声乐研究分析

我不敢说什么对音乐研究分析 只是对音乐单纯的喜欢 好奇你到底在问什么 微小浅谏我想就像是好的文学作品往往是构建在一个大的历史背景之下音乐因其在不同时期不同背景...所产生的不同风格不同形式...都是表现形式而已 是随着时代变迁也好 随情感经历起伏也好 不同的时代不同时期 人们不同的心里偏好 不同的文化 就算是在当下因为不同的种种 都会使不同!正像是很多人被某首歌吸引感动 有时只是因为这首歌在某个方面让听者产生共鸣 也许是歌词描述促动曾经，也许是旋律无限遐想 ......音乐不仅仅是纸上的音符如果非要给它定位好坏 我想只有真正的艺术和盲目的粗制乱造音乐是具有时代性的 具有多种表现形式的... 社会在发展在变迁 音乐也会更新她会产生形式 风格 她会随着那些真正热爱她的人变得更加丰盈

扬长避短为好，现在就业比学历更重要。这里都是书画类同人，也许无法圆满回答你的问题，赶快换分类后再去问…

作为入门练习的话，非常正确！今后重要的是加快吸气的速度和力度，速度快的同时还要让气息在横膈膜扎得稳。祝你进步看你的名字知道你应该是男中音，我觉得声乐没那么多窍门之类的，别想歪了。慢慢吸气喉位是到不了应到的位置的，可以说在纵情歌唱的状态下，气息通过声带越少，声音越有魅力。你连续快速的呼吸产生了喉咙的肌肉记忆——躲气，那么你唱起来当然轻松了，因为声带根本没用上啊。我个人觉得这种做法不正确。

论歌曲的处理和表现大家知道，一幅画、一篇文章或一件工艺品，一经作者创作出来，便可供人们阅读或欣赏，人们可以通过视觉来了解作者的创作意图，了解作品所表现的内容和风格，从而受到感染和启发。而歌唱是一种听觉的艺术，一首歌虽由词作者、曲作者创作而成，但毕竟只停留在纸上，人们不能直接从纸上来听到它、欣赏它，就好象一幢十分漂亮的房子，修好后却没有人去住，不知道这幢房子的价值在哪，因此就必须通过歌唱者的演唱，把歌的曲调、内容介绍给听众。演唱者在尊重歌曲作者的原作的基础上，根据自己对歌曲的分析理解，对歌曲进行研究和处理后，再将歌曲演唱出来的过程，称为“二度创作”，而我们也知道，只要不是哑巴，要歌唱一首歌并不很难，难就难在如何唱好它，那需要我们的歌唱者必须在唱的每一首歌上下一番工夫了。下面我们就来谈谈歌曲的处理与表现中的几个重要方面：一、 熟悉和了解作品唱好一首歌，首先要了解作品，所谓“知己知彼、百战不殆”就是这个道理。在你不熟悉、不了解它的情况下唱一首歌，如果只知道拿起来看也不看张嘴就唱，那么要想准确地将它 的内容风格表达出来是根本不可能的，我记得我在学唱《鞭打我吧》这首歌时，因为只顾赶时间还课而忽略了其他的因素，认为唱会旋律就行了，什么歌曲的情感、吐字、气口等等都没做好，结果唱出来的效果就象“杀了我吧”一样，所以在拿到一首歌时，一定要做好准备工作。要熟读歌词，因为我生长的贵州是少数民族聚居较密的内陆山城，所以地方方言特多，我刚开始学唱歌是时候吐字很不准确，特别是平舌（z、c、s）和翘舌（zh、ch、sh）的差别十分明显，像把《黄水谣》中的水（shui）唱成（sui），山（shan）唱成（san），闹了许多笑话。歌词发音不准确，对作品的理解也有妨碍，势必影响听众对你所演唱的歌曲的理解，你的演唱对听众的感染力定会逊色不少，所以一定要把歌词读熟读准，以免影响歌曲的表现。唱熟曲调、唱准音高、节拍并注意乐感，熟悉歌谱和正确地把握音准节奏，是对作品从音乐上分析研究的基础。有些歌曲从头到尾都是一种拍子，如《太阳出来喜洋洋》等，唱起来就显得比较容易；有的歌曲因为内容表现的需要，节拍就比较复杂；有的由3/4、2/4、6/4等各种节拍组织在一起；有的由6/8、7/8、9/8、3/8等节拍组成。如歌曲《秋——帕米尔、我的家乡多么美》，这首歌曲比较复杂，难以掌握，它就需要我们反反复复地唱熟、唱准。另外，有许多的歌曲中还有转调和一些临时升降音，如果不下一番工夫是很难唱准音高的，并且会之间影响歌曲的完美表现。在演唱歌曲时，还要注意安排好气口，在我们演唱的歌曲中，大多数旋律乐句与歌词的句子基本一致，像歌曲《玛依拉》基本上就是结束一个乐句，就换一口气，这样很便于演唱者的演唱，而一些复杂的歌曲，特别是一些外国歌剧中的选曲，有时旋律与句子的气口会产生一些不一致的现象，经常会碰到句子的换气气口在旋律的一个节拍中间，使演唱起来有些困难，就会产生破句或来不及的现象。世界三大男高音之一的帕瓦罗蒂，众所周知他的气息是非常棒的，但是假设他在演唱某首歌曲器时，不注意气口问题，随便换气，试问听众还能欣赏他优美动听完美无缺的歌声吗？二、 掌握好歌曲的节奏节奏是音乐的支柱、乐感的标志。我们在掌握歌曲的节奏时，既要做到准确稳定。更需富有动感，充满活力。比如二拍子的节奏是强、弱强弱；三拍子是节奏是强、弱、弱；四拍子则是强、弱、次强、弱，这些看似简单的节拍特点，在歌曲演唱的实践中却未必容易做到，甚至常常被演唱者所忽视，致使歌曲的演唱缺少基本的律动感。所谓准确稳定即唱快的曲子内心一定要有稳定的节拍感，要做到快而不乱，有些人在唱快节奏的歌曲时，乱得一团糟，听者根本不知在唱什么，就象《好汉歌》里的“风风火火闯九州”一样，只感觉到一阵火暴就结束了，而唱慢的曲子则应要强调流动感，要做到慢而不滞，否则沉重呆板，就会失去丰富的表现力。