院任教。肖恩在艺术方面亦有重要著述，他与爱尔兰著名戏剧家塞谬尔.贝克特和U2乐团主唱Bono建立了深厚友谊。Bono曾经形容肖恩为"灵魂的瓦工"，他说:"我很幸运能与肖恩.斯库利的作品生活在一起。它们无庸置疑是音乐的、富有诗意的。"他的作品被150家重要公共博物馆收藏，其中包括:纽约当代美术馆(MoMA)、伦敦泰特美术馆、华盛顿国家美术馆、马德里雷纳索菲亚博物馆、纽约古根汉姆博物馆、墨西哥现代美术馆、澳大利亚国家美术馆、英国文化协会、日本名古屋市立美术馆、巴黎蓬皮杜艺术中心、美国德州福斯沃斯博物馆、华盛顿菲利普陈列馆、伦敦维多利亚阿尔伯特博物馆、悉尼Power当代艺术中心、华盛顿史密斯美术馆、洛杉矶艺术博物馆、都柏林爱尔兰现代艺术博物馆、委内瑞拉加拉斯当代艺术博物馆、休斯顿美术馆、和澳大利亚堪培拉国家美术馆等等。《Figure In A Room》 1967年《Grid》 1973年斯库利于1960年代末和1970年代初放弃了早期的写实主义绘画风格，创作慢慢转向抽象，他想超越形象限制，“找到一种更加普世化、任何人看到即可理解的语言，抽象画就有这种自然交流的能力”。他说：“我们习惯性地把抽象概念当作抽象本身，但它并不是，它是一幅自画像。可以说它是一幅个人状态的画像。我离开了安稳的伦敦，来到不安的纽约。相应的，我丢弃了画中的垂直元素以及我‘个人’的建筑风格，以便我可以在自己的平行世界中穿梭。”《Back and Fronts》1981年《Floating Painting Red White》 1995年继肖恩·斯库利于2014年在中央美院美术馆和上海喜马拉雅美术馆举办的“随心而行：肖恩·斯库利艺术展，1964-2014伦敦|纽约”以及2016年在中国的巡展（南京、广州、武汉）“抵抗与坚持”后，他的最新个展“肖恩·斯库利：站在世界的边缘”于2018年3月28日在香港艺术中心开幕。这场名为“站在世界的边缘”的展览不但包括一些斯库利的新作，还从其过去30年的创作中挑选了部分作品，从大型油画到摄影艺术皆有呈现。通过这些绘画、素描和摄影，策展人阿尔弗雷多·克拉莫罗蒂（Alfredo Cramerotti）邀请观众和斯库利一起站在“边缘”，借助其抽象艺术去回望和反思。“肖恩·斯库利：站在世界的边缘”展览现场学生时代，肖恩·斯库利主要创作肖像等具象绘画，从二十世纪七十年代开始慢慢转向抽象。"因为抽象更加普世化。"与其具体地介绍某种事物"在中国是什么样，在伦敦是什么样，在莫斯科是什么样"，他更希望找到一种放之四海而皆准的，普世共通的真实。因此，就要超越形象的限制。1970年，肖恩·斯库利到摩洛哥旅行，被当地的景象吸引。那里所有的一切都是几何图案的，从屋子、床、椅子，到树木、天边的界限，都是几何图案的。但这又有别于工业生产方式影响下的标准化几何形状，也与蒙德里安硬板板的直角线条完全不同。肖恩·斯库利被这种富有韵律的，有序又有流动性的图案吸引住了。肖恩·斯库利 Five Four Dark 布面油画 2017年 215.9 x 190.5 cm肖恩·斯库利的创作形式包括油画、水粉和水彩画、素描、摄影和雕塑。他的作品受到马克·罗斯科的影响，为几何线条的构成主义作品带来绘画笔触的感性艺术气息。斯库利的作品包括以排列组合重复出现的方形和矩形图案，以及棋盘形的图案。斯库利说，"我想我总是想为近乎宗教式的原因创作艺术，就像马蒂斯的方式。马蒂斯曾说， 我对生活有种宗教式的感情 。并不是说他信教。我有相同的感觉。我希望用精神的信仰，引导精神性的艺术创作，我想做出真正打动人心的作品。"为此，斯库利在介绍他自己时说的都是:"我是一个艺术家，也是自己信仰的布道者。"从20世纪70年代开始慢慢转向了抽象，"我觉得抽象艺术有一种催眠性的魅力。它让我觉得没有包袱，因为我是一个很有包袱的人。"继而，从网格再到采用条纹、条带和油漆块状颜料，富有韵律的矩形色块成为其创作的一大特色，他的创作被称为"蕴藏着真相一般的爆炸性力量"。从欧洲抽象先驱蒙德里安到美国的马克·罗斯科，条纹一直是抽象画家偏爱的形式语言，肖恩从这些传统中创造了自己的风格，正如美国哲学家、艺术评论家阿瑟·丹托所说：“他的边线有一种可触之美，这些条纹拥有生动的质感。”肖恩·斯库利 9. 2017 纸本水彩 2017年 55.9 x 76.8 cm亚洲文化对斯库利的影响也很大，他对禅学、老子《道德经》和理论物理学都很有研究，35年来他一直练习空手道，感受其蕴涵的哲学思维的影响。他很喜欢中国画的感觉，"它的样子看起来很谦逊，但是实则非常有力量。我试图创造出非常简单的事物但同时赋予其深切的情感，并且我认为对我而言这样才能创作出最有深度、最动人的作品。"他通过不断重复各种符号，寻找一种普世性，一种任何人看到就能理解的绘画语言。"《Wall of Light Rabat》 2012年上世纪70年代，斯库利开始创作网格式的绘画作品，对他而言这仿佛是场"越狱"，摆脱了其早期生活和具象绘画的禁锢。不过这些网格绘画中仍有具象感，还是能透露出城市具象的蛛丝马迹。但在后来的作品中，他放弃了这种肖像感，采用条纹、条带和油漆块状颜料，探索色彩中情感穿透力的潜能。《Night and Day》 2012年斯库利透露上世纪70年代末创作这些极简主义的作品中他用了一个秘密武器--胶带，"主要是为了让颜料更有条纹感，时而平坦，时而突起。当我把胶带揭开时，会发出一种黑色的嗡嗡声，就像俳句诗歌和禅学经义一样。"不过此后斯库利在这段胶带机械式创作后，回归到了自由写意绘画。肖恩·斯库利 多立克柱式尘土 布面油画 2012年 71.1 x 81.3 cm抽象是与模仿自然彻底分离肖恩·斯库利曾说，投身抽象艺术，是想为自己的生活创造一些“不平凡”的事，这与绘画艺术的发展逻辑是一致的。当印象派将光线刻画到极致之后，在绘画这条道路上，对于后人而言，写实的方向便行不通了。这时，“如何与模仿自然彻底分离”便成为了现代艺术的内在问题。在解决这个问题的过程中，现代艺术走向了抽象。在摆脱对具体内容的依赖后，斯库利开始在网格上发展他独有的抽象语言。他把物像简化成最基本的图案，用高度抽象和简化的矩形方块精确而简洁地表达物相的基本特征。解读抽象画，有两个维度，一在于材料和手段。在早期，斯库利常常使用细胶带进行创作，而后来，他开始喜欢在铝板上作画。在他看来，将油画这种古老的创作方式和铝这种制造飞机所用的材料结合起来，本身就带有一种张扬的意味。另一个维度则是形式和色彩。条纹是斯库利绘画中最常见的图形语言。“条纹图案可以从任何一个方向进行解读，它很常见，与我们周围的一切相对应。”而其绘画中的色彩则与他自身的经历密切相关，在其第一个儿子去世之后的30年内，斯库利的画作中都洋溢着阴郁悲伤的氛围。直到最近几年，他的作品中才重新出现代表着美好和希望的绿色。肖恩·斯库利《Four Days》，2015年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Wall 1》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Wall 3》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Bridge》，1970年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Cut Ground Green 8.11》，2011年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利 无题 布面油画 2017年 81.5 x 71.5 cm抽象是精神和心境的外化上世纪80年代左右，斯库利的作品以极简主义绘画为主。他力图将造型语言简练化、纯粹化，将画面减少到最基本的几何形、色彩精纯到少数几个颜色、空间压缩到最低的二维平面。但现代主义的理性统治在后工业社会到来之际暴露了它的危机，工业和资本主义带来的功利化使人们被工具统治、被物化到失去质朴纯真的感情。极简主义在现代主义危机下也暴露出自身的不足，它缺乏对人性的关怀，因为过于理性而忽视了人的感性。从那时起，斯库利开始寻求改变。他对高贵而遥不可及的极简绘画不再推崇，力图将绘画带回表达真实情感的境界。他曾说：“我们习惯性地把抽象概念当作抽象本身，但实际上并非如此，抽象画首先是一幅自画像。可以说，它表达的是画者的个人状态。”事实上，抽象主义与极简主义最大的区别便在于，前者并不指向真正的虚无，而是对具象进行细节提纯，用细节支撑精神的外化，但后者则是取消细节。在“纯度化细节”和“取消细节”之间，有着本质的不同。斯库利破除了极简主义的纯理性特征，在作品中融入突发的感性成分。他作品中的线条开始变得柔和，矩形色块的边界不再那样冷硬、理性，取而代之的是许多自然而带有情感变动的弯曲边线。肖恩·斯库利《Untitled》，1978年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Tappan 1.10.18》，2018年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Untitled (Doric) 》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Window Pink》，2018年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Landline Wing》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利 无题 铝板油画 2017年 215.9 x 190.5 cm抽象是用几何图案寻找普世共鸣斯库利曾形容：“真正的抽象艺术就像没有歌词的音乐。”在他的绘画中，排列有序的色块体现着一种音乐上的通感。其线条和颜色之间充满妙趣横生的对比、衔接和递进，色块的体积从轻盈、清晰转变为结实、朦胧，一直保持着一种内在的律动和节奏感。尽管斯库利认为抽象画是心境的外化，但在他看来，绘画所要表达的意义不能仅限于画家本身的情感。强烈的自我表达并不是斯库利创作的目的，他更感兴趣的是如何与观者产生共鸣。而抽象艺术的普世性价值则在于几何图案。创造图形是人类与生俱来的内在能力，几何图案则是跨越时代的造型艺术，是人们克服文化障碍的交流媒介，可以让观者在理性的带领下突破地域的界限，更自由地体会作品本身的纯精神性表达。一直以来，斯库利始终追寻着艺术对崇高精神的表达。他希望通过自己的绘画给现代社会带来更好的发展，使得不同地区、不同文化能有共通的桥梁，这也是其绘画的理想和社会价值。肖恩·斯库利《Wall of Light Janus》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《In the Sun》，1983年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Frames 1.24.17》，纸本水彩，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong肖恩·斯库利《Landline River》，2017年Sean Scully. Courtesy Timothy Taylor London/New York and Ben Brown Fine Arts London/Hong Kong博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