节奏的强弱处理，也是一个十分重要的问题。在演唱歌曲时，如不注意请弱的处理，那么歌曲会唱得平淡无味，节奏中强调的强弱感则失去意义，就象三拍子，它是一种典型的圆舞曲风格，形式十分受到人们的喜爱。约翰·施特劳斯的名作《维也纳森林的故事》淋漓尽致地发挥了圆舞曲的风格特点，那欢腾的河流、美丽的森林、歌词的小鸟……一幅幅美丽动人的画面展现在人们的眼前，许多人又不免回想起优美典雅的宫廷舞蹈，如果演奏者根本不处理节奏中的强弱关系，那就不知这首舞曲会使人产生什么样的想象了。还有节奏中的弱起小节也很值得重视，象0××|0× ××|等等这些节奏如果在演唱中不注意，那么也会在一定程度上影响歌曲的表现色彩。三、 注意歌曲的调式调性及曲式结构曲作者对调式、调性的运用直接影响歌曲的基本情绪，我们要正确表现歌曲的内容和情感，对这方面就应引起注意。一般来说，大调式的歌曲，常表现雄壮明朗或喜悦自信的情绪，如歌曲《中国，中国，鲜红的太阳永不落》、《晚会圆舞曲》等，而小调的歌曲常表现柔和忧伤或暗淡、哀痛的情绪，如《摇篮曲》（舒伯特曲）等，当然有时也会出现一些不同于这一规律的特殊情况。总之，调式调性可作为分析作品的主要参考内容之一。歌曲还具有各种不同的曲式，最常见的为单段体，也称一步曲式。一般由两个或四个乐句组成，具有完整乐思的锻炼，每一乐句小节数相等的称为方整性结构，如《花非花》；再有，如二部曲式勃拉姆斯的《摇篮曲》，全曲结构方整，富有歌唱性，每段由两个四小节的乐句组成，通过八度大跳，使情感有明显的起伏，经过重复，然后级进下行，平稳地结束全曲。歌唱者要是熟悉调式曲式，那么在歌曲表现与处理中是大有帮助的。四、 抓住歌曲的时代特征、思想与风格艺术能反映出一定的时代精神和社会现象，那么每一首歌曲也比如反映出一个时期的社会变革、政治面藐和社会风尚等等，演唱者应该透过歌词的内在含义，去挖掘围绕着以上各种主题思想的本质，如歌曲所表达的中心思想是对人生真谛的领悟，还是对祖国对人民的热爱，是对大自然的赞美还是对丑恶现象的讽刺等等，比如《我悲伤啊，我痛苦》（格林卡曲）这首歌，歌中表达了女主人公安东尼的悲伤、痛苦、对社会黑暗的血泪控诉。如果歌唱者在拿到一首新歌的时候，不去了解歌曲的时代背景及歌曲所要表达的思想内容，那么歌唱者在演唱这首歌时就不会很好的表现这首歌，又如歌曲《满江红》是古曲与南宋初期的抗金名将岳飞对转战南北的艰苦岁月的回忆，对国耻未雪的感叹和要“收复山河”的壮志。除了以上所述的时代性、思想性外，我们还应该注意民族风格，每个民族由于他们不同的生活环境、不同的风土人情、不同的生活习惯，经过千百年的酝酿，形成了本民族独特的文化艺术背景。如我们侗族的侗族大歌，它是一种无伴奏的多声部合唱，而驰名中外的苗族飞歌，却又是高亢悠扬的山歌。这些民歌，大都是以歌唱人民生活、爱情、风俗等为主题，它们充满了浓厚的民族气息，所以演唱者一定要把握好各民族地方色彩，以免唱出来的歌让人不知出自何处。五、 演唱者自身的文化修养好的演唱者，不仅要具备良好的嗓音，更紧要的是要具备良好的文化修养。有一次我观看了全国青年歌手大奖赛的赛况，心中颇有感触。现在的某些音乐制作家只顾利润和突出自己个性，在选择培养歌星时，根本不考虑他（她）的文化修养和音乐方面的素质如何，经过一番精心的包装后，通过新闻媒体大肆宣扬，于是中国一夜之间就出现了许许多多的“天王”、“歌后”以及一些低级庸俗的歌曲也涌入了社会市场，当他们看到那些面对比赛中如此简单的文学常识、基本乐理、视唱谱例而无可奈何的歌手们，心中究竟有何感受？如果这些参赛歌手都是一些有层次、素质比较高的人，那么那种满脸愧色、尴尬万分的场面也许就不会出现在国人的面前了。可悲呀！再来看看我国著名的作曲家王洛宾，他不仅是一名著名的曲作家，同时也是一名词作家，如歌曲《在那遥远的地方》等，如果王老没有很好的文学艺术修养，他也不会写出那些脍炙人口的好歌。十九世纪浪漫乐派的代表人物威尔第，他的许多歌剧《茶花女》、《弄臣》等都是在文学巨著的影响下而创作出来的。文学与艺术是相辅相成的。演唱者在提高自身的文学修养上，把文学中那份精美、那份使人喷饭出激情的火焰的思想运用在歌曲的表现中去，那么艺术将会更高雅、更辉煌，听众将会更进一步的理解它、认识它、接受它、喜爱它。六、 歌词的表现在于情真意切捷克著名歌唱家亨利·费尔笛南·爱斯坦曾经说过：“感情是歌词的灵魂，因此，只有当声音加感情同样完美时，歌唱才可能被称为艺术。”怎样才能使我们的歌词增强艺术性达到以情感人、声情并茂呢？记得在上声乐课时，老师都要求学生“唱出感情，以情带声并理解歌词的真正意义，理解歌曲的感情基础。”这些话虽然十分平淡，但都反映了歌唱者只有把握住歌曲的感情基调，才能正确理解曲作者的创作意图，演唱起来才能情真意切。假如一个演唱者对歌曲不做分析、研究，根本不理解歌曲要表达的内容感情，将歌曲演唱得平平淡淡，那么演唱者自己都不能为歌曲感动，听众又怎能被他感动呢？歌剧中那些留在人们心中的鲜明动人的音乐和活灵活现的主人公如卡门、费加罗、玛仁卡等，都是艺术家用心去体会、用情感来表演所塑造的形象。当然在歌曲、情感表现中也不要太过分，有些人想唱好的心情过于迫切，结果适得其反；而有些人则是表现的意图不明确，往往不考虑如何真实地表现作品本身，一味只想表现自己，这样演唱就会曲解原作的创作意图，从而经不起艺术严肃性与科学性的考验；再则是演唱者对作品的理解和表现有误，在演唱悲愤哀怒的歌曲时，演唱者的脸部表现或语气声音却是高兴的，而真是兴奋的歌曲却又麻木不仁，漠然置之；还有就是在动真情演唱时，还得学会有控制地适度地表现，如果正唱到悲伤时，失去了分寸感以致失声痛哭，泣不成声，这也是不行的。总之，一首歌曲的演唱成功与否，主要取决于演唱者本身对歌曲的理解和掌握的程度。你越能把复杂的现象或问题分析透彻，那么，你对它的了解和认识也越深入，解决与表现它的手段也就越有效。