北草地@博雅艺术讲——一边疯狂，一边造梦
3次入围奥斯卡最佳导演，2次斩获法国电影凯撒奖最佳外语片，更受到戛纳电影金棕榈奖、威尼斯电影终身成就奖的肯定，他就是当代最重要的导演之一大卫·林奇。他的影像是一面旗帜，恐惧、癫狂、崩溃、欲望、暴力、梦境......这是他电影里挥之不去的魅力元素。他曾说：“生活本身非常非常令人困惑，所以电影也得被允许弄成这样。”创意▼创意就像鱼。如果你想捉小鱼，留在浅水即可。若想要捉大鱼，就得潜入深渊。深渊里的鱼更有力，也更纯净。硕大而抽象，且非常美丽。美妙的是，你抓到一条你喜欢的鱼，就算是一条小鱼——一个创意的小碎片——这条鱼会招来其他的鱼，它们都会上钩。那么你就上了轨道。很快就会有愈来愈多的片断，然后整个全貌会浮现。但一切皆始于欲望。我找过一次精神科医生。我正在做一件事，它已成了我生命中的一种特定模式，我心想，嗯，我该去跟精神科医生谈谈。我走进诊所时，我问他：“你认为，这个疗程有可能损害我的创造吗？”而他回答：“大卫，我得跟你说实话：有这个可能。”于是我跟他握了个手便离开了。艺术工作者若是能了解冲突与压力，那是一件好事。那些事情能促生你的创意。但我跟你打包票，要是你有相当的压力，就没办法创作了。如果你冲突太多的话，就会阻碍创造力。你可以了解冲突，但你不需要活在冲突中。灵感▼▲《我想要的圣诞礼物只是我的两颗门牙》——大卫·林奇画作我所想到唯一的办法，就是开始潜入内在，去看有什么东西会显露出来。因为我知道，若是生活在洛杉矶的表面，那种事是不会发生的。在餐馆中想事情有一种安全感。你可以啜着咖啡或奶昔，可以胡思乱想，进入某些怪异幽暗的世界，但永远都能回到餐馆的安全里。就我个人而言，我认为通过静坐、潜入自我，直觉会更敏锐、更广袤。我们每一个人的内在，都有一片意识的汪洋，各种解决之道尽汇于此。你潜入那片汪洋、那篇意识之时，你便将生气注入其中了。我爱梦的逻辑，我就是喜欢梦境的发展方向。但我鲜少从梦中得到什么想法。我从音乐、从到处散步中得到灵感。电影观▼▲《蓝丝绒》剧照我喜欢这句话：“你是怎么样，世界就是怎么样。”我认为，你是怎么样，电影就是怎么样。这就是何以电影的每一个影片总是相同的——相同的连续镜位、有着相同的编号、搭配相同的声音——但是每一场的放映都不一样。你无法得知一部电影将如何触动人。但假使你去想它要怎么触动人，或者它是否会伤害某人，又或者它会不会这样、会不会那样的话，那你就不要拍电影了。只要去做哪些让你为之心动的事就好，你永远不知道会发生什么事。城市▼▲《橡皮头》剧照“地方感”在电影中极为关键，因为你想进入另一个世界、它自己的触感、它自己的氛围。你试着把这些东西——这些小小的细节——全放在一起，创造出一种地方感。我爱洛杉矶……这里的光能激励人心，使人精力充沛。就算有空气污染，那种光里有某种特殊的东西让它并不刺眼，而是明亮又柔媚。它让我有一种感觉，一切的可能都实现得了。我说不上来为什么。它跟其他地方的光都不同。癖好▼▲《穆赫兰道》剧照我不见得喜爱腐尸，但腐尸有一种令人难以置信的质地。你见过腐烂的小动物吗？我最爱看这些东西，就像我喜欢欣赏树皮、小虫、一杯咖啡，或是一块馅饼的特写一样。你靠得很近，那质地美极了。坐在火前，令人深深着迷。那很神奇。我对电也有相同的感受。还有烟。还有明暗闪烁的光。静坐是这样的：你愈来愈能成为你自己。作者性▼有句话说：“眼光要放在甜甜圈上，而不是甜甜圈的洞。”你要是能把眼光放在甜甜圈上，做你分内的事——这是你所能掌握的。在你自己之外的一切，你都无法掌握。但是你能进入内在，尽力而为。我的背景是绘画。画家就没这种困扰。画家画画时，没人会插手说：“你得把那个蓝色换掉。”一部电影如果有别人胡乱搅局，要是还能有任何意义的话，那根本是个笑话。假如他们给你拍这部片的权利，他们就得让你照着你认为它该有的方式呈现。拍电影的人应该决定每一件进行的事情。不然的话，影片就无法统合在一起。电影可能很烂，但至少是你自己拍得烂。 版权声明本文部分文字摘自大卫·林奇著作《钓 大鱼——大卫·林奇的创意之道》博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
此剑一用@博雅艺术讲——一个有变装癖的校长，用艺术改变世界
Grayson Perry陶艺家：格雷森·佩里伦敦艺术大学的校长他可不是Gay,只是有异装癖...▼校长这个位置绝非哗众取宠就能胜任的。Grayson Perry虽然打扮的很夸张，但是人家的业务水平也是棒棒的。是英国皇家艺术学院院士，也曾经是2003年英国最高艺术奖项“透纳奖”的得主。现在已经是英国艺术圈里最炙手可热的陶艺家。他的作品在收藏市场极受欢迎，那些有他签名的低劣的复制品都能卖到8000到15000英镑，更别说他每年在自己的工作室里精雕细琢的20～30件艺术精品了。格雷森·佩里1960年生于切姆斯福德，7岁时，因为母亲的不忠，身为工程师的父亲离开了家庭。佩里曾经说，父亲的离开是他这一生中发生的最大的事情。随后不久，他的母亲开始和一个送牛奶的男人同居，佩里和母亲、继父还有一个妹妹、两个弟弟生活在一起。因为复杂的家庭关系和继父的暴力倾向，佩里的童年时光大都是在自己的卧室里孤单地度过。他开始变得爱幻想，将自己的玩偶泰迪小熊想象成自己的父亲。