在声乐教学中，歌曲演唱是声乐课堂中最核心部分，要学好一首歌，首要必须具备良好的嗓音条件和声乐技巧以及一定的文化音乐修养，更重要的是学生对所演唱作品的内涵有更深刻的理解再经演唱处理处才能达到更好的艺术效果。 声乐教学中学生所具备的声乐技巧是须要经过长时间的训练才能够完成的。歌曲的技巧是指与发声有关的全部声乐技能的统称，学生为了准确地表达声乐作品，既要对发声技巧做长期训练又要具有揭示与表现作品内涵的能力，歌曲处理是歌曲演唱的前奏，只有全面的对歌曲进行分析处理，才能使演唱声情并茂歌声优美动听，表现出生动感人的艺术魅力。现就歌曲处理从以下几个方面进行分析。 (一)对歌曲中歌词的分析 歌曲处理中对歌词的分析是很重要的，通过歌词我们可以理解作品的思想内容弄清作者的创作意图，歌曲的艺术魅力包括旋律和歌词，歌曲中的歌词像诗歌或散文一样，它是具有一定的韵律的，我们在演唱每一首歌曲前，应对它的行腔和抑扬顿挫进行一番研究，合理地安排各种强弱变化，使演唱有起伏，字词清晰分明，以利于歌曲的表现。如学生在演唱歌剧《江姐》中的《红梅赞》时，如果不去分析歌词的内涵，而仅仅从字面上理解赞颂红梅的品格，就无法表现作品的真正内涵，只有教师对学生进行正确指导，使学生明确作品的真正含义是通过对红梅的赞美宋歌颂革命者对革命的忠贞，傲对反动派以及对革命必胜的信心。只有这样学生才能够对歌曲进行正确处理。 (二)抓住歌曲的时代特征和把握作品的音乐风格 1、在声乐教学中，如何才能够唱好一首歌，必须让学生通过挖掘歌词的内涵，抓住歌曲的时代特征和把握作者的创作意图，在歌曲创作中会受到历史条件和环境所限，作者不能直接明确地表明自己的观点而不得不采用比较隐晦的用词或借喻的，如：唱《问》这首歌时，学生视谱填词后，一系列的问句，学生不明白歌曲表现什么内容，这就需要教师帮助学生从分析歌曲的创作背景来理解整首歌曲，这首歌词创作于二十年代，作者发出一系列意味深长的人生问题。是对当时国破家亡的社会发出的具有哲理性的感慨，其主题是对当时军阀混战、山河残破的祖国深沉的忧虑，学生只有对歌曲的内涵有 了真正的理解才能完整地表现整首歌的情绪情感。 2、掌握好歌曲的内容和风格，每一首歌曲都是表现一定的思想内容和情趣，它反映了一定的时代精神和思想内涵，由于作者的生活环境、生活经历、处世态度及个性的不同，在处理题材、表现手法和技巧运用方面各有不同的特色，从而形成作曲家特有的风格特征。我国各个历史时期的声乐作品就是如此，“五四”运动以来创作的音乐作品，以崭新风格、铿锵的音调，体现了现实生活中人民的爱憎与愿望，例如；聂耳的《大路歌》、《开路先锋》、《新女性》等歌曲，抗日战争时期，在中华民族面临危亡的时候，有《黄河大合唱》、《到敌人后方去》、《游击队歌》、《大刀进行曲》等激烈奔放的旋律与昂扬急促的节奏形成了抗日战争时期歌曲的典型音乐特点，解放时期，在歌曲音调上充满了革命英雄主义与乐观主义，产生了《解放区的天》、《战斗进行曲》、《打得好》等歌曲，解放后，人民在社会主义现代化建设表现出来的青春活力和自豪感，通过《歌唱祖国》、《社会主义好》、《唱支山歌给党听》等歌曲宽广明快的旋律与热烈奔放的节奏而表现出来，改革开放以来，声乐作品的创作出现了前所未有的繁荣景象，例如《在希望的田野上》、《走进新时代》等声乐作品，如同我们生活的快节奏的时代一样、百花齐放、热烈奔放。可见，随着时代的时步与社会的发展，就创作出了与之相适应的声乐艺术作品。 3、歌曲创作除了创作的时代和所表现的内容决定风格外，风格的另一个重要特征就是歌曲的民族性，不同的民族在长期的历史发展过程中，形成了本民族特有的艺术特征，他们不同的生活环境、风土人情，形成了他们在艺术上的独特风格，同样是民歌，东北民歌和新疆民歌就有着明显的区别，东北民歌的特点是豪放，并具有一定的诙谐性，而新疆民歌则是欢快和典型的舞蹈特征，这和他们能歌善舞的民族习俗是分不开，至于旋律和语言两种民歌的区别就更为明显。 (三)把握作品的情感变化 歌曲情感就是歌曲的基本情绪，演唱者必须通过对作品的内容进行深入研究，从而决定用什么样的方式来表达歌曲的“喜、怒、哀、乐”之情。歌唱是要表现一定的情感和内容，要想打动听众，必须以情带声。有的演唱者由于只片面追求声音，虽然声音有一定的强度和亮度，但缺少真情，声音也就苍白无力的，一定要理解歌曲所要表达的内容和情感，如果演唱者只是像背书一样地将歌唱完，又如何能够动人呢?但是，表达歌曲的感情过于夸张，其结果事于愿违，同样打动不了听众。