直到现在，佩里和自己的亲生母亲很少往来，却一直将这只小熊带在自己的身边。大概是在13岁的时候，佩里发现自己和正常的男孩不太一样，他有着不太传统的性取向和幻想，喜欢把自己打扮成女孩，有“异装癖”。一个偶然的机会，同母异父的妹妹从佩里的日记里获悉了他的秘密，并将这一切告诉了母亲。但一向对佩里缺乏关注的母亲和继父对此事并无太大的反应。佩里从1983年开始进入陶瓷业，那个时候他住在卡姆登城，和一些边缘艺术家日夜厮混在一起。在大学里学习艺术，晚上去夜校学习制陶。佩里说，和陶艺的结缘部分原因是因为制陶“非常容易”。但同时也承认，这或许也和他的异装倾向有某种潜在的关联：“我穿女装的一个原因是我的自尊比较低，而人们认为以女人的形象出门是低级的……就和陶器一样,它们被认为是次等的东西。”他记得他在夜校做出的第一个陶艺品是一个盘子，盘子上刻画了一个粗陋的十字架，中间写着变态性爱的字样。“我用了一些会让一些人感到不安的意象，我并不是刻意地想要去获得一种震撼效果，只是因为性、暴力、虐待是我的一部分，它们吸引我，我觉得对此有话要说。” 他和作品的合影▼他老婆叫Philippa Perry是位精神治疗师▼他老婆可不是和闺蜜在一起▼夫妻俩和小女儿▼女性装扮是他一贯的标签 就在他登上人生巅峰 领取2003年特纳奖的时候都是女装出场▼女人不好当 每天化妆卸妆应该也挺辛苦 但他每周总有两三天会把自己打扮成女人当Perry身着女装时，他有一个固定的名字叫克莱尔。她有时候优雅时髦▼有时候天真烂漫有时候天马行空这个形象超赞！从发型，服装，到一双极其女人味的红鞋子，就是包包保守了些。。。偶尔也追风，复刻一下Dior经典女神妆容对了… 他已经结婚并且和有一个可爱的女儿Perry的老婆是一个心理医生，他们的第一次约会便选择了一个异装癖俱乐部。。。现在一家人生活很开心幸福.然而他才不是靠着打扮当成的校长……他是英国皇家艺术学院院士他的艺术作品在收藏市场极受欢迎Perry 对当代艺术有自己独特的解读，他最擅长的是陶艺与传统陶艺古典的气息不同，他的陶艺作品多是涂鸦插画式的风格，讽刺意味十足然而这些涂鸦背后，其实讲述着他对很多社会文化现象的讽刺，比如对暴力犯罪，对虐待儿童，对环境污染等的批判他的很多作品都采以游击战术（Guerilla tatic），将不同的元素组合，只有当你走近这些作品细细品味时，让会发现他在传达的思想和观念。除了陶艺，他的纺织蜡染作品也是极具创意他将人生百态描绘在自己的纺织作品中，以幽默的视角反讽着各种人事他创作时朴素的样子与他在镁光灯下花枝招展的模样大相径庭这个时候他是认真而专注的2003年的时候他获得了英国最著名的当代艺术奖项——透纳奖出席颁奖礼的时候穿的是女装他的打扮风格其实与他的作品风格也是相融合的他是用实际行动在表明自己的艺术态度和理念很多人都把Perry当做男/女神来英国也是必须买他的作品。。。的周边毕竟。。。他的作品还是太贵了，复制品都要一万英镑左右，原品就更不敢想象他是艺术家….他把自己的一生都活成了艺术….他也是校长…..现在这样的他带领着一大群英国学艺术的大学生们…..只想说… 有这样的校长….. 服了…..博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
可谓多乎德鲁克：管理是一门博雅艺术
“博雅”一般被认为是指“学识渊博、品行端正”。 “博”就是广博的知识,“雅“就是指做人第一,注重修身。德鲁克在他的著作中,多次提到管理是门“博雅艺术”。彼得˙德鲁克一、管理是博雅艺术在谈到自己的贡献时,德鲁克就曾明确地说,他创建了管理这门独立的学科,并围绕着人与权力、价值观、结构和方式来研究这一学科;尤其是围绕着责任----把管理这个学科聚焦到真正的“博雅管理”之上。管理是一种过去传统上称为的博雅艺术---之所以称其为“博雅”,是因为它涉及知识的基本原理,涉及自我认知、智慧和领导力；之所以称其为“艺术”,是因为管理涉及实践和应用。管理者会运用所有人文科学和社会科学的知识和真知灼见一一包括心理学、哲学、经济学、历史学、自然科学和伦理学。但是他们必须把这些知识聚焦于有效性和成果上，聚焦于如何治愈病人、教导学生、建造桥梁、设计和销售上。 二、正直与诚信是管理者的“试金石”把“人的因素”以及“价值观”引入现代管理是德鲁克为什么说管理是“博雅管理”的重要原因、也是德鲁克对现代管理学的巨大贡献之一。比如,市面上有很多关于激励的书,但是很多都是离开了“人”这个根本,而从“人”的外部去找激励的源动力,而德鲁克恰恰是从“人”的内部去找激励的源动力。在他自编、自导、自演的《经理人和组织》的“激励篇中,才会把“排除工作障碍”作为激励篇的副标题。又比如,在没有引进“价值观”的时候“瘦肉精”可能被认为是一种创新(实际上它刚出现的时候确实是作为一种新科技进入人们视野的,而且能够养出瘦肉比例高的猪,符合当时的消费需要并且能够给企业带来更高的附加值),但是,当知道“瘦肉精”可能对身体健康有害,在价值观被引进后,“瘦肉精”就不可能是“创新”,而是一个“明知有害”而“不能为”的事情了。三、管理者自己首先要“品行端正”因此，德鲁克说，管理是一门学科，而不是一门科学。医学是一门学科,是一种实务,需要从一大批科学中吸取养分。管理也是一种实务,因此管理也需要从一大批科学中吸取养分。就像医学需要从生物、化学、物理以及其他一批自然科学中吸取养分一样,管理也需要从经济学、心理学、政治学、历史、哲学等一批科学中吸取养分。同时,管理本身是一门独立的学科,有着自己的假设、目标、工具、绩效衡量方式等。因此,管理作为一门独立的学科。因为管理是一种实践,而不是空洞的理论，所以要求管理者在应用管理的基本原则的时候，首先自己要“品行端正”,并在此基础上不断地利用管理所特有的各种假设、目标、工具、绩效衡量方式等,把管理的知识聚焦于知识的有效性和成果上。这就是管理的“雅”因此,管理是一门“博雅艺术”把真正的管理称为“博雅管理“是名至实归的。