每一首歌都有表现其不同的情感，如歌颂祖国、英雄为主题的歌曲，表现的是赞美、崇敬、深情、庄严、亲切、真诚……等，对人或旧社会进行控诉的歌曲，表现的情感则是悲愤、仇恨、沉重、压抑……等。描写孩子们愉快生活的歌曲，表现的情感则是轻松、活泼……等等。通过深入研究歌曲的词意，把握歌曲的情感，才能有助于歌曲内容的表达和形象的刻画，在演唱声乐作品之前，必须给所演唱的歌曲的情绪定位，例如《唱支山歌给党听》这首歌曲的情感，应该是歌颂、痛恨、赞美三种情绪的结合，要把握这三种情绪的演唱，除了采用不同的音色变化和力度变化宋表现，还要仔细分析歌词，抓住“关键字”的处理，例如，A段开始是典型的山歌风格，要用明亮的音色唱出前两句，这两句“党”字都落在主音上，要唱得舒展、明亮、感情亲切，第三名是连续的切分节奏，使感情不断推进、起伏、直达A段的高潮。 “党的光辉”中“光辉”二字要唱得高亢明朗、充满歌颂性，B段从“旧社会”起，表面对旧社会痛苦的回忆，音色要暗淡，速度应该慢些，突出“鞭子”二字，语气上要沉重一些，在“母亲只会泪淋淋”速度开始放慢，声音弱下来，下一句“共产党号召我闹革命”从感情上、速度上、音色上要突变、力度上加强，要有一种振奋人心的气势。“闹革命”三字要用最大的声音力度来唱，“揍敌人”三字语气要坚定有力，A到回到现实中，感情亲切、真挚，应该用流畅、舒展的声音宋赞颂对党的热爱之情，通过对歌曲的整个情绪进行深刻理解，演唱的艺术表现才更真挚动人，给人以美的享受。 二 歌曲演唱的艺术处理也就是表演艺术，是歌手对歌曲情感，风格的理解和表现，是对歌曲艺术形象的揭示。会唱一首歌并不等于唱好一首歌，下面我想就表演艺术从 “形体的真与美和舞台表演”进行探讨。 (一)形体表演的真与美 歌唱不仅是听觉艺术也是视觉艺术，形体表演对声乐艺术来说是非常重要的。它是将演唱心理动态、内在文化知识、思想感情等多种能力，外化成形体语言，却创造舞台表演，塑造人物形象的一种艺术手段，如果只有“唱”而没有“演”，只作用于观众的听觉器官而不作用于观众的观视器官，就会缺少感人的艺术形象，缺少真实感，如果只注重“演”而不注重“唱”那就失去了歌唱艺术的根本意义，所以只有高超的演唱技巧与形神兼备的表演完美结合，才是声乐艺术的最高境界，舞台形象的真与美，是舞台艺术的根本，只有真与美完美结合，才能达到形体表演的妙境，例如：演唱歌曲《小白菜》时，就要把自己当作“小白菜”真正深入到人物的思想中去体会、去想象，去哭诉小白菜的悲伤，当表演者演唱《我亲爱的》时，心里就有个爱人的形象，去尽情地爱尽情地倾诉。若要获得这种艺术的真实，演唱者必须展开想象必须有一种近乎宗教虔诚的热忱，毫无保留地，身心完全统一地投入，只有这样才能充分感染艺术，才能创作出真实可信的舞台形象，有了这一真实的本质，呈现出的才是美的歌唱艺术，对于演唱者来说，形体动作和神态表情如同心灵的窗户，表演者的一情一态、一招一式都是心灵的真接或间接反映，正面形象如此，就连反面形象的塑造也是心灵的折射，因此，作为声乐表演主体的人，其内在生活积累、思想修养、素质类型、文化程度、知识结构、思维方式等，在这里就显得尤为重要。形体表演大大解放了人的思想和身体，彻底地、积极地、全身心地投入美的艺术创造活动中，通过审美活动带给观众一次美的熏陶；情绪的感染；思想和情感的升华；心灵的净化。从而引发现性的思考，使人格更完善，因此，形神兼备的演唱不仅是声乐艺术极其重要的表现手段，也是歌唱艺术的最高的真和美的境界。 从形体表演的真与美这个角度进行了细致的分析和研究之后，走上舞台进行表演和演唱就是演唱者的主要任务了。 (二)舞台表演 1、要注意对歌词和咬字的处理。歌曲的艺术魅力包括旋律和歌词。由于歌曲的风格不同，在演唱时的咬字吐字也应各有特色。通过在演唱激昂有力的歌曲时，咬字吐字应结实有力，演唱节奏欢快、情绪热烈的歌曲时，吐字要轻快、敏捷，又要出口分明，字字清晰，不能拖泥带水，而演唱一些抒情的歌曲时，吐字则要柔和，像说话一样清楚。歌曲中的歌词像诗歌或散文一样，它是有一定的韵律的，我们在演唱每一首歌曲前，应对它的行腔和抑扬顿挫进行一番研究，合理地安排各种强弱变化，使演唱有起伏，字词清楚分明，以利于歌曲的表现。 2、要演唱好歌曲的高潮。歌曲中表达感情最强烈的部分就是歌曲的“高潮”，它一般是在旋律音较高和力度较强的地方，高潮在歌曲中常有以下几种情况：①歌曲的高潮通常在歌曲的尾声或接近尾声的地方出现；②歌曲的高潮在全曲的中后半部即四分之三处或五分之三处出现，整个歌曲有一个发生发展及推向高潮这么一个过程，符合音乐的发展规律；③没有高潮，整个歌曲的旋律只是轻轻的流动，没有大的起伏和高凌晨，这类歌曲是常见的：④有一个以上的高潮。很多歌曲由于音乐发展和表现的需要，有几个高潮，但是，虽然有几个高潮，也有主高潮和次高潮之分，在演唱中，一定要注意突出主高潮。 掌握了歌曲的高潮之后就要把它唱好，演唱者要根据自己的体力和能力，巧妙地进行设计和安排，以求更好地进行表现。 3、要处理好高音与低音的关系。一般说来，人的嗓音从低音到高音都有一个换声区，而不同的人，其音域及音色特点是有差异的。有的人高音好，而在低音方面就相对弱一些，反之，有的人低音好，在上高音方面就相对弱一些。为了尽可能表现好作品的风格和特点，就要求演唱者在高音和低音旋律的交替进行时，注意整个音区音色的变化和统一，只有在技术上达到尽善尽美，才能更好地进行音乐表现，使演唱听起来赏心悦目、沁人心脾。 