复归于朴@博雅艺术讲——记录当代的‘钉子户’
昆特·约克昆特·约克（Gunther Uecker）1930年出生于德国，是德国现当代最重要的艺术家之一。1949——1953年在维斯玛和柏林白湖艺术学院学习绘画，1951年世界青年联欢日在东柏林举行，借此机会，昆特·约克第一次来到西柏林，看到了现代主义时期的艺术作品，尤其是抽象主义绘画引起他极大兴趣。1953年“东柏林事件”爆发，最初是工人老大哥东柏林建筑工人被一小撮阴谋推翻伟大社会主义民主德国的敌对分子煽动，拒绝为共产主义事业加班加点，并且还丧心病狂地鼓动其它行业的工人兄弟们走上街头，叫嚷着要把保护东德人民的苏联老大哥的军队送回老家去。东德人民政府警察勇敢出击，将他们的队伍驱散，但闹事者反而变本加厉，撕毁领导画像，铲掉苏德友好标语，烧掉有关部门的报刊亭，焚毁德苏友好大厦……在这样的恶劣形势下，苏联动用暴力，像秋风扫落叶一般将上街的反革命分子镇压，55条人命像东柏林街头掉下的落叶，尘归尘，土归土……君特约克，此时从东柏林换到了西柏林住1955年他来到西德杜塞尔多夫艺术学院，在那里开始了他钉子的一生，1956年至1957年之间，钉子第一次出现在他的作品里，然后相守一生……早在20世纪六十年代初，30多岁的约克就加入了德国著名的先锋艺术流派“零社（Zero）”，其以钉子为创作材料的版画作品，由于具有鲜明的精神指向和先锋性质引起艺术界的注意。他精力旺盛，长年累月环游世界获取素材，不停地创作。他的作品形式多元化，从早期的木刻版画、素描到后来的装置艺术、行为艺术、光效应艺术、电影制作以及舞台设计、转动艺术、雕塑等，昆特·约克能够自由的使用表达其艺术目的的材料。他用艺术作品记录着当代，参与时代的进程，对于精神与理性一直也在不停地思考与追求。昆特·约克1964年至今曾多次参加卡塞尔文献大展，威尼斯双年展，曾获巴黎双年展大奖等。1985年，作为“推动独立艺术表达的工作”享誉国内外，而获得联邦一等贡献勋章。昆特·约克如是说——钉子首先是打进钢琴身上，记得有一件钢琴还因为用钉量太大，结果琴身毁坏不堪。也有打进其他家中的桌子、椅子的，更多是把钉子打进木头和石膏上。最后还结合出现在沙和水的装置艺术中。——只有这样，平面的作品才能够伸展到更高空间的位置。一根穿透进去的铁钉是一种很大的伤害，至于成簇的铁钉就充满诗意。打钉的开始是从早期用铅笔画的时候，自觉握在手里的铅笔就像一根铁钉，那也是身体的一部分在不停地活动。博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
功夫爹@博雅艺术讲——个人的片刻回忆
霍华德·霍奇金霍华德·霍奇金（Howard Hodgkin，1932—2017）生于英国。霍奇金被公认为是当今英国最重要的艺术家之一。尽管霍奇金起初并不作为英国艺术的代表性人物涌现于画坛，直到上世纪70年代展出了他始于50年代的绘画创作以后，这才启迪并激发了艺术家发展出非凡的视觉语言。凝聚在霍奇金全部作品中的是他一直以来对个人遭遇、情绪体验、事件琐忆的探索：无论印度、埃及或摩洛哥之旅，即使是与朋友吃饭之类的社交场合的瞬间，均通过印迹鲜明、色彩强烈的画面加以重组和朦胧化处理。这些作品通常经历若干年才得以完成。他的作品让我们想到马蒂斯、维亚尔、德加以及美国抽象表现主义，还有印度帕哈利微型画。霍奇金习惯用木块作底来画画，而且把油彩涂到框上，让框也成为画的一部分。他曾说画必须与各部分都关联起来，而他展现给人们的大体是他所捕捉到的、准确反映某种强度的、个人的片刻回忆。当他在印度时，他迷恋于印度的传统艺术；从他使用色彩的鲜丽灿烂和对小画幅作品的偏好，即可看出他所受到的影响。然而他的画风却全属独特而个人化。博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
畅游者@博雅艺术讲——艺术家试图揭露艺术在现代社会的失败
Albert Oehlen1954年出生于德国，现在西班牙和瑞士生活和工作。自1981年以来他就在Max Hetzler画廊定期举办个展，还在欧洲等国举办过多次个展。他是德国新表现主义的代表之一，承袭了大师在特殊历史时期的记忆，又表达了对自由奔放追求的意念。他的画是精心制作的挑战策略，颠覆和挑战传统艺术的崇高理想．成为以批判和幽默方式反映当代意识形态的新一代创作。Albert Oehlen是一位“资深”艺术家。80年代曾与奇本柏格一起参与“坏画（bad painting）”的创作。Oehlen的目的在于有意破坏绘画史上所有现成的流派、技术和语汇，展现抽象和具象的共同失败。正如批评家Diedrich Diederichsen对于Oehlen的描述：如果他敢于正视当代绘画的批评，证明它作为艺术实践的生存能力，他就不得不在这种媒体上重整旗鼓：利用被批评的对象再创造。Oehlen想做三件事：揭穿（demystify）绘画的过程；展示一系列策略；不仅仅表现这种批评而且“述说”它。因为他相信绘画的功能实际上如同一种语言，他要创造的对象很明确，是一种没有任何幻象、没有神秘感的、可以说得出的绘画。”为了实现这种这个抱负，他运用关于绘画的记忆自身来反对它自己，抽去绘画的神秘性而重建新的记忆。欧兰想揭露的是艺术在现代社会的失败，通过油画来创造一种新的颠覆性的力量。Oehlen作品《无题（Untitled）》 1989对于Albert Oehlen来说，绘画艺术的不断实践和它固有的不可预知性本身就是一个主题。他的绘画方法的指导原则就是冲动和折中主义，而他的绘画工具则是手指、画笔、拼贴和电脑。他经常开始通过加强一套规则或结构的限制来进行创作，比如对自己的调色板加以限定，或刻意处在一种缓慢的节奏进行创作，进而挑战自己达到每一幅画作之间的差异。他把抽象看做是手势或几何图形的叠加、组合或者是加以比喻的合并，比如把现有的海报弄脏染色等。图画形式本身是一种启发而并不是自身的终结。Oehlen作品《黑色理性（Black Rationality）》 1982“我只是享受制造一团糟的过程”Oehlen谈到他的“树画”创意时说道，“当我第一次在画中画树的时候，其实我只是需要一个借口来画点东西，任何乱七八糟的东西对我来说已经足够了。对于坏画（bad painting）来讲，树，一个这么媚俗拙劣的主题，我觉得，这很棒呀”Oehlen在纽约Gagosian画廊展览 《无题：树》Oehlen的艺术是在具像与抽象艺术之间不断摸索中发展的，期间他的作品无论形式还是主题都发生了很大变化。那些绘画、拼贴、素描和速写是他对诸多艺术问题的回答，是对艺术崇拜的批判，也是对艺术影响社会能力的分析与研究。作为上个世纪80年代那个影响一时的德国“新野兽绘画”（New Wild Painting）运动中的一员，Oehlen在早期具像绘画中就表现出他对如上问题的深刻思考。此后，在“色彩理论”系列创作中，Oehlen逐渐将他的调色板减少到最少的三原色：红、黄、兰。相比之下，对于作品表现的主题，Oehlen却不受任何道德与标准的局限：阿道夫·希特勒、动物以及我们的日常生活都是他描述的对象。1985至1988年，Oehlen采用了用文字覆盖写实形象的方法，在丰富作品的表现内容的同时，也在形式上有所变化。进入80年代末期，他的作品更多倾向于抽象的表现形式，并多以模糊不清的色彩堆积的形象出现。90年代以后，随着电子计算机在绘画领域的应用，Oehlen也开始应用计算机进行绘画创作，在计算机绘图软件的帮助下，Oehlen的艺术在技法与主题方面都获得新的突破。作品《电子舞曲（DJ Techno）》 2001 （混合媒介绘法）【Oehlen作品】博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
绸缪@博雅艺术讲——追寻下笔的踪迹
贝尔纳弗里茨的工作是高度面向过程的，往往需要非常规的工具﹑材料和别人协助来完成一幅作品。对此贝尔纳弗里茨说，“在我的作品中，我并不真正改变风格，我只是改变画法”。贝尔纳弗里茨把绘画看作是处于自然之中的一个搜索、一个旁观者和一个平坦的表面，在一次采访中，贝尔纳弗里茨说，“这即是某些人不喜欢我的原因——我的绘画是关于〈过程〉到底会是什么或不是什么，但尽管如此，这个过程是吸引观众参与的一条有效的。而对于观众产生的种种联想，贝尔纳弗里茨强调，他对联想没有兴趣，只是希望营造含糊不清的主题。凯绥·珂勒惠支奖评委Aye Erkem、MonaHatoum、Karin Sander说：“弗里茨通过自己设置的规则和系统进行具有机敏性的概念创作”。有评论说，贝尔纳弗里茨作品的表面具有冰冷的、酷似照片的一面，形成一个屏幕，既吸引人，又产生排斥感，整个构图的重点并非和谐感，而是一种规则，一种带有它各种必须服从的束缚的方法。贝尔纳弗里茨在谈到他的创作过程时说，“我采用了一些毛很长的滚筒，它产生出的肌理颇似‘兔毛大衣’的效果。总共使用了五个滚筒，每个滚筒上都有不同的色彩。颜料跟在我所有的作品中一样，都要在新鲜的树脂中过一遍，而这两种材料的重叠使得整个表面分为五个区域，因为其中每一幅画都是根据顺时针方向跟第一个区域稍微带有一定的距离而开始绘制的，所以，到了最后，很难区分哪个在上，哪个在下。每过一次颜料都会显示出上面的颜料，或者让上面的颜料渗上来，而同时又是对上面颜料的覆盖。对我来说，这就像是一些结：一切都是平的，但一切又都可以说是根据幻觉原则而缠结在了一起。重要的是要达到某种中性的效果，回到某些烂泥的效果，直到色彩、颜料之间再也分不清，再也不去加强构图感，而是让它有一种透明的效果，同时又让一切不但被弄平，而且还必须统一在一起，就像一片色彩的烂泥一样”。“我对色彩的兴趣在于可以用色彩区别每一笔，追寻下笔的踪迹。改变线条时我就改变色彩，跟地铁线路示意图一样。我用许许多多的颜色，实际上却避免选择特定色彩。”贝尔纳弗里茨在《紫色》杂志的访谈中说。“我不愿迫使自己挑选，但想尽可能无差别地使用色彩，越多越好。这种习惯可能1977年就开始了，那时候似乎人人都在做单色画，人人都在挑选成为自家标记的颜色——Yves Klein用蓝色、Soulages用黑色、Ryman 用白色，诸如此类。我提醒自己，我不要挑选，也用不着挑选。”不求单一重彩，而尽量丰富多彩，这种创作理念挣脱束缚，但挑战观众。当今时代，人们的深层注意力不断被短信、社交媒体通知或最新重大新闻打扰，画布上激进民主的众多色彩要求观者必须参与：既然艺术作品不表现各种等级层次，观者应该思考所谓的等级层次到底有无存在的理由。博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
芙蓉传@博雅艺术讲——我再也不要做任何无聊的艺术