4、歌曲的伴奏。歌曲的演唱需要和伴奏进行整体的配合，这样，整个音乐的表现才能完整。因此，伴奏也是一项非常重要的工作。演唱者要将伴奏的引子、间奏及其它部分记牢，变为演唱的一部分。一般说来，伴奏是对声乐演唱进行陪衬、烘托，它是音量不宜过大，即使是和演唱者所演唱的旋律一样时，伴奏的音量也不要超过演唱者。在做背景伴奏时，伴奏的音量应随着演唱者音量的变化而变化，随着演唱者速度的变化而变化。钢琴伴奏在给声乐伴奏时要注意对声音的控制，有些钢琴弹奏者在伴奏时，声音过于坚硬，缺乏修饰，音色缺乏变化和对美感的追求，弹出的声音和演唱的歌声无法融合在一起，所以，明确好自己的位置，控制好自己的声音，也是钢琴伴奏的主要任务。除此之外，钢琴伴奏要将自己的独奏部分，如前奏过门感练熟，钢琴伴奏水平的高低对声乐的演唱有着至关重要的作用，一位好的伴奏，可以立刻将演唱者带人音乐的境地，间奏弹得好，连接和过渡就合理，而尾声弹得好，能将演唱者的演唱推向高潮，也能使观众对全曲的印象形深刻。而对于乐队缩编谱，好的伴奏可以弹出乐队的效果来，对于演唱者的烘托就更加重要了。 5、要注意演唱时的表演和台风。演唱者在台上往往注意的是自己的方法、音量，对自己的体态动作考虑较少。然而表演是帮助我们演唱好充分抒发感情的一个重要部分。从头到尾站着不动就太呆板，手舞足蹈多余的动作就会过多地牵动观众的视线，破坏了歌曲的表达气氛，很不庄重。恰当的形体动潮湿和脸部表情都是歌唱中不可缺少的，演员和听众在音乐中应有交流，听众不仅仅是用耳朵欣赏歌曲，同时还要用眼睛欣赏演员的表演，因此歌唱者就应以最自然的举止出现在听众面前，演唱者在舞台上的台风给观众的印象是非常重要的。演，员在舞台上的一举一动都是为了完美地表现歌曲的思想内容，让听众在歌声及演员的姿态举止中受到艺术的感染。演唱者的台风包括台步、站位、面容、目光、形体表演动作，乃致服装、服饰都要得体、大方，所在这些注意事项中最为重要的是演员要用自己真挚的情去唱，要把歌曲中的欢乐、痛苦、愤怒、哭泣那种感情淋漓尽致地表达出来，把演唱者的声音和引人人胜的艺术形象融为一体，使听众深深地受到感染，难以忘怀。 总之，在声乐教学中，要让学生唱“会”一首歌并不难，但要唱“好”一首歌却是一个艰辛、细致、漫长的过程，它需要教师同学生一起认真分析研究，挖掘词曲作者的创作意图和创作背景等多方面因素，在深刻领会歌曲的内涵的基础上，再根据每个学生的具体情况，扬其所长，避其所短，使学生最终能用歌声把歌曲的总体构思和艺术设计生动、形象地表达出来，使演唱富于艺术人、深切感人。兼收并蓄、提高艺术修养，是每一位声乐表演者应不断努力的方面，因为声乐表现的题材是广泛和多样的，演唱者必须从各方面去丰富自己的想象力，博学才能更深刻地理解和阐释歌曲，才能加强表现力。人们常说艺术源于生活又高于生活，作为声乐表演者来说，其人格魅力的生成，需要长期的文化艺术修炼与涵养。假如要取得演唱的成功，表演者从日常状态进入艺术状态时，就不能不进行一番“心灵的净化”，不能不或多或少地洗心革面，甚至脱胎换骨(哪怕只是暂时的)。如果不是这样，就不能被作品所打动，亦不可能去打动别人。相反地，自我脱离不了日常状态，跃升不到艺术状态的高度，作品中高于生活的艺术美不仅不能表现出来，而且还会被曲解。只有排除艺术因素的干扰，对作者、作品和观众负责，让心灵永远生息在艺术表现里，才能完全投入到声乐表演艺术的创作之中。 歌曲的表现是永远止境的，这需要我们用毕生的精力去研究探索，随着时间的推移、知识与经验的增长，我们对歌曲的研究和表现就会愈加深刻而趋向完美，也只有不断地探索、追求，才能在艺术的天地里有所收获，演唱出人们喜爱的歌曲来。

（一）讲授式 1．讲授式是以教师活动为主的教学模式，通常以教师的讲解、演示、范读为主。 2．讲授式的结构特点是：教学目的是为了使学生掌握知识性、记忆性的知识；教学方法是以教师讲授为主，课堂主体是教师，学生是听众；教学程序大体是宣布本课教学目的并导入新课、讲授新课、巩固复习、布置作业等四个阶段。 3．讲授式教学的优点是：能充分发挥教师的主导作用，教师控制整个课堂、掌握教学进度；发挥正面教育和教学的作用，对学生直接传授知识和进行直接的思想品德教育；能容纳大量的听众。其缺点是：学生活动少；易受教师教学经验与教材难易及趣味性的影响。讲授法有一定的局限性，如果在运用时不能唤起学生的注意和兴趣，又不能启发学生的思维和想象，极易形成注入式教学。 4．讲授法的运用要注意以下几点：讲授内容具有科学性和思想性，观点与教材的统一；照应教材的全面性和系统性，同时抓住它的重点、难点和关键；语言要准确、清晰、简练、生动、通俗易懂。并符合学生的理解能力与接受水平；根据教材内容和学生学习需要，与其他教学方法配合使用，并合理使用电化教育手段。（二）启发式 1．启发式教学是教师在教学工作中依据学习过程的客体规律，以谈话、问答、揭示等引导学生主动、积极、自觉地掌握知识的教学形式。在中国，“启发”一词，源于古代教育家孔丘的“不愤不启，不排不发”。朱熹解释说：“愤者，心求通而示得之意；悱者，口欲言而未能之貌。启，谓开其意；发，谓达其辞”。