约翰·巴尔代萨里1931年出生于美国，被誉为美国观念艺术教父，他从上世纪60年代活跃至今，创作媒介包括绘画、文本、摄影、装置、行为、影像等。巴尔代萨里对图像、语言及符号的解构、挪用和去情境化手法，以及他对图示和文本之间意义关联和感知关系的持续实验，巴尔代萨里把流行艺术当中的图画信息与概念艺术的语言相结合，并置文字、绘画与图像，创立出一门独特的艺术表现形式，被认为是后现代艺术的活标本。让美国新一代当代艺术家深受影响和启发。"我总是对那些我们不称之为艺术的东西感兴趣，我想问为什么不？"——约翰·巴尔代萨里约翰·巴尔代萨里作品精选文本绘画| Text Painting1966年开始，约翰·巴尔代萨里开始以照片及文字，有时候仅仅是文字作为绘画的主体。他曾在采访中这样解释自己的动机:当时人们认为以抽象表现主义为代表的艺术家所使用的是一种"私人语言"，不具备公共性。于是，巴尔代萨里直接采用一种所谓更具"客观性"的绘画语言——即人们在信件、报纸杂志和公共空间中随处可见的"文字"。What Is Painting, 1968Tips for Artists Who Want to Sell1966-68 在1969年的《委托绘画》(Commissioned Paintings)系列中，巴尔代萨里委托一系列的业余画者绘制了不同的用手指指向各种物品的照片，在"照片"下方写上画者的名字并让他们签名。此举是针对当时有批评称"概念艺术"无非是一种指向，巴尔代萨里索性从字面意义上来表达其被称为概念艺术作品中的"指向"，模糊了所谓著作权的边界，也质疑了形式主义者所自持的所谓艺术定义。Commissioned PaintingSeries1969火化项目|The Cremation Project1970年，巴尔代萨里请邀请五位朋友帮忙将自己1953年至1966年的所有绘画作品付之一炬，把"火化"后的残渣烤制成了曲奇饼状盛在骨灰盒里，整个过程以照片记录并作为一个新的项目呈现。一来是因为当时他对录像等媒介更感兴趣，厌倦了绘画本身；二来是他对于当时作品在工作室等待着挂上某个漂亮沙发后墙面的命运颇为不屑，不如让它们回归到其原材料本身的来源——土地，实现作品的完美宿命。录像/行为| Video/Performance上世纪70年代巴尔代萨里拍摄了许多录像，他以一系列看似随性和不动声色的荒诞表演，以近似练习和调研的叙事来思考当时强调语言的概念艺术以及机制(conceptual art)。巴尔代萨里敏锐地捕捉着我们艺术史和知识结构中视觉表征的既有惯例、语言表达的失真和认知逻辑的误读。或许，荒诞本身并非他的目的，而是在那个时代重新激活艺术想象力和创造力的方法之一。1971年，巴尔代萨里受加拿大新斯科舍艺术与设计学院(NSCAD)委托引导学生们创作一个在现场的作品。无法亲自前往的巴尔代萨里要求学生如集体苦行一般，用铅笔在展厅的墙上重复书写"我不会再做无聊的艺术/ I Will Not Make Any More Boring Art"。巴尔代萨里给学院寄去这句话的手写样本，并自己完成了一个录像:他就像一个小学生一样，尽可能快和准确的重复书写这句兼具训诫和反讽意味的话。照片与文本| Photo and Text1967年，巴尔代萨里展出了一套照片和文字并置的图像，文字和场景主要都来自于一本关于业余摄影指南中描述不符合摄影"规则"的部分，作品名为"Wrong"。1997年，他展出的"Goya"系列中依旧延续了他文本挪用的方式，但更多不是关注图文间的意义生成机制，而是什么让概念可以引导人们获取眼前的信息，以及人们是如何填充意义的空间的。Wrong Series，1967Goya Series，1997在加州地图项目中，巴尔代萨里沿着事先标注的地图地点，用物理方式逐一制造出加州一词英文的所有字母。The California Map Project1969同时，巴尔代萨里尝试用比较随机的、不同既有事物机制间的关系来设置创作规则，并获取图像和信息。例如，向空中抛出3个或4个球获取一条直线，在三十六次(因为当时一卷35mm胶片可以拍36张)尝试中选择效果最好的一次。Throwing Three Balls in the Air to Get a Straight Line (Best of Thirty-Six Attempts) , 1973The Pencil Story1972-1973.文字大意: 我的汽车仪表盘上有支旧铅笔，我每次看见它都感觉很不爽，笔头显得那么钝和脏，我总想把它削尖。最后我终于受不了就把它给削尖了。虽然我不确定，但我觉得这事儿跟艺术有点什么关系。摄影/装置| Photography and Installation从上世纪八十年代开始，巴尔代萨里开始用当时随处可见的商标/价格贴纸来改变图像原有的构图和信息，迫使人们放弃对图像原意的既有认知设定，而思考选择不同的观看方式。Kiss / Panic1984Beach Scene/Nuns/Nurse (with Choices)1991Ad for Orciani leather goods2000s《黄色的史前巨柱（和两个人）》Stonehenge (With Two Persons) Yellow, 2005《节日和命运的不同》The Difference Between Fête and Fate 1987/2013《新闻：适合戴防毒面具的小男孩》The News: A Young Boy Being Fitted for a Gas Mask, 2014《滑板（3个一组）》Skateboards (set of 3), 2010《新闻：三个离家的人》The News: Three Men Leaving House, 2014BOYA PRIZE博〡雅〡艺〡术〡奖成就未来艺术大师扫描微信二维码
耳无所闻@博雅艺术讲——70年代以来，法国艺坛最具争议艺术家
丹尼尔·布伦当代艺术最重要的艺术家之一曾在1986年代表法国参加威尼斯双年展并获金狮奖，2007年又获得被誉为“艺术界诺贝尔奖”的日本皇室世界文化奖（PraemiumImperiale）丹尼尔.布伦于2017年二月来到中国，进行他的艺术创作。此次来华的所有行程接待及安排均由E-Art 法国艺术学院联盟负责。Daniel Buren 介绍现年79岁的法国艺术家丹尼尔布伦(Daniel Buren)，是当代重量级的艺术家，也是六○年代以来极限主义的重要代表人物。 2002年，在巴黎蓬皮杜艺术中心举行的大型特展「不曾存在的美术馆」，是对其艺术成就的肯定。中国美院创作项目工作会议1965年，布伦受到市集小店遮阳棚的条纹帆布启发，遂开始持续五十五年、著名的条纹系列创作。就像经由魔术师棒子挥动下的魔法般，巴黎皇宫的中庭、德国美术馆、比利时的大学医院、日本东京I-land车站等等欧亚等地重要公共空间，被宽度绝对是8.7公分的红白、蓝白、黑白或绿白等双色相间的各式作品"占领"，原有的空间感彻底改变，成为很有"布伦味"的场所!La cour d’honneur Palais-Royal et Les Deux Plateaux 巴黎皇宫的双重舞台形式只是艺术家创作思考的"产出"而已。布伦最重要的创作中心思想是「淡化作品中具象的内容，并舍弃叙事性的主题」，而采用8.7公分宽的条纹如此一致性的元素做为中心创作语汇，无疑地，相当地能强调作品绝对客观、不具备人格的特色。La Porte,红色拱门布伦的艺术表现在保守的六○年代，是相当罕见的。这位艺术家年轻与其它三位艺术家组成的极限艺术团体BMPT，在1966年到1967年，曾经举办了一系列主题不断重复的集体创作，四人分别不断绘制直线、横线、小点及圆圈。虽然此一前卫作法，在当时的艺坛上引发了「是否为艺术」的激烈争论，但透过这样集体创作的形式，亦让布伦有机会重新检讨、评断现代艺术外在形态的极限，及艺术中隐含的政治及文化等内在意涵。因此，他舍弃了传统的画具，开始使用在法国垂手可得的遮阳棚条纹布料作为创作媒材。 1970年，他在未获官方同意的情况下，在地铁站前放置了140条布旗，这样的举动引起了大众广大回响。后来，他改用一种具粘性的贴纸「条纹纸张」来创作。从此以后，他的作品可以不受限制地任意地出现在墙面、手扶梯、火车、船帆、旗帜，甚至是美术馆警卫的制服上。这样一反常态的表现手法，其实是对博物馆或美术馆保守观念提出的一种反思。Le Curseur , Tramway de Tours光标，图斯地铁站虽然，早期美术馆如纽约古根汉曾因担忧他的作品太过大胆而取消他的展览。但数年之后，他开始成为各大美术馆邀约的对象。 1986年，他获密特朗总统(Mitterrand)的支持，在巴黎皇宫花园创作了第一件公共艺术「罗马废墟」。这件金额高达一百万法朗的作品毁誉参半，保守的人认为作品破坏了十八世纪宫庭的古典美感，但欣赏的人则认为这件作品成功且大胆地在古迹中融入了现代艺术。不过，对布伦来讲，无论是美术馆的展出、或是户外大型公共艺术，他始终坚持创作的三个先决条件：一、「达到极限」(a minimis)的创作，使用相同的创作语汇(8.7公分宽的条纹)；二、「定点展出」(in site)的创作，作品根据它所属的展出地点而创作；三、「依据时间」(tempresuo)的性质来决定它存在时间的长短。换言之，他的艺术，不论是装置或是永久作品，完全是依据时间及空间而创作。Arches rouges, musée Guggenheim红色拱桥，德国博物馆「很多艺术家们认为，艺术表现是自由的，但事实上，自由是有条件的，它必须回应某种要求。事实上，艺术家接受委托制作公共艺术品由来已久，中世纪的画家们为教堂作画，他们必须思考如满足订画者的需求和喜好；而现代的公共艺术委制比较好的是，提供给艺术家一个场地和经费，由艺术家自行创作，这个场地也同样具备了美术馆的功能，展示着艺术品。不过，两者最大的不同是在美术馆的展览即使是会造成争论，有美术馆的保护，艺术家还是可以自由发挥。不过，公共景观中的艺术品就要面临很多周遭环境的问题和限制，必须去思考如何配合及克服。而且，如果最后结果，作品不受大众的喜爱，就会遭致非议及责难，压力很大。因此，事先必须就整个客观环境去观察、衡量、适应，才能真正掌握地点环境与大众需求，而获得他们的认同和肯定。」——丹尼尔布伦(Daniel Buren)人们步行在彩色森林之间2012年丹尼尔·布伦（Daniel Buren）受邀为巴黎大皇宫进行创作，他使大皇宫开敞的中殿沉浸在了一片五彩斑斓的光之海中。上百个与地面保持水平的圆形顶盖充满了整个空间，它们彼此紧挨在一起，大小、高低不一。每一个圆形的不锈钢框架中都伸展地固定上了蓝色、黄色、橙色或是绿色的半透明塑料薄膜。它们被黑白的立柱支撑起来，看起来就像是一片森林一样。2016年为路易威登基金会大楼创作的《The Observatory of Light》2016年5月，法国艺术家DanielBuren为Frank Gehry设计的路易威登基金会大楼（Fondation Louis Vuitton）披上了一层彩色的“外衣”，在建筑外部设计了一个有趣的艺术装置，这是一个观测光的艺术装置，名为“The Observatory of Light”。博雅艺术财富举办全球艺术之旅，培养客人的艺术体验能力，更为他们建立管理艺术品收藏，为资产升值及传承提供战略性指导。博〡雅〡艺〡术〡财〡富▽为重要的客人， 建立管理艺术品收藏 为家族资产升值及传承，提供战略性指导