孔子之后，《学记》的作者提出“道而弗牵，强而弗抑，开而弗达”，进一步阐发了启发式教学的思想，主张启发学生，引导学生，但不要硬牵着他们走；严格要求学生，但不施加压力；指明学习的路径，但不代替他们达成结论。 2．启发式教学的结构特点是：其目的是通过教师引导学生积极思考，达到对教材内容的真正理解，并培养学生探索问题的兴趣和思考能力；其方法，仍然发挥教师的主导作用，以讲授、谈话为主，但增加了学生的课堂活动，同时教师的主导作用由讲清教材变为引导学生自己弄懂教材，在关键之处启发学生思考，促使其领悟；其程序是：比较多样、复杂，视教材的难度及学生的理解程度的变化，一般可按“自学—发疑—提问—释疑”或“读读—议议—练练—讲讲”的步骤进行。3．启发式教学的特点是：强调学生是学习的主体，教师要调动学生的学习积极性，实现教师主导作用与学生积极性相结合；强调学生智力的充分发展，实现系统知识的学习与智力的充分发展相结合；强调激发学生内在的学习动力，实现学生动力与学习的责任感相结合；强调理论与实践联系，实现书本知识与直接经验相结合。启发式教学的实质在于正确处理教与学的相互关系，它反映了教学的客观规律。启发的优点是有助于培养学生思考问题的兴趣和能力；缺点是不容易掌握，使不少新教师在运用时常常流于简单的一问一答之中。（三）讨论式 1．讨论式是学生在教师的指导下，就教材中的基础理论或主要疑难问题，在独立钻研的基础上，共同进行讨论、辩论的教学组织形式。2．讨论式教学模式的结构特点是：目的上，引导学生探索问题，主动地解决问题，从中获得知识、技能，发展能力和智力；方法上，课堂以学生活动为中心，教师退居辅助地位，采用分组或全班讨论形式，由教师提出问题，学生自己去解决问题；程序上，基本分两个步骤，第一步，教师创设问题情境，并启发学生积极思考。第二步，学生解决问题，通过思考、辩论、总结，求得真正的答案。3．课堂讨论有三种基本类型：一种是用于扩大和加深有关学科理论知识而组织的系统的专题讨论；第二种是就某学科中个别主要问题或疑难问题而组织的课堂讨论；第三种是日常教学中采用的带有研究性的课堂讨论。课堂讨论的优点是，可以加深学生对理论知识的理解，有助于启发学生的独立思考，相互交流意见，培养学生独立分析问题、解决问题的能力和训练口头表达能力。缺点在于难以组织、发动学生，而学生一旦被发动起来又不易控制课堂秩序，而且讨论问题一般费时较多。4．进行课堂讨论一般要求是：讨论前，教师根据教学目的确定讨论的题目并提出具体要求，指导学生搜集有关材料，认真准备意见和写出发言提纲。讨论进行时，充分启发学生的独立思想，鼓励学生各抒己见，引导学生逐步深入到问题的实质并就分岐的意见进行辩论，培养实事求是的精神和创造性解决问题的能力。讨论结束时，教师作出总结，也可提出进一步思考和研究的问题。教学模式的功能（一）教学模式的中介作用。教学模式的中介作用是指教学模式能为各科教学提供一定理论依据的模式化的教学法体系，使教师摆脱只凭经验和感觉，在实践中从头摸索进行教学的状况，搭起了一座理论与实践之间的桥梁。教学模式的这种中介作用，是和它既来源于实践，又是某种理论的简化形式的特点分不开的。一方面，教学模式来源于实践，是对一定是具体教学活动方式进行优选、概括、加工的结果，是为某一类教学及其所涉及的各种因素和它们之间的关系提供一种相对稳定的操作框架，这种框架有着内在的逻辑关系的理论依据，已经具备了理论层面的意义。另一方面，教学模式又是某种理论的简化表现方式，它可以通过简明扼要的象征性的符号、图式和关系的解释，来反映它所依据的教学理论的基本特征，使人们在头脑中形成一个比抽象理论具体得多的教学程序性的实施程序。便于人们对某一教学理论的理解，也是抽象理论得以发挥其实践功能的中间环节，是教学理论得以具体指导教学，并在实践中运用的中介。（二）教学模式的方法论意义。教学模式的研究是教学研究方法论上的一种革新。长期以来人们在教学研究上习惯于采取单一刻板的思维方式，比较重视用分析的方法对教学的各个部分进行研究，而忽视各部分之间的联系或关系；或习惯于停留在对各部分关系的抽象的辨证理解上，而缺乏作为教学活动的特色和可操作性。教学模式的研究指导人们从整体上去综合地探讨教学过程中各因素之间的互相作用和其多样化的表现形态，以动态的观点去把握教学过程的本质和规律，同时对加强教学设计、研究教学过程的优化组合也有一定的促进作用。教学模式是从教学的整体出发，根据教学的规律原则而归纳提炼出的包括教学形式和方法在内的具有典型性、稳定性、易学性的教学样式。简洁地说就是在一定教学理论指导下，以简化形式表示的关于教学活动的基本程序或框架。教学模式包含着一定的教学思想以及在此教学思想指导下的课程设计、教学原则、师生活动结构、方式、手段等。在一种教育模式中可以集中多种教学方法。任何模式都不是僵死的教条，而是既稳定有发展变化的程序框架。本回答被网友采纳

歌唱是听觉艺术，它的艺术感染力最终要靠演唱来体现，歌唱者把音符和文字符号变成声音的过程，是一个艺术再创造的过程，也就是我们常说的“二度创作”。一首好的、甚至经典的歌曲的诗词和音乐终归只是停留在纸面上的，必须通过歌唱者把它唱活才能使听众充分感受。因此，作为一名歌唱者应该从各个方面来丰富自己，提高自己的文化艺术素质，脚踏实地地进行艰苦的艺术再创造活动。 当你拿到一首歌曲时，在歌唱的二度创作过程中应注意以下几个艺术环节： 一、 内涵的理解 所谓内涵，主要是指作品的内在含义即思想感情。理解作品的内涵，是演唱的基础。拿到一首歌曲，先不要急于唱谱，而应该将歌词反复朗诵几遍，以便从中了解主人公所处的时代背景、特定环境和思想感情。一首歌曲或长或短，都凝聚着作曲家的强烈感情，作曲家的深情厚意蕴藏在每个音符之中，歌唱者需要认真地去发掘和领会。对作品的理解越深，感受越深，在演唱时的表达则越纯真，越完美。一个演员或歌唱者文学修养的深线，会直接影响他对作品内涵的理解。不少学唱的人，往往单纯从声乐技巧来谈歌唱表现，因此平时的接触面比较窄，不看小说不看画，不读诗文不听音乐，甚至于连报纸也不常看，视野不开阔，知识不丰富，这样的学唱是唱不出感情来的。要知道对作品内涵有无深刻的理解，结果是大不一样的，因为只有在理解作品的基础上，才可能做到真情的表达。 二、 意境的想象 意境的想象，就是要尽量去启发音乐的想象力，演唱者应根据歌曲的内容和音乐形象，在自己的头脑中化为一幅幅活动画面，把自己化为作家、诗人，也变成作品的主人公。换句话说，就是要象戏剧演员进入角色一样去身临其境。如果你把一首歌曲的基本情绪和意境设想得很具体，那么你在表达时就会很真实和生动。想象和意境会很快帮助你确立起正确的音乐形象或者说歌曲的主人公的形象来，歌曲的主人公形象完整、统一了，歌曲的主题思想也就明确了，这样就会达到情真意切。当然歌唱者解释音乐的能力，不是一日之功，它是一种生活的积累，记忆的积累，情感的积累，这种积累越多，越丰富，“灵感”也越活跃，越丰富。因此作为歌者，应随时用眼睛和耳朵去搜集和倾听各种生活的画面和声音，去感受生活，从而增强我们对生活和人物的理解能力和想象能力，从而更深刻地理解作品的内涵。 三、 声音的运用 我们在演唱一首作品时，运用什么样的声音才能符合作品的思想内容和情感，这是值得研究和设计的问题。作为歌者有了美妙的声音外，能驾驭各种声音和音色变化的能力显得尤为重要，比如面对一首进行曲时要选用雄壮的声音，面对一首圆舞曲时应是明亮、华丽、轻巧的声音，面对一首摇篮曲时则需要用柔和甜蜜的声音等等。这里对声音也要有一个想象的过程，如对一首抒情轻柔的曲子时，可以把声音设想为“轻柔的纱巾在微风中飘洒”“树叶轻轻落在地上”这样的声音控制上；又如唱一首柔美而又轻巧的歌曲时，又可把声音比喻为“透明的露珠”、“春夜的雨滴”等等。总之，我们要擅于调动人声的声音“库”中最恰当的声音，唱出歌曲内容所需要的听觉效果，贴切地表现作品。 四、 风格的掌握 作品的风格或者说音乐的风格掌握得好与坏，演唱的效果是大不一样的。我们常常听一些独唱音乐会的演出，有的人声音相当漂亮，发声技巧也很高超，但整台音乐会从中国民歌唱到欧洲的古典艺术歌曲，听起来声音上也好，力度上也好，韵味上也好，总是一个样，一个味，让人听了过耳即忘，缺少心灵的共鸣和艺术的回味，更有甚者太缺少艺术修养和文化修养，把各种风格的歌曲混淆在一起，使之南腔北调，南辕北辙，与原作差距甚远。造成这些现象的原因主要是歌唱者没有很好地在歌唱前对作品的时代风格、民族风格、地区风格、个人风格等进行细致的分析和了解，没有能恰如其分地用自己的歌唱技巧来表达作品的风格。因此歌唱者要准确地表现作品的内涵还必须事先研究作品的风格（也就是演唱风格）。当然与其它姐妹艺术相比，音乐的风格具有的抽象性。音乐是无形的时间艺术，而绘画、雕塑、建筑等都是有形的空间艺术，因而他们的风格往往比音乐更容易一目了然。一个歌唱者文学修养的深浅，会直接影响他对作品的理解和风格的把握，因为风格的形成，主要就是建立在最深刻的认识基础上的。成熟的歌唱家是能把作曲家的创作意图和作品的风格特点淋漓尽致地表现出来，能把音乐的全部涵义，让听众“一耳了然”的。 五、 韵味的体现 演唱的二度创作是一个复杂的劳动过程，它对演唱者的要求也是多方面的。好的演唱者不仅能准确地领会和传达歌曲的艺术意境，同时还能通过自己的再创造，挖掘歌曲里某些潜在的、甚至作曲家没有料想到的东西。一首作品，作曲家无法提供韵味，它必须由演唱者自己去体会和创造。好的歌者并不满足于曲谱中所记下的音而必定会在音外的腔上下工夫（腔也就是韵味），并用得恰到好处。在你唱熟了一首新歌后，根据语言的特点、感情的需要，就会自然而然地在音调的旋律音上增加一些其它的音，使之成为装饰音、颤音、滑音、倚音等，唱起来就会更加动人和自然，就更有味道和美感，这就是韵味给作品带来的新的生命力。 六、 艺术的处理 有了对歌曲的真情实感后，就应该对歌曲处理有一个全面的总体设想，这里包括整个歌曲的速度、力度、音量、音色、伴奏等等问题。当然这些设想不是盲目的或是随心所欲的，歌曲的结构、曲体、调式旋律的起伏发展，直到节奏、和声等给演唱者以艺术表现的总启示，它们可以指引歌者内在情绪的走向，找到全曲的高潮及歌曲的层次。在演唱中特别要把握好艺术的对比性，如一首歌的叙述性和歌唱性的区别，一首歌曲中强弱、轻重的变化，其中最关键的是要找到歌曲的高点（高潮处）和低点。一般来说要突出高点，一定要把低点放低，一定要有铺垫的过程，否则一个劲儿地强或一个劲儿地弱是达不到艺术效果的。处理歌曲时，画龙点睛的部分往往是一些重点句、字。重点的词句要在咬字吐字上、感情上予以强调，要一句一字地，甚至在一个经过音上深下功夫，反复练唱，认真寻味，找到最适宜的表现手法。也就是说演唱者必须按照自己的总体设计反复演唱攻克难关，直到自己的处理化为真情的体现。 七、 忘我的演唱 唱歌要感动听众，首先要使自己处于兴奋而又激动的歌唱状态。“真真假假”是艺术表现的特定手法。“假”是为了表现“艺术的真”，“假”，是表现“真”的艺术技巧。真入假出而不失为真，才能发挥艺术的真实性和表现的真实性的统一，才能发挥艺术感染的强大作用。因此我们在演唱时一定要把握好这两者的关系，恰到好处地来表现艺术。在平常中，我们发现还有一些人在演唱时精神高度紧张，前怕狼后怕虎，满脑子私心杂念，这样的歌唱状态是绝对唱不好歌的，更不用说感动观众了。因此我们讲的“忘我的演唱”就是要演唱者丢掉一切来自思想上的或者声音上的包袱，消除一切紧张因素，以既充满激情而又放松自如的状态进入演唱，要知道，只有情感得到了解放，才能得到自然而舒畅的声音效果，才能有更完美的感情表达。歌唱艺术应该是“有声又有乐”。 八、 技术与艺术 技与艺，即声与情，一向是歌唱中血肉相连的两个部分。发声、咬字、吐字和情感的表达构成歌唱的整体，二者不可分割。歌唱的人声是以人身的整体作为乐器从事歌唱的，绝非只靠嗓子、气息或共鸣就能单独完成的，歌唱是全身心都参与的一种表演艺术，不仅全部身体都要参加，而且包括你的灵魂。歌唱应成为诸种因素融汇于一个整体中的扣人心弦的完美艺术，就是说，只有声情并茂，技艺结合，才能使歌唱达到感人的境界，产生沁人肺腑的艺术成果。声与情是辩证的统一，相辅相成。不论是专业歌唱者还是业余爱好者，在平时的训练中，要加强整体歌唱的意识，使歌唱发声与情感表达同时进行，使声、字、情成为一体，养成用心灵歌唱的习惯。

1：进行声乐训练，学习唱歌可以健身。科学的发声方法，需要人体各部分的配合，如，呼吸，丹田之气等，在练声时，呼气吐气无形中促进气血的循环，那对身体肯定是有帮助了。还有腰腹部肌肉的收缩，腔体、管道的共鸣等等。2：能提高人的审美。声乐艺术，是一种审美的艺术，不管什么歌曲，都紧紧围绕着生活，围绕着我们的情感。在歌曲中，我们体会着喜、怒、哀、乐等各种情绪，在潜移默化中，培养我们一定的审美习惯和审美观点。3：对提高学声乐者的教育,学习能力百利无一害。歌曲内容所表现的范围，是很大的。除了体现一定的思想，情感，方针，政策以外，还有许多生活、科学小知识。唱歌的过程，也是一个学习知识的过程所以，唱歌是一种很好的教育方式。4：演唱方便。唱歌没有固定的场合，没有太大的限制，小朋友唱，青少年、老年人都唱。走着唱，站着，坐着唱都行，身体就是你一生的乐器，走到哪儿，唱到哪儿，方便。不是你一定要随身带着才行。而且，你学会唱的歌曲，旋律，一辈子都不会忘，正所谓：唱到老，学到老，用到老。5：科学用嗓，保护声带。我们知道，人的嗓子，是我们和其他人进行交流的一种方式。不仅仅是用于唱歌。人的嗓音各不相同，音色有好有坏，声音有明亮的，清脆的，沙哑的等等。但是，我们刚一出生的啼哭，听起来都是差不多的，都很清脆。为什么后来，有许多人嗓子出了问题，讲话费力，声音难听呢？原因是多方面的，有遗传，病变等，还有就是不知道用嗓的科学，不注意保护等造成的。学习声乐，必然要学习科学的用嗓，要懂得保护自己的喉咙，不乱喊乱叫，同时，提高自己的发声质量，使你的声音更圆润，更甜美。扩展资料：声乐，是指用人声演唱的音乐形式。声乐是以人的声带为主，配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息，发出的悦耳的、连续性、有节奏的声音。按音域的高低和音色的差异，可以分为女高音、女中音、女低音和男高音、男中音、男低音。每一种人声的音域，大约为二个八度。声乐包括：美声唱法、民族唱法和通俗唱法，2006年中国又出现了原生态唱法。通常声乐指美声唱法。参考资料：百度百科-声乐

1、就业形势不乐观，当前普通二本师范类院校的学生基本上处于找不到工作的尴尬境地。今年有一个陕西师范大学的学生，学声乐的，人家是重点啊！愣是正规高中进不去，难啊！她父亲将15万现金丢到领导面前，央求没有编制也成，那也进不来；2、当然如果你自己专业实力超群的话，那就两说了，就是二本的院校，如果专业排在班里的前五名也不愁找工作。反之，音乐学院的学生专业不过硬，也得搁浅。去年有音乐学院的学生，虚度了四年大学生活的声乐专业学生，毕业后只能在琴行打工，你说这音乐学院上的有劲么？3、我给你分析一下，师范类二本基本上是去乡一级的高中，那就不错了；重点类的师范院校，还得说好的学生，估计有可能找到比较大的城市的高中；将来如西安音乐学院这样的毕业生，包括声歌系，估计进团的可能性也很小，当然专业把拔尖的除外，我说大多数能找个大城市的高中，有编制就不错了；中央、中国、上海三大院学生相对好找工作，我就不赘述了。4、不过你目前是高一，有的是时间苦练专业。如果将自己的专业学的过硬，你将会走一个相对理想的大学，这是最好了，如果专业马马虎虎的话，就不好说了。不知道说的清楚不清楚，我是有资格回答你问题的，因为我从事高中的声乐教育已经11年了，每一届高三都是我送的。说实话：有时候我真为我的学生们担心哪！